Diferencia entre revisiones de «Problemática de la expresión moderna, y la relación de las vanguardias con la obra»

De Casiopea
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Varios. (1931). De Stijl: 1917-1931: Visiones de utopia. Madrid: Alianza Editorial.</div>
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===Bauhaus===
 
Por su lado la Bauhaus solo necesito algunos años para que superara a cualquier otro centro de enseñanza y se convirtiera no solo el la primera escuela de diseño, sino que todo un movimiento artístico de carácter internacional,  donde se conjugaban arquitectura, arte y diseño.
 
Walter Gropius fundo la bauhaus como una unión de la escuela de bellas artes con la escuela de artes y oficios. Aunque al igual que otros movimientos de vanguardia, vivió procesos políticos y sociales de gran influencia, de hecho, tras la guerra comenzaron a surgir movimientos revolucionarios que aspiraban a renovar la sociedad con la necesidad de encontrar nuevos caminos para la composición y el diseño.
 
El objetivo de la escuela, era reformar la enseñanza de las artes para lograr una transformación de la sociedad. Para Gropius la base del arte estaba en la artesanía: los artistas tenían que volver al trabajo manual. Con ella se trataba de unir todas las artes, estableciendo así una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana.
 
‘‘“La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público”.’’
 
Con la idea del arte como respuesta a las necesidades de la sociedad se pretendía eliminar las diferencias entre artistas y artesanos. Los estudiantes se formaban en distintos áreas para descubrir sus preferencias y orientarse para su posterior desempeño, bajo la premisa del ‘‘“aprender trabajando”’’, aprendían las pautas básicas de los diferentes oficios y materiales. Ademas asistían a ‘‘“vorkurs”’’, un taller creado por Johannes Itten donde se investigaban los principales componentes visuales como textura, color, forma, contorno y materiales.
 
Los pintores Paúl Klee y Kandinsky se unieron a la escuela dando clases de composición basado en las formas elementales y el arte debía hacerlas visibles. Es la fase idealista , expresionistas y de experimentación de formas, productos y diseños.
 
Se utilizan las formas geométricas básicas (el círculo, el cuadrado y el triángulo) junto con los tres colores primarios como base aunque los colores principales fueron negro, blanco y rojo.
 
Luego se incorpora László Moholy-Nagy, que supuso la introducción de las ideas del Constructivismo Ruso y el Neoplasticismo. Se buscaba un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración. Aunque la metodología estaba basada en una ‘‘“investigación de la esencia”’’ y un ‘‘“análisis de la función”’’.
 
Tras la gran recesión se mudan a Desseau, en donde se comienzan a generar grandes fiestas temáticas donde se fortalecía las relaciones de la escuela con los ciudadanos. Se generaron distintos cambios debido a la presión del gobierno, Moholy Nagy y Walter Gropius dejan la bauhaus en manos de Hannes Meyer, para que finalmente se haga cargo Mies Van Der Rohe. Un par de años después es cerrada por los nazis para eliminar cualquier rastro de arte ‘‘“decadente”’’. Tanto Miës van der Rohe como los profesores y alumnos que fueron perseguidos por el régimen huyeron del país y se instalaron en Estados Unidos donde siguieron con sus ideales y donde Moholy-Nagy estableció La Nueva Bauhaus: el Instituto de Diseño de Chicago.
 
Esta sería la que respetaría más fielmente el plan de estudios original.
La Bauhaus es generalmente vista como un canon o un estilo formal, sin embargo, fue mucho más que el diseño de objetos y artefactos. Su objetivo era el diseño de un nuevo estilo de vida entendiendo a la gente como individuos y como seres sociales con su identidad humana y la dignidad inherentes . Pretendía lograr esto a través de una síntesis de arte y la vida, el trabajo y el juego. Fue el primer lugar donde se institucionalizó el anhelo del avant-garde europeo para la renovación social y autorizado por el estado en una escuela de diseño.
 
La base de este tipo de institución con tales objetivos de largo alcance habría sido inconcebible. Con el establecimiento de la Bauhaus, Walter Gropius, educa y forma a un nuevo tipo de persona, que contribuiría a cambiar el mundo que pretendía.
 
<div class="toccolours mw-collapsible mw-collapsed">
>Fuente: Gropius W. (1919). Manifiesto Bauhaus. weimar.
Gropius W. (1966). La nueva arquitectura y La Bauhaus. weimar.
Kandinsky V (Desconocido). Curso de la bauhaus. weimar.</div>
 
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Revisión del 23:08 22 oct 2018




TítuloChristopherCastro _ Problemática de la expresión en las vanguardias - Presentación de las Vanguardias 2018
Del CursoPresentación de las Vanguardias 2018
CarrerasArquitectura
1
Alumno(s)Christopher Castro

Problemática de la expresión moderna, y la relación de las vanguardias con la obra.

Contextualización: Precedente y Evolución.

“Una mañana estábamos pintando cuando uno de nosotros se quedo sin negro y empleo en su lugar el azul. El impresionismo había nacido.” Renoir.


Las vanguardias representan una época en donde los movimientos artísticos pretendían madurar el arte y generar cambios en la técnica, rompiendo con la tradición, ya sea por una casualidad o por el estudio de un movimiento anterior, se empieza a formar una expresividad de la obras ya no por lo imitativo sino que por lo interpretado.

A comienzos del siglo XIX algunos artistas impresionistas, se consideraban audaces por usar nuevas técnicas, pincelada visible y espontanea, y donde existe una interpretación, el mismo pintor como un filtro de la realidad. Desde allí Cézanne concluye que es necesario simplificar la forma. A principios del siglo XX los artistas Fauves ya comenzaban a experimentar con nuevos colores, generando una trasmutación de la escena natural, con su propio deleite mostraban al mundo que la representación ya no era de luces y sombras, sino que había un ahondamiento del color. De esta manera el artista crea bajo el estimulo de una excitación que se ha filtrado a través de su temperamento e intuición.

En cambio el expresionismo y en parte el surrealismo, ya no solo buscaba representar aquello que se miraba, sino que también la expresión de las ideas y emociones que el espacio les daba, deseaban mostrar aquello que estaba fuera del mundo visible, para extender el dominio del arte mas allá de lo existente, de modo que también comprendiese lo imaginado, lo soñado o lo presentido. Esto marca un gran cambio en la expresión artística, ya que la obra ya no respondía a fines objetivos, de hecho se desconocían las reglas clásicas de perspectiva y proporción, o se modificaban los elementos para combinarlos de otra manera. El artista con su propia personalidad importaba mas que el tema elegido, expresando con intensidad, y proponiendo al espectador generar su propio juicio.

El cubismo se hizo mas radical, ya que su objetivo era la descomposición de la imagen, el análisis de los objetos para entender sus cualidades corpóreas, ya no se pintaba un prototipo sino que se hacia desde la memoria. De hecho, ya no eran ilusiones espaciales relacionadas con la realidad, sino que era una espacialidad irracional y totalmente distinta a la de la experiencia del artista. En esta etapa los objetos fueron sometidos al tratamiento y al color, según el criterio del artista y a las necesidades de la composición de la propia obra.

En el ultimo periodo se comienza a perfilar una serie de movimientos dedicados a la total destrucción de todas las imágenes y las apariencias, para terminar por completo con la pintura natural y todo objeto reconocible. El artista entonces estructura la composición ya sea por una abstracción o desde inspiraciones geometrías, musicales o espirituales, donde la luz y sombra, el color, la masa y las líneas se someten meramente a una regla estética.

>Fuente: Peter de Francia, Mathews D, Hoffmann E, Schemeller A & Gore F. (1961). Tiempo y Color. Mexico D. F.: Editorial Hermes, S.a.

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Construcción de la expresión Abstracta.

Este periodo de experimentación y expresión abstracta se puede definir entre 1900 y 1920 aprox., cuando varios artistas conscientes de los cambios que se estaban gestando en las ultimas décadas, se comienzan a reunir en distintos grupos con el propósito de alinearse y publicar algunos manifiestos que daban cuenta de sus propios estudios. Comenzaron a observar y examinar la estructura de algunos fenómenos físicos, de la naturaleza y el universo, haciendo de cada obra un mundo completo en si mismo.

A diferencia del impresionismo, expresionismo, fauvismo, cubismo y surrealismo, que solo interpretan o trasponen los objetos naturales, la pintura abstracta intenta abolirlos totalmente. En esa época estos grupos de artistas comenzaron a cuestionarse ese problema: ¿Como desprenderse finalmente de la función descriptiva de la pintura?.

Podríamos decir que la pintura abstracta es producto de los cambios que los movimientos vanguardistas fueron pensando. De esta manera hay que señalar que las grandes tendencias de comienzos de siglo XX son para este estudio: el cubismo y el fauvismo. En general, se comienza a optar, todas las obras en las que predomina el color plano sobre el claroscuro y las gradaciones lumínicas , en las que la composición pasa a un primer plano sobre los factores discursivos que la dialéctica de la imitación formal implica. Ademas era necesario llegar a la abstracción de las condiciones artísticas, esto separándola de todo lo imitativo, aun cuando no fuera un pretexto para delatar expresivamente la vivencia pasional del artista sobre la obra.

Sobre el problema del valor.

La calidad ontológica de la pintura, renuncia a la imitación del objeto. En este sentido la obra cobra su valor logrando lo mismo que La Gioconda logra en su época, aunque ya no por la maestría de la imitación sino que por las impresiones que esta evoca. Estas obras nacen con tendencia a lo colectivo, precisan de la continuidad del autor para generar un conjunto y de esta manera brillar con su máxima eficacia. En ese sentido vale decir que lo artístico es esencialmente distinto a lo temático.

El uso del color localizado y la sensación directa de relaciones en el espacio han sido la base del arte abstracto, a partir de la cual cada artista (incluso a veces en cada obra) elabora leyes propias.

“Puesto que no comprendes el vuelo de mi pensamiento, es preciso tratar de explicártelo. Por la belleza de las figuras no entiendo lo que muchos imaginan, por ejemplo los cuerpos hermosos, bellas pinturas, sino que entiendo por aquella lo que es recto y circular, y las obras de este género, planas y solidas, trabajadas a torno, así como las hechas con regla y con escuadra: ¿concibes mi pensamiento? Porque sostengo que estas figuras no son, como las otras, bellas por comparación, sino que son siempre bellas en si por su naturaleza, y que procuran ciertos placeres que les son propios y no tienen nada de común con los placeres producidos por los estímulos carnales. Otro tanto digo de los colores bellos, que tienen una belleza del mismo género, y de los placeres que les son afectos.” Platon: Filebo

”Hay que aprender a ver en la naturaleza la esfera, el cilindro y el cono” Cézanne

>Fuente: Gore F. (1961). Tiempo y Color. Mexico D. F.: Editorial Hermes, S.a.

Cirlot J. (1951). La Pintura Abstracta. Barcelona: Ediciones Omega, S.a.

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Estudios de Forma y Color.

Wassily Kandinsky.

En sus comienzos residió en París, donde fue influenciado por artistas fauves. Una tarde, regresaba a su casa después de haber pintado al aire libre y, al entrar en su estudio iluminado por la luz del ocaso, fue sorprendido por la visión de un cuadro “indecidiblemente bello, irradiando luz interior” y “el contenido de cuyas formas y colores era incomprensible”. Kandinsky experimento uno de los mas grandes anhelos: recobrar el sentido del misterio. Advirtió que se trataba de sus propias telas puestas de lado. Iniciando una etapa conocida como Durchbruck (Ruptura) , que consistió en destruir todo vestigio de corporeidad en su pintura.

Luego comienza a formar parte de la bauhaus donde Hans Arp define su obra: “De un modo magnifico, fuerzas glaciales se oponen a fuerzas incandescentes y dialogan y gesticulan con la verdad del verbo. Todo asciende y desciende en rondas luminosas a través de celestes esferas, claras o sombrías. Vías lácteas, frágiles hierbas, murmuran algo en fondos infinitos. Mundos estallan en simientes o en mínimas briznas, con un sonido perceptible a la mirada solamente”.

Se considera como uno de los precursores del arte abstracto, mediante su estudio del color y la forma pudo extraer un lenguaje con el cual expresar sus anhelos y temperamento apasionado y fugaz, ofrece signos visibles de impregnacion cultural. Ritmos esenciales, colores fundamentales y orden peculiar, todo lo cual puede ser abstraído de los objetos para ser plasmado en su pureza diamantina.

Will Grohman dice que "las etapas sucesivas de su arte se señalan por abandonos progresivos. En su primera etapa, predomina un sentimiento de catástrofe lírica; en la segunda, la proyección de una necesidad de organización mental del mundo ; en la tercera, una indefinible síntesis de valores. Corresponden al destierro de lo figurativo, de lo expresivo y de lo simbólico."

Piet Mondrian.

Es considerado como figura central del neoplasticismo y representante de la abstracción geométrica, durante su carrera no existen mayores desviaciones, ya que siempre se dedico a ahondar y purificar cada vez mas su obra. El inicia inspirado por cubistas, aunque considero que ellos nunca llevaron hasta las ultimas consecuencias las conclusiones que sostenían sus propios experimentos. Para el la única solución era una pintura pura, liberada de las apariencias y completamente independiente de los objetos.

En “la nueva expresión plástica en la pintura”, expone que cuando en parís el cubismo alcanzaba su apogeo, en Holanda algunos artistas se dedicaban a una pintura mas apropiada a las superficies planas del cuadro, una pintura plana en el plano. En un principio componían con la intención de expresar cierto volumen natural, pero llegaron a concluir que el cuadro exige “una equivalencia total de los planos respecto al fondo”.

Así, la nueva composición reposa sobre oposiciones contrariantes y neutralizantes. Experimenta con los mas simples medios pictóricos: La linea es recta y siempre opera en angulo recto. Ocupa una figura geométrica y tres colores primarios. Pasan a ser la encarnación de cierta especie de movimiento.

Por el hecho de realizar arte abstracto, no se sobrepasan los limites de la plástica; no se llega a la abstracción puro, es decir, al territorio del pensamiento. El arte abstracto se expresa por una de las imágenes mas concretas, por medio de la forma mas reducida y elemental.

>Fuente: Cirlot J. (1951). La Pintura Abstracta. Barcelona: Ediciones Omega, S.a.

Zervos C. (1926). La nueva expresión plástica en la pintura. En Cahiers d’Art. Paris

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Trascendencia y Legado.

DeStijl

El arte abstracto, al proporcionar un lenguaje de diseño tan elemental, logro una gran influencia en la arquitectura y en todas las artes aplicadas. Se convirtió en parte fundamental de las escuelas de arte y refuerza o reemplaza algunas disciplinas mas antiguas. Parece existir realmente un estilo común caracterizado por la simplicidad funcional, el empleo apropiado e imaginativo de los materiales y el sentido de la proporción. Al mismo tiempo, se niega toda cualidad personal en el manejo del pigmento: todo lo que importa es establecer un equilibrio dinámico; las proporciones de cada área, el peso del color, el grueso del trazo. Deben conducir a un equilibrio critico de elementos opuestos y encontrados.

Los movimientos mas clásicos son los herederos de la tradición de la pintura pura de De Stijl y el Bauhaus. Algunos de estos han sido inevitablemente llevados por la búsqueda de formas puras a la construcción de objetos tridimensionales.

De Stijl fue un grupo de artistas alineados principalmente por la revista que fue publicada en 1917-1931, sus actores principales eran: Mondrian, Van Doesburg, Huszar, Oud, y Kok. La razón de su alta significación, fue que en un ámbito colectivo fueron precursores del funcionalismo, no confiaron exclusivamente en la inspiración abstracta, sino que se aplicaron metodologicamente a la satisfacción directa de las necesidades del espíritu y la sensibilidad. Su inspiración procedía de tres fuentes fundamentales, el Cubismo, la arquitectura holandesa, y las ideas filosóficas de Schoenmaekers, en ‘‘“mística racionalista”.’’

Consistía en la reducción progresiva de esquemas naturales a formas geométricas, extrayendo las esenciales cualidades plásticas. Van Doesburg Inspirado por kandinsky asegura que “El artista busca lo universal en lo particular. Encontrar lo bello no es sino hallar lo universal. Ese principio universal es lo divino. Reconocer lo divino en cualquier obra a hacer formada unicamente de lineas horizontales y verticales, una obra compuesta por dos direcciones universales y el modo de su ordenación - ordenación que no procede de la mano y el cerebro, sino de la emoción - mediante cuyos elementos expresaría lo divino en el tiempo mas corto y de la manera mas directa”.

Van Doesburg, a partir la fundación De Stijl se intereso principalmente por la arquitectura, diseñando tipos funcionales, que tras la divulgación en Europa central paso de ser llamada abstracción real a neoplasticismo. En los años siguientes se extendió el prestigio de estas formas y principios, conquistando adeptos como Mies Van der Rohe, Walter Gropius y Le Corbusier. Causa placer la comparación de aquellas formas pictóricas de aquel momento con los diseños de plantas y fachadas de algunos edificios. Es una igualdad absoluta la que reina entre esas dos manifestaciones de un mismo amor por la proporción y la expresión del orden, como supremo valor artístico.

Modrian fue uno de los integrantes del grupo de jóvenes arquitectos y pintores holandeses que publicaron la revista <De Stijl> (El estilo). Predicaban la coordinación de la pintura, escultura y arquitectura en un lenguaje universal. La personalidad individual se limitaría a servir a un principio general.


El autor exige que la atención se detenga frente a su obra. La obra se manifiesta de otra manera que la naturaleza, la obra se trata de expresar solo lo que es esencial en la naturaleza.

>Fuente: Van Doesburg T. (1915). El nuevo movimiento en la Pintura Cirlot J. (1951). La Pintura Abstracta. Barcelona: Ediciones Omega, S.a.

Varios. (1931). De Stijl: 1917-1931: Visiones de utopia. Madrid: Alianza Editorial.

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Bauhaus

Por su lado la Bauhaus solo necesito algunos años para que superara a cualquier otro centro de enseñanza y se convirtiera no solo el la primera escuela de diseño, sino que todo un movimiento artístico de carácter internacional, donde se conjugaban arquitectura, arte y diseño.

Walter Gropius fundo la bauhaus como una unión de la escuela de bellas artes con la escuela de artes y oficios. Aunque al igual que otros movimientos de vanguardia, vivió procesos políticos y sociales de gran influencia, de hecho, tras la guerra comenzaron a surgir movimientos revolucionarios que aspiraban a renovar la sociedad con la necesidad de encontrar nuevos caminos para la composición y el diseño.

El objetivo de la escuela, era reformar la enseñanza de las artes para lograr una transformación de la sociedad. Para Gropius la base del arte estaba en la artesanía: los artistas tenían que volver al trabajo manual. Con ella se trataba de unir todas las artes, estableciendo así una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana.

‘‘“La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público”.’’

Con la idea del arte como respuesta a las necesidades de la sociedad se pretendía eliminar las diferencias entre artistas y artesanos. Los estudiantes se formaban en distintos áreas para descubrir sus preferencias y orientarse para su posterior desempeño, bajo la premisa del ‘‘“aprender trabajando”’’, aprendían las pautas básicas de los diferentes oficios y materiales. Ademas asistían a ‘‘“vorkurs”’’, un taller creado por Johannes Itten donde se investigaban los principales componentes visuales como textura, color, forma, contorno y materiales.

Los pintores Paúl Klee y Kandinsky se unieron a la escuela dando clases de composición basado en las formas elementales y el arte debía hacerlas visibles. Es la fase idealista , expresionistas y de experimentación de formas, productos y diseños.

Se utilizan las formas geométricas básicas (el círculo, el cuadrado y el triángulo) junto con los tres colores primarios como base aunque los colores principales fueron negro, blanco y rojo.

Luego se incorpora László Moholy-Nagy, que supuso la introducción de las ideas del Constructivismo Ruso y el Neoplasticismo. Se buscaba un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración. Aunque la metodología estaba basada en una ‘‘“investigación de la esencia”’’ y un ‘‘“análisis de la función”’’.

Tras la gran recesión se mudan a Desseau, en donde se comienzan a generar grandes fiestas temáticas donde se fortalecía las relaciones de la escuela con los ciudadanos. Se generaron distintos cambios debido a la presión del gobierno, Moholy Nagy y Walter Gropius dejan la bauhaus en manos de Hannes Meyer, para que finalmente se haga cargo Mies Van Der Rohe. Un par de años después es cerrada por los nazis para eliminar cualquier rastro de arte ‘‘“decadente”’’. Tanto Miës van der Rohe como los profesores y alumnos que fueron perseguidos por el régimen huyeron del país y se instalaron en Estados Unidos donde siguieron con sus ideales y donde Moholy-Nagy estableció La Nueva Bauhaus: el Instituto de Diseño de Chicago.

Esta sería la que respetaría más fielmente el plan de estudios original. La Bauhaus es generalmente vista como un canon o un estilo formal, sin embargo, fue mucho más que el diseño de objetos y artefactos. Su objetivo era el diseño de un nuevo estilo de vida entendiendo a la gente como individuos y como seres sociales con su identidad humana y la dignidad inherentes . Pretendía lograr esto a través de una síntesis de arte y la vida, el trabajo y el juego. Fue el primer lugar donde se institucionalizó el anhelo del avant-garde europeo para la renovación social y autorizado por el estado en una escuela de diseño.

La base de este tipo de institución con tales objetivos de largo alcance habría sido inconcebible. Con el establecimiento de la Bauhaus, Walter Gropius, educa y forma a un nuevo tipo de persona, que contribuiría a cambiar el mundo que pretendía.

>Fuente: Gropius W. (1919). Manifiesto Bauhaus. weimar. Gropius W. (1966). La nueva arquitectura y La Bauhaus. weimar.

Kandinsky V (Desconocido). Curso de la bauhaus. weimar.

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