Problemática de la expresión moderna, y la relación de las vanguardias con la obra

Título	ChristopherCastro _ Problemática de la expresión en las vanguardias - Presentación de las Vanguardias 2018
Del Curso	Presentación de las Vanguardias 2018
Carreras	Arquitectura
Nº	1
Alumno(s)	Christopher Castro

Problemática de la expresión moderna, y la relación de las vanguardias con la obra.

Contextualización: Precedente y Evolución

“Una mañana estábamos pintando cuando uno de nosotros se quedo sin negro y empleo en su lugar el azul. El impresionismo había nacido.” Renoir.

Las vanguardias representan una época en donde los movimientos artísticos pretendían madurar el arte y generar cambios en la técnica, rompiendo con la tradición, ya sea por una casualidad o por el estudio de un movimiento anterior, se empieza a formar una expresividad de la obras ya no por lo imitativo sino que por lo interpretado.

A comienzos del siglo XIX algunos artistas impresionistas, se consideraban audaces por usar nuevas técnicas, pincelada visible y espontanea, y donde existe una interpretación, el mismo pintor como un filtro de la realidad. Desde allí Cézanne concluye que es necesario simplificar la forma. A principios del siglo XX los artistas Fauves ya comenzaban a experimentar con nuevos colores, generando una trasmutación de la escena natural, con su propio deleite mostraban al mundo que la representación ya no era de luces y sombras, sino que había un ahondamiento del color. De esta manera el artista crea bajo el estimulo de una excitación que se ha filtrado a través de su temperamento e intuición.

En cambio el expresionismo y en parte el surrealismo, ya no solo buscaba representar aquello que se miraba, sino que también la expresión de las ideas y emociones que el espacio les daba, deseaban mostrar aquello que estaba fuera del mundo visible, para extender el dominio del arte mas allá de lo existente, de modo que también comprendiese lo imaginado, lo soñado o lo presentido. Esto marca un gran cambio en la expresión artística, ya que la obra ya no respondía a fines objetivos, de hecho se desconocían las reglas clásicas de perspectiva y proporción, o se modificaban los elementos para combinarlos de otra manera. El artista con su propia personalidad importaba mas que el tema elegido, expresando con intensidad, y proponiendo al espectador generar su propio juicio.

El cubismo se hizo mas radical, ya que su objetivo era la descomposición de la imagen, el análisis de los objetos para entender sus cualidades corpóreas, ya no se pintaba un prototipo sino que se hacia desde la memoria. De hecho, ya no eran ilusiones espaciales relacionadas con la realidad, sino que era una espacialidad irracional y totalmente distinta a la de la experiencia del artista. En esta etapa los objetos fueron sometidos al tratamiento y al color, según el criterio del artista y a las necesidades de la composición de la propia obra.

En el ultimo periodo se comienza a perfilar una serie de movimientos dedicados a la total destrucción de todas las imágenes y las apariencias, para terminar por completo con la pintura natural y todo objeto reconocible. El artista entonces estructura la composición ya sea por una abstracción o desde inspiraciones geometrías, musicales o espirituales, donde la luz y sombra, el color, la masa y las líneas se someten meramente a una regla estética.

>Fuente: Peter de Francia, Mathews D, Hoffmann E, Schemeller A & Gore F. (1961). Tiempo y Color. Mexico D. F.: Editorial Hermes, S.a.

Construcción de la expresión Abstracta

Este periodo de experimentación y expresión abstracta se puede definir entre 1900 y 1920 aprox., cuando varios artistas conscientes de los cambios que se estaban gestando en las ultimas décadas, se comienzan a reunir en distintos grupos con el propósito de alinearse y publicar algunos manifiestos que daban cuenta de sus propios estudios. Comenzaron a observar y examinar la estructura de algunos fenómenos físicos, de la naturaleza y el universo, haciendo de cada obra un mundo completo en si mismo.

A diferencia del impresionismo, expresionismo, fauvismo, cubismo y surrealismo, que solo interpretan o trasponen los objetos naturales, la pintura abstracta intenta abolirlos totalmente. En esa época estos grupos de artistas comenzaron a cuestionarse ese problema: ¿Como desprenderse finalmente de la función descriptiva de la pintura?.

Podríamos decir que la pintura abstracta es producto de los cambios que los movimientos vanguardistas fueron pensando. De esta manera hay que señalar que las grandes tendencias de comienzos de siglo XX son para este estudio: el cubismo y el fauvismo. En general, se comienza a optar, todas las obras en las que predomina el color plano sobre el claroscuro y las gradaciones lumínicas , en las que la composición pasa a un primer plano sobre los factores discursivos que la dialéctica de la imitación formal implica. Ademas era necesario llegar a la abstracción de las condiciones artísticas, esto separándola de todo lo imitativo, aun cuando no fuera un pretexto para delatar expresivamente la vivencia pasional del artista sobre la obra.

Sobre el problema del valor

La calidad ontológica de la pintura, renuncia a la imitación del objeto. En este sentido la obra cobra su valor logrando lo mismo que La Gioconda logra en su época, aunque ya no por la maestría de la imitación sino que por las impresiones que esta evoca. Estas obras nacen con tendencia a lo colectivo, precisan de la continuidad del autor para generar un conjunto y de esta manera brillar con su máxima eficacia. En ese sentido vale decir que lo artístico es esencialmente distinto a lo temático.

El uso del color localizado y la sensación directa de relaciones en el espacio han sido la base del arte abstracto, a partir de la cual cada artista (incluso a veces en cada obra) elabora leyes propias.

“Puesto que no comprendes el vuelo de mi pensamiento, es preciso tratar de explicártelo. Por la belleza de las figuras no entiendo lo que muchos imaginan, por ejemplo los cuerpos hermosos, bellas pinturas, sino que entiendo por aquella lo que es recto y circular, y las obras de este género, planas y solidas, trabajadas a torno, así como las hechas con regla y con escuadra: ¿concibes mi pensamiento? Porque sostengo que estas figuras no son, como las otras, bellas por comparación, sino que son siempre bellas en si por su naturaleza, y que procuran ciertos placeres que les son propios y no tienen nada de común con los placeres producidos por los estímulos carnales. Otro tanto digo de los colores bellos, que tienen una belleza del mismo género, y de los placeres que les son afectos.” Platon: Filebo

”Hay que aprender a ver en la naturaleza la esfera, el cilindro y el cono” Cézanne

>Fuente: Gore F. (1961). Tiempo y Color. Mexico D. F.: Editorial Hermes, S.a.

Cirlot J. (1951). La Pintura Abstracta. Barcelona: Ediciones Omega, S.a.

Estudios de Forma y Color

Wassily Kandinsky

En sus comienzos residió en París, donde fue influenciado por artistas fauves. Una tarde, regresaba a su casa después de haber pintado al aire libre y, al entrar en su estudio iluminado por la luz del ocaso, fue sorprendido por la visión de un cuadro “indecidiblemente bello, irradiando luz interior” y “el contenido de cuyas formas y colores era incomprensible”. Kandinsky experimento uno de los mas grandes anhelos: recobrar el sentido del misterio. Advirtió que se trataba de sus propias telas puestas de lado. Iniciando una etapa conocida como Durchbruck (Ruptura) , que consistió en destruir todo vestigio de corporeidad en su pintura.

Luego comienza a formar parte de la bauhaus donde Hans Arp define su obra: “De un modo magnifico, fuerzas glaciales se oponen a fuerzas incandescentes y dialogan y gesticulan con la verdad del verbo. Todo asciende y desciende en rondas luminosas a través de celestes esferas, claras o sombrías. Vías lácteas, frágiles hierbas, murmuran algo en fondos infinitos. Mundos estallan en simientes o en mínimas briznas, con un sonido perceptible a la mirada solamente”.

Se considera como uno de los precursores del arte abstracto, mediante su estudio del color y la forma pudo extraer un lenguaje con el cual expresar sus anhelos y temperamento apasionado y fugaz, ofrece signos visibles de impregnacion cultural. Ritmos esenciales, colores fundamentales y orden peculiar, todo lo cual puede ser abstraído de los objetos para ser plasmado en su pureza diamantina.

Will Grohman dice que "las etapas sucesivas de su arte se señalan por abandonos progresivos. En su primera etapa, predomina un sentimiento de catástrofe lírica; en la segunda, la proyección de una necesidad de organización mental del mundo ; en la tercera, una indefinible síntesis de valores. Corresponden al destierro de lo figurativo, de lo expresivo y de lo simbólico."

Piet Mondrian

Es considerado como figura central del neoplasticismo y representante de la abstracción geométrica, durante su carrera no existen mayores desviaciones, ya que siempre se dedico a ahondar y purificar cada vez mas su obra. El inicia inspirado por cubistas, aunque considero que ellos nunca llevaron hasta las ultimas consecuencias las conclusiones que sostenían sus propios experimentos. Para el la única solución era una pintura pura, liberada de las apariencias y completamente independiente de los objetos.

En “la nueva expresión plástica en la pintura”, expone que cuando en parís el cubismo alcanzaba su apogeo, en Holanda algunos artistas se dedicaban a una pintura mas apropiada a las superficies planas del cuadro, una pintura plana en el plano. En un principio componían con la intención de expresar cierto volumen natural, pero llegaron a concluir que el cuadro exige “una equivalencia total de los planos respecto al fondo”.

Así, la nueva composición reposa sobre oposiciones contrariantes y neutralizantes. Experimenta con los mas simples medios pictóricos: La linea es recta y siempre opera en angulo recto. Ocupa una figura geométrica y tres colores primarios. Pasan a ser la encarnación de cierta especie de movimiento.

Por el hecho de realizar arte abstracto, no se sobrepasan los limites de la plástica; no se llega a la abstracción puro, es decir, al territorio del pensamiento. El arte abstracto se expresa por una de las imágenes mas concretas, por medio de la forma mas reducida y elemental.

>Fuente: Cirlot J. (1951). La Pintura Abstracta. Barcelona: Ediciones Omega, S.a.

Zervos C. (1926). La nueva expresión plástica en la pintura. En Cahiers d’Art. Paris