Juan Bórquez, ¿Hay arte en el diseño?

De Casiopea
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TítuloProyecto editorial Juan Pablo Bórquez
Tipo de ProyectoProyecto de Curso
Palabras Claveproyecto editorial, evolución, trazo, arte, diseño
Período2017-2017
AsignaturaConstrucción de Diseño Gráfico 2
Del CursoConstrucción 2º DG 2017
CarrerasDiseño, Diseño Gráfico
Alumno(s)Juan Pablo Bórquez
ProfesorKatherine Exss

Contenido

¿Hay arte en el diseño?

En nuestro caso, el diseño es reconocido por la condición poética y artística debido a que representan ideologías, entonces ¿en qué época vivimos?¿en la modernidad o en la postmodernidad?

Impresionismo

El arte no tiene función, la modernidad y la post-modernidad coinciden con esto. Revolución de 1968: Armando Roa estuvo fue el último moderno impresionista, donde el concepto del arte puede apreciarse a través de los patrones en sus obras de arte. ¿Qué es una obra de arte? el arte como un consumo.

Contexto de los impresionistas, Movimientos de Vanguardia, Impresionistas del siglo XIX. Se comenzaron a romper todos los ideales del siglo anterior: en la Academia de las Bellas Artes, los impresionistas dejan los estudias, buscando en el afuera. En ese entonces, se deja de buscar la perfección, apareciendo así la fugacidad, por ejemplo; también, se deja de buscar tanto el trazo.

Movimiento el Origen del Mundo, la realidad tal y como es. Puede verse en ese entonces el valor del artista, lo fundamental es la idea, no el medio ni el artista.

Sunset In The Winter. A Coast Of The Sea

Sunset In The Winter. A Coast of the Sea, Arkhip Ivanovizsdcfch, 1890.
Reproducción de fragmento de la obra.

Autor: Arkhip Ivanovi|zsdcfch Kuindzhi Titulo original: Закат зимой. Берег моря Fecha: 1890 Estilo: Impresionismo Género: paisaje Media: óleo, cartón Dimensiones: 30,2 x 25 cm

cita: https://www.wikiart.org/es/arkhip-kuindzhi/sunset-in-the-winter-a-coast-of-the-sea

Arkhip Ivanovi|zsdcfch Kuindzhi

(27 de enero de 1842 ó 1841 - 24 de julio de 1910) Fue un paisajista ruso de ascendencia griega. Nacido en Mariúpol, Imperio ruso (actualmente Ucrania). Estudió pintura de forma autodidacta y en a Academia de San Petersburgo de Artes, formándose desde 1868, donde en 1893 se hizo miembro de pleno derecho. En 1872 el artista abandonó la academia y trabajó como pintor independiente.

cita: http://www.tanais.info/art/en/kuindzhibg.html

Análisis de la obra

En la reproducción de la obra, puede notarse una tendencia en el trazo apaisado; los colores que toman esta tendencia son el color fucsia y el color verde oscuro, a partir de ahí, surge una pregunta ¿un amarillo podría tomar ese papel? el fucsia se super pone ligeramente sobre el verde, pero no por su trazo, sino por la distinción visual donde un color se superpone sobre otro menos imponente.


Post-impresionismo

Roger Fry (curadista) reunió a diferentes artistas para crear una exposición en Londres.

Vincent Van Gogh era un nostálgico y melancólico: capturaba la realidad con su sensibilidad y expresividad, logrando que en sus obras aparezca su genio individual.

En esa época, había un punto medio entre pintura y escultura, gracias a la técnica Impacto. A Van Gogh no le importaba la realidad como perfección sino lo que hay detrás de la obra. Van Gogh retrata en sus obras la vida humilde.

“Tipos literarios”: Arquetipo de la época: Flaneur, el paciente de la ciudad. Dandi, el aventurero. Americano: sencillo, cuida de la tecnología. Gentleman: Hombre educado, no ostenta.

Paul gauguin era rico y exitoso, dedicó su vida a ser un artista. Tuvo compatibilidad creativa con Van Gogh, pero siendo también una relación destructiva.

Starry Night Over the Rhone

Obra Starry Night Over the Rhone, Vincent Van Gogh, 1888.
Reprducción de fragmento de la obra.

Autor: Vincent Van Gogh. Titulo original: De sterrennacht. Fecha: 1888. Estilo: Postimpresionismo. Género: paisaje. Técnica: óleo, canvas. Dimensiones: 92 x 72,5 cm. Localización: Museo de Orsay.

cita: https://www.wikiart.org/en/vincent-van-gogh/the-starry-night-1888-2

Vincent Van Gogh

(30 de marzo de 1853 - 29 de julio de 1890) Uno de los principales exponentes del postimpresionismo, pintor neerlandés. Van Gogh comenzó trabajando en una galería de arte en La Haya, dando clases de francés y ejerciendo de pastor laico entre los mineros belgas. Recibió una fuerte influencia de la obra de los impresionistas y de las estampas japonesas de Hiroshige y Hokusai haciendo su paleta más colorista.

cita: https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/gogh-vincent-van https://www.google.com/culturalinstitute/beta/asset/9gFw_1Vou2CkwQ


Análisis

En la obra de Van Gogh, ahora deja de haber un fondo debido a que se aproxima; no hay una neutralidad que se alberga a través del color ni del trazo, ya que a través de una multivariedad de trazos que construyen la neutralidad a través del color del trazo como el trazo mismo, se ponen uno al lado del otro como un rompecabezas.

Ahora todo da forma, hasta lo más neutro: cada trazo es particular pero constituye a un total; esto deja de lado la cosificación; es decir, el cómo se debería ser y no como realmente es. Todo alberga un sentido que pasa a ser parte de un tercer trazo y no de una continuación de este, todo trazo da la forma y la construcción de los trazos finaliza la forma.

Hay que tener en consideración que si bien, cada trazo se construye, no quiere decir que no existan centrales (primer impacto visual, lo primero que se ve) ya que se da por el color amarillo.

Todo se interpone a todo

Se podría decir que, si queremos jerarquizarlos, los puntos albergados y los no trazos impotentes son seguidos por trazos amarillos y el resto, pero la línea entre ellos es tan delgada que cada parte no puede dejar de ser como un total. Todo da pie a todo si no se ve como cosa, con la excepción de la reconstrucción del trazo pero que no deja de ser parte.


Flowers and Fruit

Obra Flowers and Fruit, Paul Cezanne, 1880
Reproducción de la obra

Autor: Paul Cezanne Fecha: 1880 Estilo: Postimpresionismo Período: Mature period Género: naturaleza muerta Técnica: óleo, canvas Localización: Museo de la Orangerie

cita: https://www.wikiart.org/en/paul-cezanne/flowers-and-fruit

Paul Cezanne

(19 de enero de 1839 - 22 de octubre de 1906) Pintor francés impresionista, considerado padre de la pintura moderna. Sus obras e ideas fueron influyentes en el desarrollo estético de muchas artistas y movimientos artísticos del siglo XX, sobre todo el cubismo. Su arte fue mal entendido y desacreditado por el público durante mucho tiempo de su vida; surgió del impresionismo y desafió los valores convencionales en el siglo XIX.

cita: http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/cezanne/

Análisis

Puede notarse una neutralidad desde lo lejos por lo que también el color se aproxima, sin embargo, hay una neutralidad de trazos donde el color es quien se opone a esa neutralidad.

Todo da forma, pero hay una cosificación tanto del segundo y el tercer trazo donde estos toman gran parte de la obra.

Lo impotente se da a partir de la irregularidad de trazos unidos por la construcción de dirección, aunque es impuesta por la cosa, el color y la posición lateral de la obra, donde esto se deja de ver debido a que el contraste con el trazado más neutral y más impotente da casi la totalidad de la obra.


Primitivismo y fauvismo

El primitivismo es, no como algo antiguo, sino como el primero. Tenía como objetivo descargarse de lo aprendido. Por otro lado existe el fauvismo, el cual libera el color.

Cézanne un pintor francés postimpresionista, construía la profundidad a través de las verticales y horizontales y no a través de un punto.

El primitivismo decía que no había evolución en el arte, sino que solo es arte.

Fauvismo o fovismo, Maurice de Vlammich que se juntaba con Matisse. Tenía colores fuertes, muchos puntos, tenían una similitud en sus trazos y saturaban los colores. Es onírico, ya que no es, o se aleja mucho de la realidad.

Picasso después de los impresionistas era de los pocos que tenía ese nivel: la capacidad de abstracción de las máscaras africanas le llamó la atención.

Las señoritas Daviton hacen referencia a la época. Henri Russó, como no tenía la consolidación como artista, partió desde la ingenuidad, la imaginación. El primitivismo «pintar, volver a dibujar como niño».

Esculturas Brancusi, no usaba modelo, todo lo que hacía con las manos, entre la escultura y la artesanía, abstracto el material como es. Estas esculturas influenciaron a los primitivistas.

Cubismo, Picasso, comprende la tridimensionalidad del cubo; George Borake. trae todo hacia adelante, todos los demás elementos andan para no perderse.

Effect of Sun on the Water, London

Obra Effect of Sun on the Water, London, André Derain, 1906.
Reproducción de fragmento de la obra.

Autor: André Derain Título original: Effets de Soleil sur l'Eau Fecha: 1906 Estilo: Fovismo, Puntillismo Género: paisaje Técnica: óleo, canvas Dimensiones: 99 x 80 cm


cita: https://www.wikiart.org/en/andre-derain/effect-of-sun-on-the-water-london-1906

André Derain

(10 de junio de 1880 - 8 de septiembre de 1954) Pintor, ilustrador y escenógrafo francés. Tomó sus primeras lecciones de pintura en 1895 de un viejo amigo de su padre y de Cézanne. Con dieciocho años entró a la Academia Carriere, allí, conoció a Henri Matisse y a Maurice de Vlaminck. El arte de Derain fue evolucionando pasando por un período de influencia del arte africano y también del cubismo de Picasso.

cita: http://www.artchive.com/artchive/D/derain.html http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/btv1b9041223d/

Análisis

En la construcción del trazo a partir de una neutralidad, se puede notar que donde el amarillo toma parte de la neutralidad y almacena los trazos, sin embargo, la forma con que se construye a partir de él también.

En las nubes, se puede notar casi la inexistencia del amarillo pálido, por lo que se construye un amarillo fuerte y rojo. Desde afuera se ve casi conformándose pero desde adentro ligaduras a través de la mezcla de color. No se da como la primera obra, sino como capas, dimensiones, los cuales juegan entre ellas.

Finalmente, esta se da a través de la potencia del trazo que engloba gran parte de ella.

Diseño: estéticas, función, poética

Para poner en contexto al diseñador. En esta época se busca la mega fauna y la comida: nómades; fueron desarrollando distintas técnicas en la cultura de lo material. Los objetos permiten contextualizar el proveniente de esa persona, su cultura; una serie de personas, lo colectivo. Siempre miramos al occidente, tenemos una cultura occidental que tiene que ver con el pasado de conquista.

Luego, se pasa al sedentarismo, con la domesticación de animales y vegetales. En las vasijas tiene una función también expresiva.

El arte por el arte, sin embargo, en el arte precolombino siempre hay una función detrás y también está ligado a la religión.


Desarrollo de la escritura

Con la necesidad del hombre a registrar, comienza el desarrollo de la escritura, hasta llegar a la imprenta. Hubo distintas interpretaciones de las tablillas. Ideograma, esquemático, ideas simples. El papiro donde se escribía, este se prensaba y quedaba, sin embargo, solo se escribía de un solo lado debido a que era muy quebradizo.

En China se desarrolló un pergamino de seda que no era quebradizo y que además era más suave. En Asia se crea el pergamino de ambos lados a partir de cuero de animal.

Toda la escritura estaba generalmente relacionada con la religión.

Invento del papel en China: Tsi Laun, con pulpa, bastidores. Maguncia, Alemania, se origina la imprenta. En 1440 hubo una revolución, y se fundó la imprenta de Gutenberg. El adapta la prensa de vino a su invento, una técnica que fue utilizada durante tres siglos. Idea una tipografía con fallos para imitar a los medievales.

Más adelante aparece ya una industria de libro, tipos móviles, se innova en formato, para que cualquiera pueda manipularlo.

Era Medieval

En la época medieval habían gremios; en estos gremios tenían el objetivo de tener transferencias de ideas y de criterios artísticos, de esta manera, hubo un traspaso de ideas a las metrópolis. La cultura central debe potenciarse en si misma, como en el caso del diseño que se centra en propiedad.

Los guilos y gremios estaban en un mismo oficio, son sociedades jerárquicas que proporcionaban en colectivo la manufacturación y la creación de cosas.

Cofradía, mismo sentido, ejemplo del urbanismo, un período. Ciudades de las luces, un espíritu colectivo. Un apego a un dios, en este caso a un Cristo, es algo culto a una reunión fraternal, una comunidad que mantiene jerarquías, desde el momento en que comen en una mesa.

El feudalismo: son un tema, un sistema paralelo a las ciudades, como los cleros y las secuencias triviales. No existe una invención al trabajar en el hacer del hombre en ese tiempo, como un proceso, post a la artesanía, mueva solo donde los diseñadores proyectan; un cambio radical en una vida, trabajo, estudio.

Los escudos de cada familia simbolizaban un significado, los representa con iconografía, además de un color.

Catedral de San Vito

Catedral de San Vito
Extracto de la Catedral de San Vito
Reproducción de fragmento

Autores: Diseñada por Max Švabinský Ejecutada por Jan Jares Fecha: 1933-1934 Técnica: Vitral Localización: Catedral de San Vito, Praga, República Checa

cita: https://pablobedrossian.wordpress.com/2013/09/12/los-vitrales-de-la-catedral-de-san-vito-por-pablo-r-bedrossian/

Max Švabinský

(17 de septiembre de 1873 - 10 de febrero de 1962) Pintor checo y artista gráfico. Su sueño era convertirse en artista: su arte ya era de interés durante sus estudios en la Escuela de gramática alemán en Kromeri. Fue un excelente retratista, todos sus cuadros son el resultado de una combinación de talento superior como dibujante, con un profundo interés en la espiritualidad y la captura de la posición natural de los caracteres de la imagen.

cita: http://www.artmuseum.cz/umelec.php?art_id=377 http://archiv.ucl.cas.cz/index.php?path=RozAvn/9.1933-1934/1/6.png

Análisis

Al igual que la pintura de Van Gogh, el vitral se construye como rompecabezas, generando que la obra sobresalga de sí. El impacto visual que genera esta obra es debido en parte a la técnica con la cual se construye; sin embargo, hay que considerar que esta obra es un fragmento de una gran obra. Dejando de lado la técnica misma de la obra, puede notarse que toma distintas formas lumínicas que se encontraban en las anteriores obras.

El amarillo, pasa a ser una forma de redirigir la mirada, de forma tal que genera un foco luminoso: el amarillo capta el foco que contraste con la forma de la virgen; estas dos cosas hacen que el foco luminoso principal se capte en la mujer y no en el amarillo.


Industralización

Industria, reemplazo de la mano por la máquina. Artesanía, arte con las manos. En cuanto pasó la industrialización, habían muchos problemas en cuanto a la zona de trabajo y a lo que se exponían los que trabajaban con las máquinas.

Thonet hace un cambio en el paradigma, lo desarmable, hechas en piezas, desmontable, producción en serie.

Palacio de cristal, Joseph Paxton, arquitectura modular, que puede moverse, en el sentido de poder desarmarse y moverse. Toma la tecnología industrial de la época y construye el Palacio de Cristal.

El sistema americano, por otra parte, desarrolla la producción en serie: las máquinas se fueron transformando para llevarlas a las casas, por lo que las llevó a una transformación más decorativa. La línea de montaje, con Ford, aparecen subespecialidades de manera que se van armando por partes.

John Ruskin, una casa hecha por artesanos. Morris tuvo el intento de democratizar las cosas, sin embargo «con resignación, que todo lo que él hacía solo servía para “el cochino lujo de los ricos”». Hubo influencias del arte japonés, con particulares estructuras aritméticas.

Art Noveau, la industria que cuida de cierta forma. Ebanistería, madera con la cual se trabaja con chapas de madera. De diseño, se comienza a hablar desde el año 1919, y más adelante, se habla de diseño gráfico por el año 1922.

De esta manera, la revolución industrial afecta en la forma del diseño. En el siglo XVIII se crea la linotipia, creada por Otmar Nergethaler; es una máquina que compone textos tipográficos fundiendo el metal de las letras de una línea completa de texto, facilitando la composición. La técnica que utiliza esta máquina es llamada de la misma forma.

Hubo innovaciones tipográficas en la litografía, apareciendo tipografías sin serif la cual fue considerada como grotesca.

Arts & Crafts, artes y oficios. La reacción en contra de la revolución industrial. Rosseti fue un detallado de la naturaleza. Esto inspiró a William Morrise e inventa la Kelmscott Press, una imprenta privada fuertemente relacionada con la evolución de la producción editorial a finales del siglo XIX. Más adelante, la Red House se convierte en la empresa de William Morris, convirtiéndose entonces en uno de los tipográficos más importantes de Inglaterra.

Diseño en la modernidad

¿Por qué en la modernidad se aleja del ornamenta? Con las influencias por la globalización, “matar al maestro” lo que hace aparecer algo nuevo. Aparece el diseñador que toroga la forma. La sucesión de Múnich, 1892.

Franz Von Lenbach, pintor, hacía retratos de gente de bien; considerado uno de los mejores de Munich. Por otro lado, Franz Bon Stuck: las sucesiones más que escuelas son movimientos artísticos. Este pintor era el más irreverente.

La sucesión une a las artes menores y mayores, como decía William Morris, una unidad. Evoluciona la publicidad, los afiches, la invitación. La sucesión no es único, ya que se vinculan con el pensamiento de cambiar el arte de ese entonces, rompiendo un paradigma.

Mientras que, en Alemania, el gobierno se da cuenta que no está como pionero en ese ámbito, por lo que se ocupa del desarrollo industrial: contratan a Hermann Muthesius (1861-1927) para reformar el programa nacional de educación de artes aplicadas.

La Werkbund, estéticas simples: como plásticamente le doy forma a los objetos después de la industria, la funcionalidad. La estética es simple como plásticamente le doy forma a los objetos después de la industria, la funcionalidad.

La estética de la máquina, el problema de la máquina era la incapacidad de ser ocupada. Peter Behrens, padre de la unidad corporativa, era diseñador industrial y gráfico. De Stivil, apoyada por tres principales artistas: Gerrit, Theo y Piet.

Gerrit Rietveld, familia de carpinteros, diseñó un mueble que no buscaba lo cómodo. Este mueble hace aparecer lo simple.

La mayoría de las personas nombradas son diseñadores y multifuncionales.

Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius; fue la primera escuela de diseño. La forma, se pierde el simbolismo. Se deshumaniza para que pase a ser más funcional, dejándolo claro. Cuando se formó se juntó la escuela Granducal Sajona de Artes plásticas y la escuela Granducal, Sajona de Artes y Oficios.

Menos es más, el quiebre, sin que deje de ser bello. La Bauhaus, piensa en la industria pero no para la industria, consolidándose en el diseño y el arte.

Proceso de diseño

Primera versión

En primera instancia se agarra el contenido. Este contenido consta de épocas que parte de la pregunta ¿Hay arte en el diseño? para así, relacionar el diseño con el arte y como este (el diseño) nace del arte.

En ciertos puntos de las épocas existen reproducciones de obras de arte de estas épocas, para que estas sean analizadas y pueda ver los distintos puntos de vista respecto a alguna particularidad respecto a las obras. A diferencia de las épocas tocadas en el contenido, esta tiene un hilo conductor como análisis, mientras que, las épocas, toca ciertos puntos de ella y no lleva un escrito continuo de la época.

El contenido se puede clasificar en dos grandes formas.

  • Por un lado, la historia del diseño, el cual parte con la pregunta ¿Hay arte en el diseño? de esta manera, abarcando distintos puntos de la historia del diseño el cual está originalmente ligado con el arte. Ahora bien, en cinco de estos puntos se hace reproducciones de obras de la época de la que se está hablando; de manera que las obras seleccionadas son observadas y analisadas, lo que conlleva al otro punto.
  • Por otro lado, el análisis de las reproducciones, donde todas ellas son comparadas una a la otra en como el trazo y la luminosidad es tratada en las obras reproducidas, para así agarrar la evolución de las obras de las épocas mencionadas.

Teniendo recogida ya la mayoría del contenido para la edición y teniendo ya el objetivo de la misma, se es necesario una nueva redacción y jerarquización del contenido; para así ordenar la información lo suficiente como para que la edición pueda tomar una forma más real respecto a su contenido.

La siguiente jerarquización tiene como el objetivo evaluar el impacto visual que tendrá cada parte de los contenidos. El orden del contenido irá de la siguiente manera:

===Obra Sunset In The Winter. A Coast Of The Sea, Arkhip Kuindzhi===
====Análisis====
En la reproducción de la obra Obra Sunset In The Winter. A Coast Of The Sea de Arkhip Kuindzhi, puede notarse una tendencia en el trazo apaisado; los colores que toman esta tendencia son el color fucsia y el color verde oscuro, a partir de ahí, surge una pregunta ¿un amarillo podría tomar ese papel? el fucsia se superpone ligeramente sobre el verde, pero no por su trazo, sino por la distinción visual donde un color se superpone sobre otro menos imponente.

Ahora bien, la forma en contraste ligero con la tendencia del trazo apaisado direcciona, entremezclando con el fondo del color. 

Podemos ver también el contraste con un color más puro y primario, donde sus trazados mezclados dirigen hacia la pureza del color. Esta mezcla de color es quien da el paso a lo siguiente: impotente.

Por un lado, tenemos un contraste con un color más puro, el segundo con un color intermedio y este mismo un color más puro como el blanco, gris y negro, direccionando la forma.
======Arkhip Kuindzhi======
(27 de enero de 1842 ó 1841 - 24 de julio de 1910) 
Fue un paisajista ruso de ascendencia griega. Nacido en Mariúpol, Imperio ruso (actualmente Ucrania). Estudió pintura de forma autodidacta y en a Academia de San Petersburgo de Artes, formándose desde 1868, donde en 1893 se hizo miembro de pleno derecho. En 1872 el artista abandonó la academia y trabajó como pintor independiente.
[http://www.tanais.info/art/en/kuindzhibg.html]
=====Obra original=====
Sunset In The Winter. A Coast Of The Sea de Arkhip Kuindzhi
[https://www.wikiart.org/es/arkhip-kuindzhi/sunset-in-the-winter-a-coast-of-the-sea]
====Época====
=====¿Hay arte en el diseño?=====

En nuestro caso, el diseño es reconocido por la condición poética y artística debido a que representan ideologías, entonces ¿en qué época vivimos?¿en la modernidad o en la post-modernidad?

El arte no tiene función, la modernidad y la post-modernidad coinciden con esto. Revolución de 1968: Armando Roa estuvo fue el último moderno impresionista, donde el concepto del arte puede apreciarse a través de los patrones en sus obras de arte. ¿Qué es una obra de arte? el arte como un consumo. 

Contexto de los impresionistas, Movimientos de Vanguardia, Impresionistas del siglo XIX.
Se comenzaron a romper todos los ideales del siglo anterior: en la Academia de las Bellas Artes, los impresionistas dejan los estudias, buscando en el afuera. En ese entonces, se deja de buscar la perfección, apareciendo así la fugacidad, por ejemplo; también, se deja de buscar tanto el trazo. 

Movimiento el Origen del Mundo, la realidad tal y como es. Puede verse en ese entonces el valor del artista, lo fundamental es la idea, no el medio ni el artista.

=====Post-Impresionismo=====

Roger Fry (curadista) reunió a diferentes artistas para crear una exposición en Londres.

Vincent Van Gogh era un nostálgico y melancólico: capturaba la realidad con su sensibilidad  y expresividad, logrando que en sus obras aparezca su genio individual.

En esa época, había un punto medio entre pintura y escultura, gracias a la técnica Impacto. A Van Gogh no le importaba la realidad como perfección sino lo que hay detrás de la obra. Van Gogh retrata en sus obras la vida humilde. 

“Tipos literarios”: Arquetipo de la época: Flaneur, el paciente de la ciudad. 
Dandi, el aventurero. 
Americano: sencillo, cuida de la tecnología. 
Gentleman: Hombre educado, no ostenta.

Paul gauguin era rico y exitoso, dedicó su vida a ser un artista. Tuvo compatibilidad creativa con Van Gogh, pero siendo también una relación destructiva.

===Obra The Starry Night, Vincent Van Gogh===
====Análisis====
En la obra de Van Gogh, ahora deja de haber un fondo debido a que se aproxima; no hay una neutralidad que se alberga a través del color ni del trazo, ya que a través de una multivariedad de trazos que construyen la neutralidad a través del color del trazo como el trazo mismo, se ponen uno al lado del otro como un rompecabezas.

Ahora todo da forma, hasta lo más neutro: cada trazo es particular pero constituye a un total; esto deja de lado la cosificación; es decir, el cómo se debería ser y no como realmente es. Todo alberga un sentido que pasa a ser parte de un tercer trazo y no de una continuación de este, todo trazo da la forma y la construcción de los trazos finaliza la forma.

Hay que tener en consideración que si bien, cada trazo se construye, no quiere decir que no existan centrales (primer impacto visual, lo primero que se ve) ya que se da por el color amarillo.

Todo se interpone a todo

Se podría decir que, si queremos jerarquizarlos, los puntos albergados y los no trazos impotentes son seguidos por trazos amarillos y el resto, pero la línea entre ellos es tan delgada que cada parte no puede dejar de ser como un total. Todo da pie a todo si no se ve como cosa, con la excepción de la reconstrucción del trazo pero que no deja de ser parte.

======Vincent Van Gogh======
(30 de marzo de 1853 - 29 de julio de 1890)
Uno de los principales exponentes del postimpresionismo, pintor neerlandés. Van Gogh comenzó trabajando en una galería de arte en La Haya, dando clases de francés y ejerciendo de pastor laico entre los mineros belgas. Recibió una fuerte influencia de la obra de los impresionistas y de las estampas japonesas de Hiroshige y Hokusai haciendo su paleta más colorista.

[https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/gogh-vincent-van]
[https://www.google.com/culturalinstitute/beta/asset/9gFw_1Vou2CkwQ]

=====Obra original=====
Starry Night Over the Rhone de Vincent Van Gogh
[https://www.wikiart.org/en/vincent-van-gogh/the-starry-night-1888-2]

====Época====
=====Primitivismo y fauvismo=====

El primitivismo es, no como algo antiguo, sino como el primero. Tenía como objetivo descargarse de lo aprendido. Por otro lado existe el fauvismo, el cual libera el color.

Cézanne un pintor francés postimpresionista, construía la profundidad a través de las verticales y horizontales y no a través de un punto. 

El primitivismo decía que no había evolución en el arte, sino que solo es arte. 

Fauvismo o fovismo, Maurice de Vlammich que se juntaba con Matisse. Tenía colores fuertes, muchos puntos, tenían una similitud en sus trazos y saturaban los colores. Es onírico, ya que no es, o se aleja mucho de la realidad.

Picasso después de los impresionistas era de los pocos que tenía ese nivel: la capacidad de abstracción de las máscaras africanas le llamó la atención.

Las señoritas Daviton hacen referencia a la época. Henri Russó, como no tenía la consolidación como artista, partió desde la ingenuidad, la imaginación. El primitivismo «pintar, volver a dibujar como niño».

Esculturas Brancusi, no usaba modelo, todo lo que hacía con las manos, entre la escultura y la artesanía, abstracto el material como es. Estas esculturas influenciaron a los primitivistas.

Cubismo, Picasso, comprende la tridimensionalidad del cubo; George Borake. trae todo hacia adelante, todos los demás elementos andan para no perderse.

=====Diseño: estéticas, función, poética=====

Para poner en contexto al diseñador. En esta época se busca la mega fauna y la comida: nómades; fueron desarrollando distintas técnicas en la cultura de lo material. Los objetos permiten contextualizar el proveniente de esa persona, su cultura; una serie de personas, lo colectivo. Siempre miramos al occidente, tenemos una cultura occidental que tiene que ver con el pasado de conquista.

Luego, se pasa al sedentarismo, con la domesticación de animales y vegetales. En las vasijas tiene una función también expresiva.

El arte por el arte, sin embargo, en el arte precolombino siempre hay una función detrás y también está ligado a la religión.

Los olmecas tenían una ciudad, pirámides; los arqueólogos no pueden nombrar ya que son meramente científicos. Pirámides truncadas. La cultura olmeca murió cerca del año 800 d.C.

Hay que tener en consideración la abstracción los mayas, su sentido del rito, la representación. Tenían una jerarquía arquitectónica. Machupichu, los incas. El explendor de la arquitectura, después de que los españoles se fusionan con las abstracciones.

El tener una técnica tiene que ver con el hacer. El conocimiento real de la fabricación de algo. La herramienta, la prolongación de nuestro cuerpo. Tecnología, sistematización del a técnica, sistema con lo productivo.

===Obra Effect Of Sun On The Water, Andre Derain===
====Análisis====
En la construcción del trazo a partir de una neutralidad, se puede notar que donde el amarillo toma parte de la neutralidad y almacena los trazos, sin embargo, la forma con que se construye a partir de él también.

En las nubes, se puede notar casi la inexistencia del amarillo pálido, por lo que se construye un amarillo fuerte y rojo. Desde afuera se ve casi conformándose pero desde adentro ligaduras a través de la mezcla de color. No se da como la primera obra, sino como capas, dimensiones, los cuales juegan entre ellas.

Finalmente, esta se da a través de la potencia del trazo que engloba gran parte de ella.

======Andre Derain======
(10 de junio de 1880 - 8 de septiembre de 1954)
Pintor, ilustrador y escenógrafo francés. Tomó sus primeras lecciones de pintura en 1895 de un viejo amigo de su padre y de Cézanne. Con dieciocho años entró a la Academia Carriere, allí, conoció a Henri Matisse y a Maurice de Vlaminck. El arte de Derain fue evolucionando pasando por un período de influencia del arte africano y también del cubismo de Picasso.

[http://www.artchive.com/artchive/D/derain.html]
[http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/btv1b9041223d/]

=====Obra original=====
Effect Of Sun On The Water de Andre Derain
[https://www.wikiart.org/en/andre-derain/effect-of-sun-on-the-water-london-1906]
====Época====
=====Desarrollo de la esritura=====

Con la necesidad del hombre a registrar, comienza el desarrollo de la escritura, hasta llegar a la imprenta. Hubo distintas interpretaciones de las tablillas. Ideograma, esquemático, ideas simples. El papiro donde se escribía, este se prensaba y quedaba, sin embargo, solo se escribía de un solo lado debido a que era muy quebradizo.

En China se desarrolló un pergamino de seda que no era quebradizo y que además era más suave. En Asia se crea el pergamino de ambos lados a partir de cuero de animal.

Toda la escritura estaba generalmente relacionada con la religión.

Invento del papel en China: Tsi Laun, con pulpa, bastidores. Maguncia, Alemania, se origina la imprenta. En 1440 hubo una revolución, y se fundó la imprenta de Gutenberg. El adapta la prensa de vino a su invento, una técnica que fue utilizada durante tres siglos. Idea una tipografía con fallos para imitar a los medievales.

Más adelante aparece ya una industria de libro, tipos móviles, se innova en formato, para que cualquiera pueda manipularlo.

=====Era Medieval=====

En la época medieval habían gremios; en estos gremios tenían el objetivo de tener transferencias de ideas y de criterios artísticos, de esta manera, hubo un traspaso de ideas a las metrópolis. La cultura central debe potenciarse en si misma, como en el caso del diseño que se centra en propiedad.

Los guilos y gremios estaban en un mismo oficio, son sociedades jerárquicas que proporcionaban en colectivo la manufacturación y la creación de cosas.

Cofradía, mismo sentido, ejemplo del urbanismo, un período. Ciudades de las luces, un espíritu colectivo. Un apego a un dios, en este caso a un Cristo, es algo culto a una reunión fraternal, una comunidad que mantiene jerarquías, desde el momento en que comen en una mesa.

El feudalismo: son un tema, un sistema paralelo a las ciudades, como los cleros y las secuencias triviales.
No existe una invención al trabajar en el hacer del hombre en ese tiempo, como un proceso, post a la artesanía, mueva solo donde los diseñadores proyectan; un cambio radical en una vida, trabajo, estudio.

Los escudos de cada familia simbolizaban un significado, los representa con uniconogracia, además de un color.

===Obra Flowers And Fruit, Paul Cezanne===
====Análisis====
Puede notarse una neutralidad desde lo lejos por lo que también el color se aproxima, sin embargo, hay una neutralidad de trazos donde el color es quien se opone a esa neutralidad.

Todo da forma, pero hay una cosificación tanto del segundo y el tercer trazo donde estos toman gran parte de la obra.

Lo impotente se da a partir de la irregularidad de trazos unidos por la construcción de dirección, aunque es impuesta por la cosa, el color y la posición lateral de la obra, donde esto se deja de ver debido a que el contraste con el trazado más neutral y más impotente da casi la totalidad de la obra.

======Paul Cezanne======
(19 de enero de 1839 - 22 de octubre de 1906)
Pintor francés impresionista, considerado padre de la pintura moderna. Sus obras e ideas fueron influyentes en el desarrollo estético de muchas artistas y movimientos artísticos del siglo XX, sobre todo el cubismo. Su arte fue mal entendido y desacreditado por el público durante mucho tiempo de su vida; surgió del impresionismo y desafió los valores convencionales en el siglo XIX.

[http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/cezanne/]
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=====Obra original=====
Flowers And Fruit de Paul Cezanne
[https://www.wikiart.org/en/paul-cezanne/flowers-and-fruit]
====Época====
=====Industralización=====

Industria, reemplazo de la mano por la máquina. Artesanía, arte con las manos. En cuanto pasó la industrialización, habían muchos problemas en cuanto a la zona de trabajo y a lo que se exponían los que trabajaban con las máquinas.

Thonet hace un cambio en el paradigma, lo desarmable, hechas en piezas, desmontable, producción en serie.

Palacio de crista, Joseph Paxton, arquitectura modular, que puede moverse, en el sentido de poder desarmarse y moverse. Toma la tecnología industrial de la época y construye el Palacio de Cristal.

El sistema americano, por otra parte, desarrolla la producción en serie: las máquinas se fueron transformando para llevarlas a las casas, por lo que las llevó a una transformación más decorativa. La línea de montaje, con Ford, aparecen subespecialidades de manera que se van armando por partes.

John Ruskin, una casa hecha por artesanos. Morris tuvo el intento de democratizar las cosas, sin embargo «con resignación, que todo lo que él hacía solo servía para “el cochino lujo de los ricos”». Hubo influencias del arte japonés, con particulares estructuras aritméticas.

Art Noveau, la industria que cuida de cierta forma. Ebanistería, madera con la cual se trabaja con chapas de madera. De diseño, se comienza a hablar desde el año 1919, y más adelante, se habla de diseño gráfico por el año 1922. 

De esta manera, la revolución industrial afecta en la forma del diseño. En el siglo XVIII se crea la linotipia, creada por Otmar Nergethaler; es una máquina que compone textos tipográficos fundiendo el metal de las letras de una línea completa de texto, facilitando la composición. La técnica que utiliza esta máquina es llamada de la misma forma.

Hubo innovaciones tipográficas en la litografía, apareciendo tipografías sin serif la cual fue considerada como grotesca.

Arts & Crafts, artes y oficios. La reacción en contra de la revolución industrial. Rosseti fue un detallado de la naturaleza. Esto inspiró a William Morrise e inventa la Kelmscott Press, una imprenta privada fuertemente relacionada con la evolución de la producción editorial a finales del siglo XIX. Más adelante, la Red House se convierte en la empresa de William Morris, convirtiéndose entonces en uno de los tipográficos más importantes de Inglaterra.

===Obra Catedral de San Vito, Max Švabinský===
====Análisis====

Al igual que la pintura de Van Gogh, el vitral se construye como rompecabezas, generando que la obra sobresalga de sí. El impacto visual que genera esta obra es debido en parte a la técnica con la cual se construye; sin embargo, hay que considerar que esta obra es un fragmento de una gran obra. Dejando de lado la técnica misma de la obra, puede notarse que toma distintas formas lumínicas que se encontraban en las anteriores obras.

El amarillo, pasa a ser una forma de redirigir la mirada, de forma tal que genera un foco luminoso: el amarillo capta el foco que contraste con la forma de la virgen; estas dos cosas hacen que el foco luminoso principal se capte en la mujer y no en el amarillo.

======Max Švabinský======
(17 de septiembre de 1873 - 10 de febrero de 1962)
Pintor checo y artista gráfico. Su sueño era convertirse en artista: su arte ya era de interés durante sus estudios en la Escuela de gramática alemán en Kromeri. Fue un excelente retratista, todos sus cuadros son el resultado de una combinación de talento superior como dibujante, con un profundo interés en la espiritualidad y la captura de la posición natural de los caracteres de la imagen.

[http://www.artmuseum.cz/umelec.php?art_id=377]
[http://archiv.ucl.cas.cz/index.php?path=RozAvn/9.1933-1934/1/6.png]

=====Obra original=====
De la Catedral de San Vito hecha por Max Švabinský
[https://pablobedrossian.wordpress.com/2013/09/12/los-vitrales-de-la-catedral-de-san-vito-por-pablo-r-bedrossian/]
====Época====
=====Diseño en la modernidad=====

¿Por qué en la modernidad se aleja del ornamenta? Con las influencias por la globalización, “matar al maestro” lo que hace aparecer algo nuevo. Aparece el diseñador que toroga la forma. La sucesión de Múnich, 1892.

Franz Von Lenbach, pintor, hacía retratos de gente de bien; considerado uno de los mejores de Munich. Por otro lado, Franz Bon Stuck: las sucesiones más que escuelas son movimientos artísticos. Este pintor era el más irreverente.

La sucesión une a las artes menores y mayores, como decía William Morris, una unidad. Evoluciona la publicidad, los afiches, la invitación. La sucesión no es único, ya que se vinculan con el pensamiento de cambiar el arte de ese entonces, rompiendo un paradigma.

Mientras que, en Alemania, el gobierno se da cuenta que no está como pionero en ese ámbito, por lo que se ocupa del desarrollo industrial: contratan a Hermann Muthesius (1861-1927) para reformar el programa nacional de educación de artes aplicadas.

La Werkbund, estéticas simples: como plásticamente le doy forma a los objetos después de la industria, la funcionalidad. La estética es simple como plásticamente le doy forma a los objetos después de la industria, la funcionalidad.

La estética de la máquina, el problema de la máquina era la incapacidad de ser ocupada. Peter Behrens, padre de la unidad corporativa, era diseñador industrial y gráfico. De Stivil, apoyada por tres principales artistas: Gerrit, Theo y Piet.

Gerrit Rietveld, familia de carpinteros, diseñó un mueble que no buscaba lo cómodo. Este mueble hace aparecer lo simple.

La mayoría de las personas nombradas son diseñadores y multifuncionales.

Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius; fue la primera escuela de diseño. La forma, se pierde el simbolismo. Se deshumaniza para que pase a ser más funcional, dejándolo claro. Cuando se formó se juntó la escuela Granducal Sajona de Artes plásticas y la escuela Granducal, Sajona de Artes y Oficios. 

Menos es más, el quiebre, sin que deje de ser bello. La Bauhaus, piensa en la industria pero no para la industria, consolidándose en el diseño y el arte.

Contexto de la época

Con el objetivo de contextualizar la época de obra. Si bien no mantiene la importancia principal de la obra, no se aleja mucho del espacio que utiliza el texto de análisis de la obra debido a la importancia de contextualizar las obras para así entender la comparativa de las épocas.

  • Contexto de la época

Historia de la obra

Tiene como objetivo contextualizar la obra dentro de una época.

  • Contexto de la obra
  • Obra original

Hay que considerar que tanto el contexto como la obra original deben tener un equilibrado impacto visual entre ambos.

Observación

La esquematización conlleva a partir de las obras como personajes principales.

Hilo principal

El análisis de las obras, el cual se converge como reproducción y el análisis.

  • Reproducción
  • Texto del análisis

Jerarquía

Primero que nada, citaremos una de las cuatro jerarquizaciónes del contenido:

1.1 Obra Sunset In The Winter. A Coast Of The Sea, Arkhip Kuindzhi 1.1.1 Análisis 1.1.1.1 Arkhip Kuindzhi 1.1.1.2 Obra original 1.1.2 Época 1.1.2.1 ¿Hay arte en el diseño? 1.1.2.2 Post-Impresionismo

El contenido está dividido a partir de la reproducción de cada obra, en este caso Sunset In The Winter. A Coast Of The Sea. Por un lado, el análisis de la obra y por otro lado, la época. Ahora hay que considerar lo siguiente: si bien la época y la obra tienen relación entre sí, esta no se da directamente (es decir, que no necesariamente la época es la de la obra).

De esta manera, cada época de cada ítem tiene como objetivo complementar el hilo principal que sería el análisis de la obra; sin embargo, esta se encuentra en la misma jerarquía que el texto del análisis mantiene una proporción de texto similar al la de la época, por lo que el análisis debe tener una jerarquía sobre la época apoyado netamente por lo visual que entrega la obra.


Esquemas

Tamaño reproducción real.

El tamaño de la edición se da a partir del tamaño real de las reproducciones. Ahora bien, para que al abrir la página la mano no se interponga con la edición de lo que se está viendo, además de la enumeración de las páginas, se deja un espaciado exterior de 25 mm.

Enumeración de las páginas.

Para separar el análisis y la época al no tener una continuidad de lectura, se intenta dividir la forma en que se extiende cada una, limitándose. Además, se utilizan tipografías distintas para el contraste de tipo de información que se otorga en la página.

Reproducción en la doble página.
Distribución de contenido.

Páginas maestras

Tipografía

La elección de la tipografía va a partir de una tipografía que pueda sostenerse por sí misma (para los casos en que solo se encuentre texto), y que también pueda ser lo suficientemente equilibrada visualmente para no sobre ponerse ante las imágenes expuestas.

Edición

(pdf)

Segunda Versión

Ahora bien, para la comprensión de este contenido, se vuelve a redactar y se reordena (la jerarquización de esta versión es la que se encuentra en al inicio).

Páginas Maestras

Ahora bien en la segunda versión se otorga una temporalidad a través de las páginas de las épocas, así puedan notarse al borde de la edición (este caso se tenía pensado para una edición de doble página y no como acordeón).

Época, página tipo.
Temporalidad.

Para que se entienda la continuidad de lectura de las obras entre sí, se maneja un mismo margen en cada una, como se le fue utilizada en la temporalidad en la página tipo de la época.

Reproducción, página tipo.
Análisis, página tipo.
Continuidad de lectura.