Francis Picabia: La pérdida del yo en una época de reproducción mecánica
| Caso de Estudio | |
| Nombre | Francis Picabia: La pérdida del yo en una época de reproducción mecánica |
|---|---|
| Palabras Clave | Retrato, máquina |
| Estudiado en | Presentación del Diseño 3 2016 |
| Estudiado por | Trinidad Valenzuela |
“Vivimos en la edad de la máquina. El hombre ha hecho la máquina a su imagen. Ella tiene miembros que actúan, pulmones que respiran, un corazón que late, un sistema nervioso por donde corre la electricidad. La fotografía es la imagen de su voz; la cámara la imagen del ojo. La máquina es su “Hija nacida sin madre”. Es por eso que la ama. Al haberla hecho superior a sí mismo, los seres superiores que él concibe en su poesía o en su plástica tienen cualidades de la máquina.” Paul B. Haviland
Sobre el Autor
- Nombre completo: François Marie Martinez Picabia
- Nace en París 22 enero 1879 - muere 30 de noviembre de 1953
- Hijo de Francisco Vicente Martinez Picabia y Marie Cécile Davanne (cubano y francesa)
- Estudia en Ecole des Arts Décotatifs (1895-1897, París)
- Picabia se convierte en amigo de Guillaume Apollinaire y Marcel Duchamp y se asocia con el grupo de Puteaux en 1911 y 1912
- Explora la mayor parte de los movimientos artísticos contemporáneos. 1909 a 1914, se liga con los ismos del principio del siglo: el fauvismo, futurismo, cubismo, y finalmente, el orfismo, explorando continuamente el nuevo lenguaje visual de la modernidad.
Apropiación
Contexto
“You can photograph a landscape, but not the forms I have in my head” Francis Picabia (Esta cita es importante porque refleja el pensamiento del artista frente a que la fotografía podría ocupar el lugar de la pintura en un futuro cercano)
Relación que se establece en la pintura y el maquinismo, la ideología de la era industrial.
Pintores narran la naciente realidad social. Influencias de la era industrial en la pintura, como por ejemplo los cambios en los procesos productivos o el consumo del arte.
Fascinación de la máquina como una metáfora de la mente humana (tiene que ver con el contexto social y los avances tecnológicos, los inventos, también el viaje a New York que hace el artista).
Esa fascinación es una reacción contra la creciente y desmedida materialidad del mundo industrial, a través de una apropiación de dibujos técnicos de aparatos y máquinas que estaban reproducidos en tratados científicos y manuales.
El arte ya no se considera una copia de la naturaleza, si no más bien la experiencia emocional del artista de ella. Ready-Mades o Arte encontrado.
Pintar el mundo ya no desde la máxima fidelidad si no que guiarse por la propia perspectiva. Con la llegada de la guerra los temas a representar por un lado, se volvieron oscuros (desolación, sangre, muerte) y por otro, este acontecimiento, es lo que impulsó la ruptura con el arte anterior, generándose las vanguardias (ismos). Cada una reforzando o haciendo énfasis en un aspecto de la pintura.
- Fauvismo : afirmar el valor del color.
- Cubismo: destruir el espacio de la perspectiva monofocal.
- Futurismo: Incapié en la velocidad y simultaneidad como elementos condicionantes de la vida cotidiana.
- Orfismo: Forma y color
Arte antes, durante y después de la Gran Guerra (http://www.pensamientocritico.org/bealop1214.htm)
A finales del siglo XIX, el arte se suma al torbellino de la modernidad. Lo importante ya no es la maestría a la antigua usanza, la fidelidad al objeto representado, sino que se busca la originalidad y la libertad creativa. Animados por los avances de las ciencias, los artistas se olvidan de la objetividad y se centran en el sujeto, comienzan a pintar el mundo desde su perspectiva y el impresionismo se llena de nuevos colores, desafíos de la perspectiva y desaparición de las formas. Pero entonces llega la guerra y con ella la representación de la desolación, la sangre y la muerte.
El arte no sólo se limitó a mostrar este infierno, sino que impulsó movimientos de vanguardia que buscaban romper con el arte anterior, aquel que había llevado a la humanidad hacia la catástrofe. Desilusionados con el arte burgués que había llevado a la humanidad a destruirse a sí misma, surge en 1916 el dadaísmo. Formado por una serie de artistas europeos que se encontraron en Suiza como refugiados durante la guerra, el movimiento se crea de la mano de Hugo Ball en el Cabaret Voltaire, en Zúrich, aunque será posteriormente Tristan Tzara (Rumanía, 1896-1963) su máximo exponente.
El autor incursiona en la mayoría de las vanguardias y anteriormente también en el impresionismo, buscando un lenguaje para transcribir su estado interior.
En el período entre 1915 y 1923 aproximadamente, su obra se vuelca en la experimentación con dibujos técnicos, dotados de misterio y erotismo en algunos casos, apropiándose de su época a través del dibujo mecanomórfico, en específico, del género del retrato.
En la segunda década del siglo XX la mecanización a revolucionado la vida cotidiana. Máquinas de escribir, teléfonos, electrodomésticos y automóviles se han convertido en posesiones de la clase media. Además de exposiciones industriales en ferias mundiales con estimulantes inventos como el avión, el automóvil y el cine. También avances en la ciencia como los rayos X y la teoría de los átomos, tuvieron un enorme impacto en la conciencia popular. A Picabia le interesaban estos cambios y eso se ve reflejado en su obra como Maquinista (1915-1923)
Fragmentos de (1) Efecto de sol en las orillas del Loing 1905(2) Paisaje 1909 (3) Udnie (Young American Girl, The Dance) 1914 (4) Love Parade 1917 (5) Here, This Is Stieglitz Here 1915 (6) Girl born without a mother 1916
Intención
Visión de mundo
"Los objetos prácticos tienen como intención la transmisión de un concepto o el cumplimiento de una función. El límite donde acaba la esfera de los objetos prácticos y comienza la de los objetos artísticos, depende de la intención de los creadores”
A propósito del contexto, el artista toma conciencia de su libertad creativa y expresiva, inventando nuevos lenguajes artísticos.
Los avances tecnológicos generan una nueva era de sensibilidad artística, inspiran una nueva iconografía e incorporan nuevas técnicas y procesos.
Picabia, influenciado por su época, recepciona los cambios de mundo a través de sus dibujos mecanomóficos, cuya interpretación está dada por muchos factores que lo hacen buscar su propio lenguaje, una forma de expresión en un tiempo en que la autenticidad del hombre se ve amenazada por muchos. Picabia, toma este período con cierta ironía, buscando belleza y encontrándola en algo tan funcional y objetivo como una máquina. Y no solo eso; estableciendo una correspondencia, oculta a simple vista, entre la belleza de las máquinas y la belleza de la mujer y el hombre.
En 1915 Francis Picabia abandona su exploración de forma abstracta y color para adoptar un nuevo lenguaje maquinista que utilizó hasta alrededor de 1923. A diferencia de Robert Delaunay o Fernand Léger, que vieron la máquina como un emblema de una nueva era, él se sintió atraído por las formas de la máquinas, por sus cualidades visuales y funcionales intrínsecas. Utilizando imágenes mecanomórficas con humor como sustituto de los seres humanos.
Machine Tournez Vite 1916
Machine Turn Quickly (1)
¿Cuál es la intención?
- Se utilizan motivos mecánicos para representar temas ajenos a la ingeniería (por el título de la obra)
- Es una réplica casi exacta del dibujo Engranage d`une roue et d`un pignon mécanique Nº8, Stanislas Petit. (2)
- Crea un vocabulario sexualizado vinculando el funcionamiento del conjunto mecánico representado con las relaciones humanas.
- Piñon más grande es el hombre (Homme) y el más pequeño la mujer (Femme).
Artículo New York Tribune octubre 1915 Picabia escribe: “La máquina se ha transformado en algo más que un simple instrumento de la vida humana. Es realmente una parte de la vida humana, quizás su verdadera alma... Me he apropiado de la mecánica del mundo moderno y la he introducido en mi taller... hasta alcanzar la cima del simbolismo...”
Representación
Retratos mecanomórficos
El género del retrato Muchos de los retratos de las vanguardias norteamericanas tienen poca o ninguna relación con sus sujetos ya no basados en la mimesis. Un nuevo tipo de retrato, denominado “Retratos objetos” + atributos distintivos (palabras, imágenes, formas, etc).
La decodificación de estos retratos depende de el conocimiento del espectador que lleva a cabo el retrato.
Parecen casi inaccesibles; que ignoran la personalidad del sujeto pero la realidad es que este tipo de retratos dependen y codifican el conocimiento más profundo de la identidad del sujeto.
Construyen más que la apariencia, dan fé de los efectos de la mecanización en la conciencia del artista. Plasma el rol de la persona en la sociedad, en este caso en la revista 291.
Retratos publicados en la revista de Alfred Stieglitz “291” en 1915
Los cinco retratos cuentan con imágenes de diversas partes de la máquina, en su mayoría componentes de automoviles, tales como cambios de marcha, cilindros de combustión y bujías.
- Le Saint des Saints, c’est de moi qu’il s’agit dans ce portrait / The holy of the holies is to me that it is in this picture(1) Superposición de una bocina de un automóvil en una sección transversal de una cámara de combustión. Supuestamente es Picabia y P. Haviland e identifica la relación del artista con el santo y por lo tanto, da a entender que la máquina es sagrada: la máquina es el creador del nuevo mundo.
- Voilá Haviland La poésie est comme lui / Here is Haviland, Poetry is like him (2) Retrata a Paul B. Haviland, uno de los fundadores de 291, como un objeto mecánico que emite luz rodeado de una línea orgánica que cerca la oscuridad, sugiriendo que el arte y la poesía de la revista 291 es fuente de iluminación y el brillo estético siendo sofocado por la pastoral de la sociedad (estética anticuada).
- Ici , c’est hielo Stieglitz / Here, This is Stieglitz Here (3) Alfred Stiegliz, fotógrafo estadounidense y creador de la revista, se representa como una cámara que se ha fusionado con un eje de engranaje y el freno de un automóvil.
- Portrait d’une Jeune Fille Américaine dans l’État de Nudité / Portrait of an American Girl in the State of Nudity (4) Dibuja a la mujer como una bujía. Que por definición es un dispositivo de un motor de combustión interna en donde se produce la chispa eléctrica que inflama la mezcla explosiva comprimida y que genera la chispa que enciende el combustible dentro del cilindro. ¿Sería la mujer entonces lo que enciende la máquina, la materia inanimada?
- De Zayas! De Zayas! (5) Marius de Zayas, artista, crítico de arte y galerista ha sido decodificado como la representación de los sistemas eléctricos y de lubricación de un automóvil. aludiendo a su papel en la generación de ideas y en mantener las cosas funcionando sin problemas como redactor de 291.
Se ve parte de un motor diesel adosado a un corsé femenino.
Pregunta/Ejercicio
Dejando fueras las apariencias y tomando en cuenta que vivimos sobre estimulados y hemos perdido la capacidad de asombro al recibir todo listo en nuestras manos... ¿con qué máquina o máquinas nos dibujaría el autor para dar fe de los efectos de la mecanización en nuestra sociedad?
Reflexión
La reflexión nace a partir de la creación de un lenguaje que permita al autor transcribir su estado interior; plagado de experiencias y hechos históricos que aproximan al artista con su época desde el desarrollo de su obra. Este lenguaje, abstracto, deriva de los avances tecnológicos y de la búsqueda de una forma de expresión que se apropie de una manera de pensar/ver al hombre en la sociedad. En este caso, una metáfora, acerca a una realidad mecánica con una realidad orgánica, superponiendo dos capas que aparentemente no tienen relación, el hombre y la máquina. Encontrando correspondencias entre un sistema y otro; relaciones ocultas dadas por la representación/yuxtaposición de formas y objetos que conforman los atributos distintivos para cada individuo (en el caso de los retratos de Picabia). Como se trata de un lenguaje, el retrato codifica el conocimiento más profundo de la identidad del sujeto. Es la construcción que va más allá de la apariencia (lo figurativo/lo literal) y que puede llegar a dar fe de los efectos de la mecanización en la conciencia del artista.
Entonces, este autor aprovecha los avances de su época para retratar a través de la intimidad más profunda, la relación entre una cara reconocible o un hombre y las cualidades intrínsecas de una máquina, que, a través de distintas formas, se está imponiendo en la vida cotidiana. (Está profundamente consciente de su entorno y de su lenguaje, construido a partir de la experiencia en primera persona con la materia). Podríamos llamarlo la des-humanización, la pérdida del yo, autor, ente orgánico... Se podría decir que su forma de tocar la historia a través de estas correspondencias ocultas que, se van de-cifrando a medida que se conecta con su interior como ser humano y con su exterior como proceso mecánico.
Utilizar el cuerpo como herramienta, las manos conducen nuestras ideas hacia lo material, hacia lo visible
La reproducción mecánica nos aleja-desvincula del producto final
Si bien todo lo que diseñamos, lo hacemos para que pueda tener una vida propia y lograr ser entendido por otros, existe también un desprendimiento de nuestro arte/diseño, que tiene que ver con el nivel de abstracción con el que trabajamos. Son distintos lenguajes que conviven en nuestro que-hacer diario y como resultado, quedamos al margen si no entendemos la esencia de cada proceso (necesario para llevar a cabo una idea). El proceso no lo es todo, también es importante entender nuestra conexión física con la obra, nuestro aporte físico (como herramienta) con nuestras proporciones y nuestra naturaleza como seres humanos.
Siempre se habla de la optimización del tiempo, de la cantidad y la calidad.... factores que el proceso mecánico reduce/mejora considerablemente. Pero eso no asegura un vínculo con la obra, no genera una singularidad en cada paso. No como sí lo hace un dibujo a mano alzada.
