Arte cinético
| Título | Arte cinético |
|---|---|
| Tipo de Proyecto | Proyecto de Curso |
| Asignatura | Presentación del diseño 3 2016, |
| Del Curso | Presentacion del diseño 3 2016, |
| Carreras | Diseño Gráfico"Diseño Gráfico" is not in the list (Arquitectura, Diseño, Magíster, Otra) of allowed values for the "Carreras Relacionadas" property., Diseño Industrial"Diseño Industrial" is not in the list (Arquitectura, Diseño, Magíster, Otra) of allowed values for the "Carreras Relacionadas" property. |
| Alumno(s) | Bárbara Quiroz |
| Profesor | Herbert Spencer, Pedro Garretón |
El Arte Cinético
- Línea de tiempo
$wgTimelinePloticusCommand is set correctly.La tendencia del movimiento
En las artes visuales, el término de arte cinético deriva de la palabra griega “kinesis”, y se refiere a obras que incorporan real o aparente movimiento. Explora cómo las cosas se mueven en el espacio, interactuando con diferentes estímulos del mismo.
Como núcleo se encontraban artistas que se fascinaban con la posibilidad de crear nuevas y más relaziones interactivas con el observador y nuevas experiencias visuales. Más allá de mostrar el arte desde la misma visión del artista, pretendían apelar a la imaginación del observador a través del efecto mismo del movimiento.
La tendencia inspiró nuevos tipos de arte que iban más allá de las ataduras de lo tradicional, lo manual, los objetos estáticos, enalteciendo la idea de que la belleza de un objeto podía ser producto de la ilusión óptica o del movimiento mecánico.
Dentro de esta tendencia se encontraban dos categorías: la parte gráfica impulsada por Victor Vasarely, en el arte óptico (la ilusión); y la parte escultórica cuyo precursor fue Jean Tinguely.
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El op art apunta a la ilusión del observador, donde visualmente se aprecia un movimiento en el plano
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El movimiento real del objeto es la escencia de la tendencia
Contexto histórico/social
La tendencia en sí comienza a tomar forma en el año 1920, período de post-guerra donde se manifestaba un gran descontento global. Para el arte este descontento repercute en la visión de los artistas sobre cómo representar el mundo moderno de la mejor forma. El arte ya no solo era la belleza de la visión del artista, sino que era una crítica social.
El auge de las nuevas tecnologías también llegó a inclinar la visión de los artistas a una favorable o desfavorable en el cómo la máquina se "toma" al mundo moderno, por lo que surgieron diferentes tendencias a demostrar esta visión. El arte cinético toma parte de ambas ideologías, pretendiendo con sus obras llegar a interpretar una idea social.
Legado
El Constructivismo : el arte cinético emerge de lo que era percibido como el declive de la tradición de la abstracción geométrica en el período de post guerra. Dado el legado del constructivismo, De Stijl y la Bauhaus, la abstracción geométrica se había considerado con actitudes revolucionarias de arte y sociedad. Su lenguaje austero y conceptual de lineas, planos y una simplificada paleta de colores, parecía apropiada para el mundo moderno. También se consideraba una filosofía donde el arte se filtraría en la vida cotidiana progresivamente. El arte cinético revitalizó esa tradición, utilizando lo mecánico y lo natural para traer una nueva relación entre el arte y la tecnología.
El Dadá : el arte cinético también saca mucho del pensamiento dadá. Romper las convenciones del tradicional arte estático. Se sugería que en vez de exhibición, el movimiento y la misma impresión del observador (algo fuera del control del artista) era más importante. Trajo además un escepticismo sobre el valor de la tecnología en la vida moderna. Se usaba el trabajo para expresar un pensamiento anárquico y satírico sobre las máquinas. Se pensaba que la máquina en vez de ser la ayuda para la humanidad se convertiría en su maestro.
Principios
1920 - Los artistas constructivistas Naum Gabo y Antoine Pevsner usaron el término "arte cinético" en el "Manifiesto Realista"
1930 - El artista de la Bauhaus Lazlo Moholy-Nagy usó el término "cinético" para describir el movimiento mecanizad del Light Space Modulator.
1955 - Le Mouvement Victor Vasarely en su "Manifiesto Amarillo" integró sus diseños gráficos de grillas en arreglos de negro y blanco, que producían un efecto visual.
Desde este año, con la exhibición más importante "Le Mouvement", en la Galerie Denise Rene (París), se atrajo seguidores alrededor del mundo. Uno de los aspectos más importantes es que por primera vez se exhibían obras con real movimiento (al contrario del movimiento ilusorio) lo cual captó el interés del público. El movimiento podía ser afectado por el viento y el toque, convinando formas biomórficas con el movimiento natural para examinar el comportamiento del objeto en el espacio.
Obras importantes
- Rueda de Bicicleta
(Marcel Duchamp-1913): corresporde al primer ejemplo de una escultura no hecha a mano y se le atribuye como el precursor del arte cinético. Si bien, no fue considerado como parte de la tendencia, Duchamp propone una escultura donde el efecto del movimiento es la escencia del objeto.
Disfruté mirando, igual que disfruto mirando las llamas de una chimenea. Fue como si tuviera una chimenea en mi estudio, el movimiento de la rueda me recordó el movimiento de las llamas
- Light Space Modulator
(Lazlo Moholy Nagy-1930): tres estructuras de metal y vidrio ancladas en un disco giratorio, crean un impacto visual en un espacio oscuro donde se forman sombras y luces.
- Arc of Petals
(Alexander Calder-1941): adoptó de su títuo como ingeniero mecánico el pensamiento del movimiento. En ello plasmó una serie de móbiles no mecanizados, que con solo su interacción con el viento provocaba un movimiento natural y errático.
La escultura espaciodinámica
Si bien parte de la tendencia realizaba sus obras en base a lo natural, muchos se decantaron por el movimiento mecanizado, indroduciendo el sentido del dinamismo en figuras geométricas. La fascinación por las máquinas hizo que algunos artistas despertaran un profundo interés en demostrar la analogía entre la máquina y el cuerpo humano. Más allá de apuntar sus obvias diferencias (lo racional versus lo sensitivo) apuntaban a sugerir que el humano podría ser definido como una máquina disfuncional.
Esta fusión de lo electrónico y el arte darían forma a la escultura espaciodinámica, impulsada por Nicolas Schoffer en 1956 con su serie CYSP (cybernetic spatiodynamic).
La CYSP empleaba un "cerebro electrónico" conectado a sensores que le permitían a esta escultura de escala humana responder a cambios en sonido, luz y movimiento. De esta manera se estrena en una presentación junto a la compañía de baile de Maurice Bejart, donde la máquina se veía interactuando con los bailarines y siendo parte de la performance escénica.
Con esto se demuestra el sentido de la visión del arte cinético, unido a la tecnología de la época y manifestando la idea de la interacción con la máquina como la belleza del movimiento.
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Bibliografía
- http://www.theartstory.org/movement-kinetic-art.htm
- http://www.artelectronicmedia.com/artwork/cysp-1
- http://www.visual-arts-cork.com/history-of-art/kinetic-art.htm
- http://bauhaus-online.de/en/atlas/werke/light-space-modulator
- http://www.medienkunstnetz.de/works/licht-raum-modulator/
- http://www.ijssh.org/papers/581-F00005.pdf
