Transmutación de la emotividad en la escultura en el periodo de pre vanguardias - Karime Hasbún Lara
| Título | Ensayo 1-2ºS 2021 |
|---|---|
| Asignatura | Presentación de las Vanguardias a la Contemporaneidad |
| Del Curso | Presentación de las Vanguardias a la Contemporaneidad 2021 - Andrés Garcés |
| Carreras | Arquitectura |
| Nº | 1 |
| Alumno(s) | Karime Hasbún Lara |
Transmutación de la emotividad en la escultura en el periodo de pre vanguardias
Abstract
La creación de volúmenes y espacios a través de la escultura ha estado definida siempre por la expresión y capacidad artística del escultor que la realiza. Originalmente las esculturas eran utilizadas con fines religiosos en ritos de culto, funerarios o rituales mágicos y más adelante tomó fuerza en la representación del poder de los monarcas absolutistas o personajes históricos buscando resguardar en la memoria de los ciudadanos sus triunfos hasta llegar a lo que es el día de hoy, en el cual el artista usa su poder creativo hasta para crear objetos decorativos.
Las obras creadas, ya sean personas, objetos, animales o figuras, pueden abarcar tanto la visión del artista con respecto a un aspecto determinado como la realidad fiel del elemento a retratar. A fines del siglo XVIII y comienzos del XIX se dio una transformación en la manera de realizar las esculturas, dando paso a la utilización de nuevos materiales y buscado recrear nuevas piezas escultóricas con distintos grados de emotividad en el cual se empezaron a redescubrir emociones que habían sido dejadas de lado durante el periodo clásico.
En este ensayo se hará un análisis del cómo fue cambiando la emotividad en la escultura durante el periodo Romántico y cuáles fueron las características que dieron inicio a esta transmutación emocional en las esculturas de diversos ámbitos.
Introducción
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Durante el periodo Neoclásico (1750-1800) las piezas escultóricas buscaban mostrar el equilibrio formal a través de expresiones cautelosas y un notorio dramatismo, esto con el fin de re-adoptar las tradiciones del Mundo Antiguo en el cual el orden, la claridad, la austeridad y el equilibrio eran la base de todo propósito. Con los hallazgos de distintos sitios arqueológicos y la mirada de los nuevos artefactos que revelaban aspectos desconocidos de la vida anterior, el pensamiento sobre el que se sentaban las bases del neoclasicismo ahora estaba fundado científica y racionalmente. La mitología antigua se volvió la fuente principal de inspiración de los artistas, que se mezclaron con la cultura existente que arrastraban las catedrales góticas de Europa. A pesar de lo anterior, la escultura tuvo un impacto mucho menos que otras artes como la pintura y la arquitectura debido a que estos periodos de la historia escultórica se caracterizan por una transición que alterna elementos clásicos con nuevos realismos. Mientras que en el periodo neoclásico los materiales preferidos eran todavía el mármol blanco, en el Romanticismo (1800-1848) el material más utilizado en conjunto con el mármol es el bronce. Para las esculturas del periodo romántico también se utilizaron otros materiales como hierro fundido y zinc. El Romanticismo buscaba recrear el arte que se daban en el Medioevo y surge como una reacción artística a la Ilustración y posterior Revolución Industrial. La escultura del Romanticismo se apegó fielmente a las características del movimiento romántico de la época que iba en contra de los ideales clásicos y neoclásicos. En este periodo de tiempo las figuras escultóricas se caracterizaban por demostrar la emotividad en sus obras, así como también ideales individuales de los artistas buscando mejorar la calidad de la sociedad en la que el mundo se desarrollaba en ese entonces: estas esculturas podían referirse tanto al mundo humano como el mundo natural, pero en ambos casos el énfasis estaba puesto en las emociones poco convencionales expresadas en las obras de arte como lo eran el miedo, el terror o la ira. La finalidad de este escrito es encontrar los cambios que fue experimentando la expresión de las emociones en la etapa previa a las vanguardias artísticas ocurridas en el siglo XX.
Desarrollo
En el Romanticismo, las esculturas tenían como fin evocar la emoción humana a través de las expresiones y gestos que el escultor le daba a su obra. Para lograr llegar a la verdadera emotividad, algunos realizaban combinaciones entra la naturaleza y la emoción humana; así, el Naturalismo proveniente de la Revolución Francesa tomó partido en las obras del Romanticismo. En conjunto con lo anterior, y como en todo periodo romántico independiente su forma, los escultores buscaban plasmar sus principios y convicciones en su obra de modo que la inspiración de cada creación tenía como base la experiencia y observación personal. Es por ello que los escultores dejaban de lado cualquier estímulo externo en la realización de sus obras para utilizar únicamente sus ideas originales.
El principal material utilizado en las creaciones escultóricas era el bronce, debido a que ofrecía más índice de maleabilidad que el mármol blanco utilizado anteriormente –el cual no era tan expansivo por lo tanto la expresión de los gestos era mucho más reducida. Esta decisión material se toma con el fin de crear composiciones complejas y con un mayor grado de dinamismo, el cual permita crear contrastes bruscos en las líneas de expresión de luz y sombra, además de la exageración de las expresiones en todo el cuerpo.
La gran parte de los escultores románticos eran oriundos de Francia y es por ello que, durante el siglo XIX, París se convierte en la capital artística de Europa. Es en esta ciudad que se concentran la mayor cantidad de esculturas del periodo. Uno de los exponentes más importantes del periodo es Francois Rude, quien fue el encargado de Le Départ de 1792, mejor conocido como La Marsellesa, que es uno de los pilares del Arco del Triunfo de París que representa la libertad personificada por encima de los voluntarios. Además de Rude, otro de los grandes exponentes del Romanticismo es David d’Angers, quien fue medallista y escultor. Este artista esculpió una gran cantidad de esculturas de héroes liberales franceses; sin embargo, su obra más destacada con respecto al aporte que le realizó al arte del Romanticismo es el Monumento al General Gobert y el frontón esculpido del Partenón francés. Los últimos dos referentes más importantes serían Theodore Gericault y Antoine Louise Bayre: Theodore muestra en su escultura La ninfa y el sátiro una expresión de resignación y romance que podría recordar a la divinidad de la época greco-romana a través de la exaltación del heroísmo del hombre, mientras que Antoine se basaba en sus obras en el Naturalismo puro, conocido como padre de la escuela animallier que eran los artistas dedicado exclusivamente a la escultura animal. La exageración de las facciones y sentires de los personajes representados fue la razón por la cual la emotividad y el Romanticismo en sí logró tanta repercusión posterior dentro de las Vanguardias artísticas.
Conclusión
A través de estos ideales rupturistas, la tradición clasicista fue de a poco decayendo para dar paso a la búsqueda constante de rasgos libertarios por parte de los artistas que pretendían dar paso a la exaltación de la emotividad de la sociedad contemporánea a la época. La fisonomía de las esculturas de finales del siglo XVIII dio paso al realismo de los personajes. A pesar de todo ello, la escultura francesa del Romanticismo como pre vanguardia no alcanzó la importancia que tuvo la pintura debido a que tiene un desarrollo posterior y sus temas comparten la expresión pasional de lo humano sin quietud ni mesura personificado en los ideales libertarios de la sociedad de la época.
Bibliografía
Equipo Rock&Tools. (08 de abril de 2021). El arte de la escultura y sus características. Obtenido de Rock&Tools: rockandtools.com/es/blog/143-arte-esculturas-caracteristicas.html Ibarra, M. (06 de julio de 2018). Escultura en el Romanticismo: Características, Obras y Autores. Obtenido de Lifeder: www.lifeder.com/escultura-romanticismo/
