Secession: Sobre la Tipografía y Koloman Moser
| Título | Secesión de Viena, Koloman Moser |
|---|---|
| Palabras Clave | proyecto editorial |
| Período | 2017-2017 |
| Asignatura | Construcción de Diseño Gráfico 2, |
| Del Curso | Construcción 2º DG 2017, |
| Carreras | Diseño, Diseño Gráfico"Diseño Gráfico" is not in the list (Arquitectura, Diseño, Magíster, Otra) of allowed values for the "Carreras Relacionadas" property. |
| Alumno(s) | Gonzalo Rojas |
| Profesor | Katherine Exss |
Contenido
Introduccion: Modernismo
¿Qué es?
.jpg)
El modernismo es un movimiento vanguardístico de transición que nace el año 1.900 aproximadamente y se conduce principalmente en las ciudades de Londres, Barcelona, Nueva York, Viena, Bruselas y Munich Los primeros antecedentes del modernismo se caracterizan por aparecer en la hoja mediante variados ensayos de trazos lineales ondulados y curvos en obras artísticas londinenses, haciendo pensar en elementos de carácter orgánico en el año 1.880.
En su pleno desarrollo, tanto en el diseño gráfico, industrial y la arquitectura, se basan sobre la homogeneidad lineal y la estructura de ornamentación, el movimiento en sí representa más que nada una transición que una ruptura abierta, expresa un sentido de vida orgánico (elementos característico del Art Nouveau), el cual persigue fundamentalmente la homogeneidad formal y estructural dejando la representación de cosas tangibles en un segundo plano.
Origen: ¿Qué buscaban?
.jpg)
Entre los objetivos principales y primerizos del modernismo, existen pensamientos que buscaban perseguir la homogeneidad formal y estructural del ornamento, además de buscar un punto de vista en donde lo tangible se viera como un accesorio. Es por esto que nace la relación entre lo abstracto y lo ornamental, convirtiéndose en esta búsqueda de el pulso principal del arte modernista. La linea juega un papel fundamental y se plantea mediante el desarrollo de la curva plana, el ritmo con que el delgado trazo lineal pasa, formas positivas, espacios vacios que abren una opción de cambio en algo no necesariamente concreto haciendo sentido a este uso de lo tangible como un elemento de segundo plano.
Deriva de esto la relación entre la forma y el sentido que se le daba, haciendo posible que el artista pudiese ser de carácter universal y generar uniones entre los oficios que implicaban al arte, por ejemplo, la poesía y la decoración.Esto se veía ejemplificado en libros de literatura poética decorados e ilustrados, dando sentido a este concepto de lo abstracto y ornamentado de la visión moderna. Con esto se infiere que como fundamento, cualquier obra modernista debe partir desde y expresarse sobre un plano y que lo tangible debe ser superado por lo abstracto.
Fundamento artístico, ¿Cómo era el arte modernista?
.jpg)
Los fundamentos artísticos de la visión modernista se ampliaban según el oficio que se ejercia, pero todos estos oficios estaban basados en el pensamiento de un ornamento y forma estructural que iba en búsqueda de lo abstracto, dejando a lo tangible de lado para dar pie a lo indeterminado y sus abarcaciones dentro del concepto del ornamento, la decoración, el orden y la formalidad.
El arte decorativa, desde un principio saca a la superficie lo decorativo, incluso cuando se trata de personas ó de espacios, es por esto que el ornamento tuvo su fuerte en la etapa modernista mediante el cartelismo, la ilustración y la creación de objetos. Existía además un fundamento que implicaba la expresión del artista mediante o sobre un cuerpo plano, implementando el estilismo sobre estos cuerpos y figuras espaciales bidimensionales renunciando a contornos lineales y marcados.
En el arte modernista, el fondo de las obras jugaba un papel fundamental, teniendo un rol activo en pos de generar una congruencia y equilibrio entre los objetos que se realizaban en la obra y el fondo que los acompañaba.
Los objetos lineales en el arte modernista poseían formas de gran atracción y un juego de amplio contraste en el crecer y decrecer, tanto en la dirección como en la anchura de la línea, esto genera variadas obras en donde se concentra una textura con un carácter palpable, generante de sensaciones además de una aparición constante de lo asimétrico, surgiendo principalmente de formas para luego transformarlas en una torsión y que re-aparecen en forma asimétrica.
La figura humana no se logra excluir de la ornamentación y no solo funciona representándola revestida de ornamentos, sino que se le entrega también un aire musical, es aquí donde surge tambien cierta relación entre lo musical y las artes, principalmente a través de la pintura.
En otro extremo aparecen las encuadernaciones de libros y sus páginas, cuyas ilustraciones y ornamentos se mezclan formando en conjunto una nueva obra de arte en cada página a partir de elementos desiguales, síntesis caligráficas de formas y símbolos, con esto se dá inicios a la intensa relación imágen, texto y ornamento, principalmente mediante el cartelismo y la ilustración.
.jpg)
El modernismo también incluía dos caras artísticas, la pintura y la poesía, en donde se resulta en una especie de nomenclatura de lo óptico y lo acústico, generando una mayor expresión de símbolos ornamentales que demuestran caracteres sintéticos, pero que caracterizaban una cualidad narcisista de los artistas mediante la búsqueda de la belleza y las numerosas exposiciones que realizó el movimiento artístico.
El cuerpo artístico del modernismo se dividía en el modernismo lineal y el modernismo volumétrico, los cuales se generan gracias a una contradicción y de manera antagónica. El modernismo lineal, se basa sobre el concepto de línea que no permite solamente a la misma como un cuerpo geométrico constante si no que busca ampliar el carácter hacia la oscilación de los trazos y líneas que van desde lo grueso a lo delgado, principalmente. En contraste, está el modernismo volumétrico, el cual se basa sobre la bidimensionalidad de cuerpos y figuras planas y estructuras homogéneas, tomando un rol fundamental la abstracción en esta “clasificación” del modernismo, cosa que no resulta ser tan latente en la concepción lineal. Este criterio volumétrico contribuye a generar posterior y tardíamente, la fase geométrico-abstracta del modernismo.
.jpg)
.jpg)
Cuerpo’ y Espacio’ son conceptos importantes que forman una definición propia sobre la elasticidad, espacialidad y la arquitectura de los cuerpos. Esta arquitectura tiene un concepto de generarse desde “dentro hacia afuera”, es decir una transición desde los espacios interno hacia los externos generando un recalque en la impresión de lo flexible, inestable y ligero junto a un anhelo a la transparencia, por lo mismo hay un amplio uso de vidrios y elementos que permitan generar cuerpos con cierto grados de transparencia. Lo funcional de los objetos alcanza un climax, sobrepasando lo racional y convirtiéndose en algo ornamental y escultórico, concibiendo cada espacio y detalle como una masa moldeada de una sola vez. Antoni Gaudí se transforma en el mayor exponente de la arquitectura modernista, presentando la construcción de cuerpos plásticos, espacios habitacionales como cavidades negativas, dándoles un carácter de sustancia moldeable a los cimientos de sus espacios, movimientos oscilatorios de sus planos, entregando esto tanto a lo horizontal como en lo vertical.
Secesion de Viena
¿Qué es?
.jpg)
La “Secesión de Viena” ó “Secesión Vienesa” es una corriente artística de carácter vanguardistico perteneciente al modernismo formada por 19 artistas en un principio el año 1.897, entre los cuales se encuentran diseñadores, pintores y arquitectos, como parte de un proyecto de renovación artística que tuvo una prolongación de 8 años, hasta el año 1.905.
Esta corriente se caracterizó por obras de formalidad y sobriedad bajo el concepto de “obra de arte total”, es decir una obra de arte que contuviera a todas las demás mediante una geometría adecuada formal y poseer un enfoque pluralista reuniendo a los naturalistas, los modernistas, los impresionistas y la polinización cruzada entre todas las disciplinas formando esta “obra de arte total”, su sello y objetivo característico. A pesar de aquello es un movimiento muy abstracto que tiene como principal carácter el cartelismo, el diseño editorial (Revista Ver Sacrum, la cual era la obra editorial oficial encargada de expandir el movimiento) y la tipografía.
La Secesión se inspiró en William Morris y en el movimiento de Artes y Oficios de Inglaterra, que buscaba re-unir bellas artes y artes aplicadas. Al igual que Morris, los secesionistas rechazaron las técnicas de fabricación del siglo XIX y favorecieron objetos artesanales de calidad, creyendo que un retorno al trabajo manual podría rescatar a la sociedad de la decadencia moral causada por la industrialización
Origenes de la Secesión
Los orígenes de la Secesión de Viena se remontan al año 1.897 dentro de la “Asociacion de los artistas de las artes visuales en Austria” gracias a un grupo de jóvenes diseñadores, pintores y arquitectos que querían salir de las normativas académicas aplicadas en esos tiempos en el arte, entre ellos está Gustav Klimt, Koloman Moser, Ferdinand Andri y Joseph Maria Olbrich como los más destacados y como los personajes que llevaban la imagen representativa del movimiento.
El 3 de abril de 1.897, una carta fue presentada a la Kunstlerhaus anunciando la formación de un nuevo grupo con Klimt como presidente y Rudolf von Alt como presidente honorario. De un total de 40 miembros en la lista, 23 eran miembros de la Kunslerhaus, incluyendo Klimt, Joseph Olbrich y Koloman Moser. El grupo tenía, de hecho, la intención de permanecer en la Kunstlerhaus, pero el 22 de mayo la junta directiva presentó una moción de censura contra el nuevo grupo durante su asamblea obligando a Klimt y el grupo a abandonar la reunión. Días más tarde, se envió una carta oficial de renuncia a la Kunstlerhaus anunciando la renuncia de doce artistas miembros, incluyendo Stor, Olbrich, Moser, Carl Moll y Felician von Myrbach. Más renuncias siguieron en el curso de los próximos dos años, incluyendo Hoffmann, Kurzweil y terminando con Otto Wagner el año 1.899.
El esteticismo favorecía las formas curvilíneas, los materiales lujosos, las fachadas decorativas y el ornamento. Estilo nuevo y su narrativa femenina en cuanto al origen. La intensión del grupo era acabar con la división entre el gran arte y los generos menores, reivindicar la creación artística.
Estilos y fundamentos artísticos
Su estética favorecía las formas curvilíneas, los materiales lujosos, las fachadas decorativas y el ornamento, algo muy popio del Jugendstil, la version alemana del Art Nouveau, sin embargo, lo que diferencia estos estilos, es que la Secesión aplica la simetría y la repetición más que en los elementos naturales. Este estilo geométrico y repetitivo viene por la influencia de William Ashbee y Charles Renee Mackintosh. Su estilo era nuevo y su narrativa femenina en cuanto al origen. Es por esto que la Secesion Vienesa es considerado como un movimiento hermano del “Art Nouveau”, por críticos es nombrada como el Art Nouveau Vienés.
Otra influencia fue el Diseño japonés, quien había barrido el diseño y a los diseñadores de Europa a finales del siglo XVIII. Fue incorporado rápidamente en la secesión por el uso restringido de la decoración y la preferencia de materiales naturales por sobre los artificiales, el trabajo manual por el trabajo de máquina, el fin de inspirarse en el diseño japonés era incorporarlo sin problemas al cotidiano de la vida. El año 1.903 la Secesión dedicó una exhibición entera a su arte y sus lazos con el arte japonés. El énfasis en planos, colores fuertes, superficies modeladas y contornos lineales ayudó a los secesionistas a formar un puente entre las bellas artes y las artes gráficas.
Entre las características del movimiento se busca llegar a la expresión del ornamento y la formalidad, la elegancia y la sobriedad mediante las obras, dando paso a una renuncia de responsabilidad que conlleva lo moderno, dejando camino al desarrollo moral de la cultura y el arte por sí solo en búsquedade la representación de la sociedad moderna alejándose de la repetición y de los estilos arquitectonicos ya planteados anteriormente.
Esta corriente fue altamente criticada debido a la confusión de roles masculinos y femeninos en las obras presentadas en base a una confusión de lo público y lo privado, por lo cual en la época, tenía lenguajes vulgares e inadecuados basados no en la mujer femenina, sino en el hombre femenino.
Entre los elementos de diseño más usados por los artistas de este movimiento se encuentra el cartelismo, decoración, tipografía y distintos objetos gráficos. Cada uno de ellos posee características que buscaban ser resaltadas por los autores.
A partir de esto, el cartelismo, el cual desde sus inicios como una disciplina, poseía fines comerciales y negociantes, ahora busca un nuevo rumbo expresionista mediante fuertes caracteres gráficos primodializando lo cultural y social mediante formas estéticas geométricas abstractas claras y definidas (relación de parentesco con el cubismo, debido al constante uso de cubos y círculos en las obras).
Paralelamente el desarrollo del ornamento y la decoración formal, tenia fuerte presencia en el movimiento y resulta ser estilizada y fuertemente abstracta, obteniendo el carácter de modernista y a su vez ordenada e innovadora. El estilo provoca que las obras, se usen en distintos elementos tales como tapices, vestidos de moda, etc. por lo cual surge una mayor expansión del movimiento.
En último lugar, y con igual importancia que los elementos anteriores, la tipografía, tiene un valor profundamente amplio, y es por ello que su composición es tremendamente comunicativa y social, por lo cual, la comunicación de las ideas, ante lo estético de la letra, se antepone de manera rotunda. La tipografía, especialmente usada en la revista “Ver Sacrum” sirve como fuente de inspiración para tipografías del “Art Nouveau”, tal como la llamada “Gaisma” diseñada a partir de inspiraciones Vienesas y Nordicas nacionales.
Todo este movimiento se fundamenta bajo el concepto de “obra de arte total”, empleado por Richard Wagner (Compositor, poeta, dramaturgo y teórico músico alemán del Romanticismo), el cual propone que toda obra de arte, debe ser una compresión de todas las destrezas que cada arte traía al mundo.
Trabajo tipográfico
A comienzo del año 1900 se detectan nuevos cambios unidos a nuevos avances tipográficos ligados a la imprenta y a ciertas reacciones intelectuales y artísticas radicales que cuestionaban a la sociedad moderna. Los 14 años previos a la primera guerra mundial el año 1.914 fueron fundamentales para el uso de la imprenta y el crecimiento del cambio tecnológico y estético que servirían para fundamentos tipográficos siguientes. Mientras se producía un retorno a ciertos valores del pasado, en Viena, existía un contraste con otros movimientos debido a las nuevas prácticas que llevaban los nuevos métodos de impresión, haciendo que un gran lote de búsquedas y cuestionamientos terminasen en un gran replanteamiento radical sobre la tipografía.
La Secesión Vienesa se encierra dentro de la época del modernismo, en ámbitos tipográficos los tipos de letra modernistas tenian corno objeto, y de manera sintetizada, que el lector contemplara la vida diaria de una manera distinta al confrontarse a formas tipográficas desconocidas.
La letra en la Secesión durante los 8 años de duración que tuvo, se caracteriza por gustos tipográficos gentiles y formales en donde se plantea una comunicación estética secesionista segura de sí y autocomplaciente, con esto se caracterizan dos estilos tipográficos dentro de la secesión en distintos contextos históricos tanto vieneses como de un mundo a puertas de entrar en una gran guerra.
A pesar que desde un comienzo sus obras tenían caracteres orgánicos, florido, etc., esta fue evolucionando a aspectos más geométricos.
Los textos secesionistas poseían características que se destacaban dentro de lo cuadrangular y estudiado, esto con el fin de no entregar una especie de ahogo a la letra, además de una amplia verticalidad de los glifos (realización concreta de caracteres),la sobreelevación que presentan los travesaños horizontales de las letras, o bien a cualquier punto de enlace o salida que se establezca a lo largo de la asta vertical de un glifo.
Una de las obras maestras de la época de impresión en la Secesión fue el libro conmemorativo de la imprenta astrohúngara, producido en 1.904 y con una portada con iníciales diseñadas por Moser, en donde se nota una inspiración en tipos venecianos del siglo XV y un texto compuesto por márgenes profundamente decorados. La manera en cómo se entendía la formación de una página terminaba siendo una combinación de elementos destinados a elaborar un producto final tuvo paralelismo con la imprenta privada y su desarrollo.
.jpg)
El segundo estilo tipográfico destacable dentro de la secesión se encuentra dentro del cartelismo de Alfred Roller y Adolf Boehm en la cual, prontamente la tipográfica formal ornamentada se verá alterada debido a signos turbulentos de esta Europa a puertas de entrar a una Gran Guerra, convirtiéndola en tipografías totalmente rotundas con trazos más gruesos, articulaciones más distorsionada, superposición aleatoria y angulación azarosa en los ejes principales de los caracteres. Si bien se mantiene el estilo cuadrangular del marco del texto, ahora hay una mayor comunicación sobre el contexto histórico que se vivía en ese entonces mediante la tipografía.
22.jpg)
Los carteles provienen del campo cultural, no comercial, como primaba hasta entonces. Los trabajos son muy estructurados, dándoles mucha importancia al orden, el equilibrio y la geometrización (el cuadrado y el cubo son repetidos continuamente). Su objetivo estético final era la “obra de arte total” o “Gesamtkunstwerk”, término acuñado por Richard Wagner para denominar a un arte que condensara las destrezas de todas las demás.
Los artistas vieneses querían dar a su arte una expresión despojada de sus velos y nada envuelta en accesorios. Un arte propio, sin servilismos extranjeros. No quieren imitar al arte exterior, pero sí que les sirva de inspiración y análisis.
La decoración es modernista, ni orgánica, ni naturalista sino estilizada y abstracta. La tipografía es un elemento determinante, le dan gran importancia a la letra, esta tiene un valor formal, compositivo y comunicativo.
Fin del movimiento
.jpg)
El objetivo de la secesión era tomar “derecho al arte sobre las cosas cotidianas de la vida” además de generar un trabajo cultural en donde el artista tuviese mayores posibilidades a realizar un programa educativo para la sociedad Austriaca. En pocas cuentas era generar un Arte Austriaco capaz de brillar por sí mismo en pos de hacer cambio educativos y culturales, además de realizar un mayor equidad con los artistas menos conocidos de Viena.
Las causales del fin de la Secesión se debe a una seguidilla de conflictos de interés que se registran desde el año 1.900 aproximadamente y que culminan con la separación total del movimiento el año 1.905 cuando Gustav Klimt decide dedicarse de lleno a su nueva agrupación llamada “Agrupación Klimt”,en donde se propone incluir las artes aplicadas en el programa secesionista, incluyendo a diseñadores y arquitectos en las exposiciones de la Secesión, y por otro lado estaban los miembros del “Pintor Puro” con Josef Engelhardt (miembro fundador), quienes poseían una ideología de que las artes aplicadas no poseían la misma calidad y alcance que la pintura de caballete.
La secesión acogía gran variedad artística que traían sus integrantes, por lo cual no había manera de entrar en clasificaciones según las posibilidades artísticas para que diesen un mayor rumbo al estilo Secesionista, el deseo de clasificar las posibilidades artísticas a veces enemistadas en racionalistas, naturalistas, modernistas, etc. ayuda en conflictos administrativos e ideológicos internos en la agrupación. Moser fue uno de los más osados y arrojados con respecto a sus obras y el carácter que generaba, esto empezó a generar los primeros conflictos internos en la Secesión, disgustando a variados miembros.
La causa coyuntural que dividió definitivamente al grupo fue el miedo ante la incontrolable alianza del arte y del comercio que se estaba formando provocando la escisión de la casa de los artistas. La concretación de esta alianza, terminó por separar definitivamente a la Secesión. Esta situación ocurre gracias a un contexto creado bajo un hecho que incluye a Carl Moll, dueño de la galeria de arte Miethke en Viena, el año 1.905, en donde a Moll le llega la propuesta de vender las artes de los Secesionistas aplicando a la comercialización de objetos de ornamentación y buen gusto apropiados para todo aquella persona culta capaz de acceder al arte y que no quisiera cargar con demasiado artística en su cotidiano, por lo mismo el estilo vienés comienza a transformarse paulatinamente en ganancias económicas. Posteriormente El museo Austriaco de Arte y Artesanía se convirtió en el asesor del triunfo universal de las artes de la Secesión convirtiéndolo en la marca patentada bajo el nombre “Made in Austria”, generando una comercialización no prevista por los artistas de sus propias obras, esto genera un disgusto que termina provocando que, en la próxima exposición a realizarse despues de estos acuerdos comerciales, el grupo de Klimt fuese el único en votar en contra para la realización y participación en la exposición, provocando que se separasen del grupo definitivamente el año 1.905.
Los miembros restantes de la Secesión no pudieron mantener el movimiento sin sus tres cabezales por lo cual el movimiento se segregó definitivamente entre Noviembre y Diciembre del año 1.905, para lo cual se escribió una carta dirigida al Ministro de Educación de la época firmada por Gustav Klimt y el resto de artistas que componían la secesión.
Extractos de carta de escision
A continuación se presentan extractos de una carta presentada por Gustav Klimt al ministro de Educación y Cultura en Viena, detallando así el motivo por el cual la Secesión se disuelve irreparablemente el año 1905.
"Los abajo firmantes se permiten, con esta carta, comunicarle su separación de la Asociación de Artistas Plásticos de Austria (Secession). El decidido apoyo que Usted ha concedido a la asociación nos obliga. . . a justificar este paso. Pensamos que, teniendo en cuenta la revolución sufrida por todas las ideas, los artistas no deberían limitar su actividad únicamente a la organización temporal de exposiciones sino que más bien deberían aspirar a adquirir una influencia, cada vez mayor, en todas las manifestaciones de la vida moderna. Precisamente los artistas tienen la obligación de aprovechar cualquier oportunidad que se les presente para fomentar la vida artística en el más amplio sentido; y convencer mediante su actividad a círculos cada vez más amplios del pueblo de que no existe una vida tan rico que no se pueda enriquecer más con el arte, ni una vida tan pobre que no ofrezca cabida al arte. Puesto que nuestras aspiraciones han chocado contra la oposición y la falsa interpretación de la mayoría de la asociación, teniendo en cuenta que algunas de estas aspiraciones no se pueden realizar dentro de los estrechos límites de una asociación, y porque tuvimos que reconocer que la mayoría de nuestros compañeros no confían en la seriedad de nuestros objetivos, que no fueron acogidos con ninguna simpatía, nos hemos visto obligados a la escisión del grupo."
Novotny y Dobai. Op. Cit., pág. 49
Citado desde el texto “Klimt”, de Gottfried Fliedl, editorial Taschen, 1991.
Es necesario establecer el espíritu delas exposiciones sobre una base puramente cultural, libre del carácter mercantil (...) y en última instancia se estimule a las esferas oficiales a que se preocupen más por el cuidado de las obras de arte".' "Fomentar, en primer lugar, la actividad artística, el interés por el arte en nuestra ciudad y, una vez que el mismo se haya ampliado a nivel austriaco, extenderlo a todo el Imperio."'
Citado desde el artículo "ANTIACADÉMICOS: LESVINGHT, LA SECESIÓN DE VIENA Y EL “MUNDO DEL ARTE”.Autor: Antonio García Villarán; Categoría académica: Doctor en Bellas Artes.; Licenciado en Bellas Artes en las especialidades de Pintura y Escultura.
Koloman Moser
Nace en Marzo de 1.868 y fallece en Octubre del año 1.918 en Viena, Austria, fue un diseñador gráfico-industrial, litógrafo y pintor, considerado como uno de los mayores precursores y cofundador del movimiento artístico “Secesión de Viena” ,alcanzando un alto grado de obras tanto gráficas como industriales marcando parámetros característicos a este movimiento entre 1.897 y 1.905. Todo esto respaldado mediante una amplia gama de obras que van desde la moda, revistas, joyas, vitrales, muebles, libros, piezas gráficas entre otros. Fue el mayor influyente artístico de su época en Austria.
En su infancia gastaba la mayor parte de su tiempo en talleres de arte que impartía la escuela en donde trabajaba su padre, esto dió una importante y perfecta base para realizar las técnicas y estilos que demostró durante su carrera. Sus estudios superiores lo realizó en la Academia de Bellas Artes de Viena y en la Escuela de Artes Aplicadas, convirtiéndose en profesor de ambas escuelas en el año 1.899 hasta su muerte. Comenzó como ilustrador y dibujante de moda en el diario de arte “Meggendorfer Blatter”, pero paralelamente empezó a trabajar con joyas, tapicerias, cerámicas, y todos los aspectos que el Diseño de interiores incluía.
En el año 1.897, se une junto a Gustav Klimt para fundar la corriente “Secesión de Viena” y acompañarla hasta el año 1.905 cuando se disuelva esta agrupación por conflictos de interés de los artistas que lo componían y para posteriormente participar activamente junto a Joseff Hoffmann (Arquitecto) en los “Talleres de Viena” fundados previamente en el año 1.903 hasta el año 1.907, sin dejar de cesar la producción en base a finas líneas y motivos repetidos en el arte y la arquitectura de diseños de interior.
.jpg)
Diseñó para varias publicaciones editoriales, tales como, entre la más destacada la revista “Ver Sacrum” (revista oficial de la Secesión), “Der liebe Agustin y “Hohe Warte”, en donde, junto a sus compañeros de la Secesión, publicaba sus obras más destacadas.
Etapas artísticas
2.jpg)
Durante su carrera como diseñador se identifican tres etapas destacables. La primera etapa fue durante su participación en la Secesión de Viena (1.897 - 1.905) , que tiene como elemento más destacado la edición de la revista “Ver Sacrum” en donde sus obras de carácter gráfico que incluyen carácteres orgánicos y lineales y habilidad editorial, además de una activa participación de colores y lineas planteadas finamente sobre un soporte aplicando a distintos lenguajes del estilo modernista, sin embargo, en algunas ocasiones sus diseños se anteponen al diseño de carácter modernista por el constante uso de tintas planas y de blancos y negros, en esta etapa se luce su habilidad y fineza como diseñador de piezas gráficas y se concede una concepción propia de la “creación”.
En esta etapa, Moser fue blanco de distintos conflictos internos en el grupo de la Secesión esto debido a que el estilo del artista, según algunos miembros de la Secesión era muy arrojado y despreocupado, causando los primeros conflictos de interés dentro de la Secesión. Si bien esto generaba conflictos internos en la Secesión, sus obras en esta época, especialmente las expuestas en la revista y las que participaban en las exposiciones de la Secesión, destacan por un gusto fino sobre la estética y la formalidad por una fantasía formal hiperpócrita mediante características del modernismo ondulante, en donde ocurren líneas onduladas, naturales, vegetales y elementos decorativos sobre la superficie.
Se infiere que en esta etapa de su carrera, se basa sobre el diseño de elementos en donde predomina el modernismo ondulante y el modernismo geométrico siempre destaca uno por sobre otro, en este caso, el primero.
En la segunda etapa se destaca su participación en los “Talleres de Viena” junto a Josef Hoffman, en donde surgen sus intereses industriales mediante la realización de estudios y objetos artesanales para el hogar de gran estética y funcionalidad y la creación de muebles y elementos ornamentales, hasta el año 1.907 en donde surge la escisión del grupo por conflictos administrativos.
En esta etapa de su carrera destaca el uso de un estilo de retícula en sus muebles, en donde se centra más en el modernismo geométrico entremezclado levemente con el modernismo ondulante y orgánico en los aspectos gráficos, además de el uso de la sencillez mediante el ornamento, la aplicación de un solo color y el no uso de objetos decorativos Los Talleres de Viena, surgen en el año 1.903, en los cuales incrementa el interés por el diseño industrial y la posibilidad de mezclarlo con el diseño gráfico mediante una conjugación geométrica. Junto a Hoffman y un inversionista, fundan los talleres en los inicios de los conflictos por el fin de la Secesión, esto gatilla que Moser reduzca su participación en el movimiento, generando un mayor estado de problemáticas. En los talleres surge el interés sobre “la obra de arte total” y la “unión de objetos irreconciliables entre sí”. En este taller Moser gana un mayor renombre debido a los productos de artesanía que lograba con su grupo y la exclusividad estética que lograba bajo la ideología de que el arte fuese un bien común para todos (ideal que proviene desde 1.898, Ver Sacrum). En su etapa con los Talleres de Viena destaca su trabajo en metal, oro, plata, encuadernación y trabajo en madera, además se destaca su trabajo inspirado en elementos decorativos del arte y arquitectura antigua, sobre todo griegas y romanas, luchando con el lenguaje Historicista y Eclécticos que aún persistían en Viena. Un hito importante para los talleres fue realizar la fachada del sanatorio de Purkersdorf el año 1.904, en donde surge la unión entre el espacio exterior e interior a través de un empleo elocuente por dentro y fuera de la línea constructiva en consonancia con la apariencia externa cúbica del edificio del sanatorio. Moser destaca por la realización de elementos de ornamentación como por ejemplo maceteros y cajones entre apoyos verticales con madera, además hace participar a elementos gráficos de tonalidades blancas y negras en base a un estilo cuadriculado al más puro esteticismo de una tabla de ajedrez y bajo el concepto de trabajo de mantener siempre una totalidad en sus cuerpos de diseño, que incluía el diseño y construcción de los espacios tanto volumétrico que ocupaban sus obras, como el espacio vacío que generaban, todo esto bajo una rigurosidad geométrica y objetual constructiva.
.jpg)
Gracias a la bancarrota del inversionista en los Talleres de Viena, la cual se genera gracias al alto costo monetario que generaba la realización de las técnicas en los talleres, no se pudo emplear más la realización de artesanías exclusivas, estos conflictos administrativos provocaron que entre 1.906 y 1.907, Moser decida terminar con su participación en los Talleres de Viena y decida concentrarse exclusivamente en la pintura.
Por último, al separarse de esta última corriente, gracias a una independencia económica mayor (gracias a su casamiento con una adinerada mujer, Ditha Mautner von Markhof el mismo año del termino de los Talleres),su carrera artística se forja independientemente, dedicándose exclusivamente a su propia pintura en donde su estilo modernista orgánico y ondulante vuelve a hacerse presente.Las primeras pinturas de Moser son principalmente impresionistas, con el paso de los años la influencia será del pintor Ferdinand Hodler. pudiendose observar una evolución hacia un modernismo limpio y sin recargas en la pintura. Kolo Moser fallece el 28 de octubre del año 1.918 debido a un cáncer que le afectaba. Observar las obras de Moser resulta observar la ciudad de Viena de manera reformada formalmente desde todas sus perspectivas artísticas con cierta tonalidad de formalidad, tenacidad y buen gusto, toda su amplia gama de obras de diseño de carácter industrial gráfico, litográfico, cartelista, editorial, etc., resultan ser parte importante de un estilo artístico propio de Viena apelando a la fineza, al cuerpo total de los elementos, a la formalidad, entre otros a la rigurosidad y buen gusto.
Conclusión
Contemplar la vida diaria de una manera distinta al confrontarse a formas tipográficas desconocidas.
En principios del siglo XX, como se ha documentado, los avances tipográficos unidos a la imprenta y cierto pensamiento intelectual se enfocan en replantear la sociedad moderna, todo esto gracias además al contexto histórico previo a la Primera Guerra Mundial el cual fue fundamental para avances en la tecnología y además en las visiones de artistas, esto incluía principalmente a la Tipografía como método de comunicación elemental al igual que la imágen y generar un pensamiento en el cual el lector contemplara la vida diaria de una manera distinta al confrontarse a formas tipográficas desconocidas.
Los diseños tipográficos Modernistas, que se enmarcan a la Secesión vienesa temporalmente poseen una vaga diferencia entre diseños renacentistas y estilos caligráficos , esto forma la raiz del estudio tipográfico y el redescubrimiento de formas , esta idea se utiliza como base para realizar ajustes tipográficos en pos de la Secesion. Los diseñadores de tipos y, los diseñadores gráficos, industriales, arquitectos o pintores que ocupan la tipografía como parte fundamental de su obra, logran demostrar la fusión entre las formas neoclásicas, románticas junto con la caligrafía de ritmo fluido.
Los caracteres tipográficos dentro de la Secesión se caracterizan por gustos tipográficos gentiles y formales en donde, como un primer estilo se busca comunicar el esteticismo propio de la Secesión que buscaba generar sensaciones autocomplacientes y que en primer aspecto se emplea un uso tipográfico en donde no se le permite el ahogo a la letra. Todo este sistema tipográfico se enmarca dentro de lo cuadrangular y la realización concreta de los caracteres que entregan un patrón de orden a las páginas en donde se empleaba la tipografía.
Koloman Moser y Gustav Klimt a traves de sus obras se encargan de emplear fuertemente la letra y relacionarla mediante este sistema formal a la imágen, además en su caligrafía ilustrativa, sus logotipos, y su tipografía en general, representan un replanteamiento de los tipos de letras que superan la rigidez de los tipos de fundición convencionales, la inspiración principal de estos artistas, y de la Secesión en general proviene principalmente del movimiento “Arts & Crafts” y del “Art Nouveau”.
Como parte del análisis gráfico, las letras resultan ser adaptaciones de la escritura caligráfica renacentista que incluyen principalmente remodelaciones como: (1) la sobreelevación que presentan los travesaños horizontales de las letras, o bien a cualquier punto de enlace o salida que se establezca a lo largo de la asta vertical de un glifo;(2) el gusto por una línea recta acompañada por alargues parabólicos ó caracteres que presentan cierres o enlaces en sus puntos medios, confiriendo a la tipografía una sutil elegancia y formalidad.
El segundo estilo tipográfico destacable dentro de la secesión se encuentra dentro del cartelismo de Alfred Roller y Adolf Boehm en la cual, prontamente la tipográfica formal ornamentada se verá alterada debido a signos turbulentos de esta Europa a puertas de entrar a una Gran Guerra, convirtiéndola en tipografías totalmente rotundas con trazos más gruesos, articulaciones más distorsionada, superposición aleatoria y angulación azarosa en los ejes principales de los caracteres. Si bien se mantiene el estilo cuadrangular del marco del texto, ahora hay una mayor comunicación sobre el contexto histórico.
El segundo estilo tipográfico destacable dentro de la secesión se encuentra dentro del cartelismo de Alfred Roller y Adolf Boehm en la cual, prontamente la tipográfica formal ornamentada se verá alterada debido a signos turbulentos de esta Europa a puertas de entrar a una Gran Guerra, convirtiéndola en tipografías totalmente rotundas con trazos más gruesos, articulaciones más distorsionada, superposición aleatoria y angulación azarosa en los ejes principales de los caracteres. Si bien se mantiene el estilo cuadrangular del marco del texto, ahora hay una mayor comunicación sobre el contexto histórico que se vivía en ese entonces mediante la tipografía y se nota un proceso de lo “orgánico-ondulante” a lo geométrico, casi al mismo paso que el movimiento modernista de manera global. Con ello la tipografía surge con características que los diseñadores, según su mirada estética, emplean las serifas o no, rasgos lineales más rectos. Estas dos cualidades no solo surgen por separado, también surgen de manera híbrida y entremezclada en los diseños de los tipos, junto a una cualidad de rara simetría y el no uso de círculos y líneas puras.
Se plantea una visión acerca de cómo la tipografía evoluciona en la transmisión de sus ideales estilísticos y contexto histórico, pasando de estilos orgánicos, floreados, que plantean la transmisión de lo orgánico y ondulante demostrando una estética y una sensación de que dentro del arte en Viena, está sucediendo algo nuevo, vanguardista pero a la vez cuidadosamente regulado por la formalidad de lo antiguo que se reforma con lo orgánico del modernismo ondulante, hacia una geometrización de la tipografía, actualizando de esta forma el contexto mundial que estaba a puertas de una guerra y con esto apoyando la idea de que la tipografía modificada que surgía, resultaba en un acto de contemplación ante lo que sucedía en la vida cotidiana de las personas, hacer ver a las personas lo que ocurría en sus alrededores mediante formas nuevas, demostrar cambios de distintos índoles mediante la primera mirada que se tenía a la tipografía mediante, por ejemplo, un cartel, ó revista.
Trabajo Indesign
Propuesta 1
Página Maestra
La página maestra de esta propuesta aplica a pequeños márgenes en donde no existe una variación de ellos, y participan tímidamente los blancos. La doble página, presenta 4 columnas en donde las dos centrales, se utilizan solamente para textos y las exteriores sólo para obras, las cuales se adecuan al ancho de la columna, con el fin de mantener un orden y un patrón.
Ejemplo de la página maestra
Indice
La indización de la primera propuesta, se plantea mediante capitulos y subtítulos, quienes abundan exageradamente, separándolos en una exagerada cantidad. La primera propuesta de indización apelaba más a presentar otros contenidos, que la parte más densa de la materia, La Secesion Vienesa y el estudio tipográfico.
Estilos
En los estilos de carácter, se usa una tipografía común para todo momento, "Segoe Ui", la cual posee carácter de palo seco y un trazo muy constante, carente de contrastes y variedades de densidad. Los 4 estilos, funcionan para Titulos de capítulo, subtítulos, cuerpos de texto y bajadas de imágen.
Por otro lado los estilos de párrafo son simplemente alineados hacia la izquierda y sin separación de silabas.
Crítica
La primera propuesta carece de fundamento relacionado con el estilo de la Secesión, por un lado hay una diagramación que se impone de manera que los blancos de una página, no se pueden admirar, son incompletos ó muy invadidos. Por otra parte, la tipografía no acompaña bien debido a que carece de una formalidad que permita tambien cierto dinamismo en la manera de su forma, por lo cual, la tipografía no resulta ser adecuada.
Por último, la diagramación completa, no permite que las obras sean apreciadas de gran manera, que es lo que se busca, además no se relacionan directamente con el cuerpo de texto, que desde un principio, es lo que se busca a realizar. Es por esto que se pasan a nuevas propuestas en donde se intenta trabajar principalmente: el blanco de la página mediante márgenes adecuados; la tipografía formal y apta en todos sus aspectos y la apreciación de las obras, conllevando a esta relación equilibrada entre texto e imágen, y en algunos casos, una relación en donde predomina más la imágen que el texto, ó viceversa.
Propuesta 2 y 3
Página Maestra
Se consideran dos propuestas basadas en el formato de la revista "Ver Sacrum", revista de la Secesión, de formato cuadrangular, con el fin de obtener un formato menos común.
Los márgenes a utilizar para la propuesta A y B, se demuestran en las siguientes imágenes:
Propuesta 2
Esta propuesta A sigue un encuadrado que trabaja con los blancos de la página total. La caja de texto es de 9,5 cms, todas por igual, y la imágen se amplia según como se quiera mostrar. En esta propuesta, se busca proponer un elemento gráfico y ornamentado que abra y cierre los capítulos que se tratarán en la edición.
Propuesta 3
En la propuesta B, se proponen dichos márgenes en función de mantener un blanco adecuado en la página, que comparta con texto e imágen, es por esto que hay amplio uso de los blancos y se proponen de manera cuadrada. Los anchos de cuadro de texto son de 10,5 cms, manteniendo un orden y patrón para cada columna de texto. Por cada página se trata con dos columnas de texto.
Las imágenes varían según cómo se quieran exponer, intentando explotar al máximo para la mayor apreciación.
Indice
Se presenta la siguiente indización de contenidos.
La cual se basa en presentar el contenido principal (Secesión de Viena, Koloman Moser) mediante textos introductivos (ensayo y texto continuo) sobre el modernismo y sus principales características y origenes, ya que el movimiento de la Secesión se encontró dentro del modernismo, para luego dar paso a la materia de la Secesión en concreto, presentando sus antecedentes, sus origenes, su forma de hacer el arte, el rol que jugaba la tipografía, sus mayores exponentes (con una detención en Koloman Moser), y su fin, etc.
Al final se desea implementar respuestas a las cuestiones presentes en el ensayo que introduce la materia junto con el cierre de la materia, indagando en las influencias que provoca en la actualidad, teniendo como eje la tipografía
Obras
La idea principal es hacer resaltar cada obra sobre la página y además que esta sepa dialogar constantemente con el texto que le acompaña tanto en color, como en densidad del cuerpo de texto, esto basado en una relación que Gustav Klimt y Koloman Moser persiguen y logran de manera innata durante los primeros años de la Secesión y presentándola mediante la edición de la revista Ver Sacrum
Lo que se rescata es el ornamento para los textos, que son justificados y que aplica de igual manera para todos los cuerpos de textos. Además el adecuado uso de la tipografía genera un gris tipográfico neutro que ayuda a esa relación texto e imágen equilibrada. La opción de tomar el color más potente de las obras y ponerla sobre el cuerpo de texto, ayuda a entregar un mayor dinamismo a la página y un mayor lazo, ó conexión entre el text y la imágen, un mejor dialogo.
Diagramacion
La diagramación de la página presentada anteriormente, apela a mantener un orden y confluencia entre los cuerpos de textos y las imágenes que se presentan. generando así un equilibrio entre el blanco y los negros que se presenten en la página. Es por esto que se usa el mismo formato de diagramación para todas las páginas, pero con la flexibilidad necesaria para variar según el contenido (espacio para imágen-texto amplio) que se quiera presentar
Estilos
De parrafo
Se dan estilos que ayudan a una concordancia y una constante forma de presentar el contenido, por lo mismo se justificado hacia ambos lados. No se dá, además la opción de separar las palabras para no generar espacios vacios en las las líneas de los cuerpos de texto, evitando así blancos abundantes entre palabras, sólo los necesarios.
De texto
Se proponen 4 estilo principales de texto, con el fin de lograr una jerarquización con el contenido y el reconocimiento de ciertos datos de cierta manera. Se usa la tipografía llamada "Times Europa" la cual posee una basta legibilidad debido a un carácter constante y de terminaciones sin apófige y alta interpalabra además de tener un adecuado aire entre letras y un constante grosor de línea en sus trazos, posee un modulación vertical y genera leves contraste con la página, dando un gris tipográfico ámpliamente adecuado para conseguir una buena lectura. Por otro lado el color de la tipografía, y nuevamente inspirado en la revista "Ver Sacrum", siempre predomina el negro, pero en ciertos casos, según el color que predomine en ciertas obras, se usará únicamente en el cuerpo de texto, el color predominante de la obra.
A continuación se presentan los 4 estilo de carácter más destacados, en donde se agrega la tipografía revival "Kolo", diseñada por Paul Shaw e inspirada en las tipografías "creadas" por la Secesion, con un carácter dinámico y con una amplia posibilidad de blanco entre sus trazos.
La imágen siguiente presenta las variantes posibles a usar de la tipografía Kolo:
Propuesta Final
La propuesta final se basa sobre una página de 28x33,5 cm. y contiene márgenes de 4 y 5 centimetros, superior e inferior respectivamente, los márgenes interiores y exteriores son de 3,5 centimetros, con el fin de centrar levemente la disposición del contenido y mantener un blanco sobre la página adecuado.
Páginas Maestras
Existen 4 páginas maestras que guían el contenido y crean una relación de imágen y texto adecuada. Todo esto en base a la diagramación constante del contenido de la revista "Ver Sacrum" a partir del amplio uso del blanco, textos justificados a ambos lados, alta interlinea, entre otros.
En esta página maestra se utilizan dos columnas de un ancho de 10 centimetros (lo cual se aplica para todas las columnas) y un alto de 8 centimetros. Comparte con una imágen que se adapa según el alto a una cuadratura de 13 centimetros x 15,5 centimetros.
Esta página maestra se usa para casos en donde se busque resaltar una obra, y esta se adapta al ancho o alto total que permiten los márgenes de 21 centimetros (ancho) y 24,5 centimetros (alto). Se le acompaña por una referencia ó bajada de imágen que se ubica a una distancia inferior de 0,45 centimetros ( se aplica en todos los casos, tanto horizontal como verticalmente)
La tercerca y cuarta página maestra resultan ser útiles en las dos columnas de 10x24,5 centimetros, lo que las diferencia es el uso de imágenes según el contenido. Si el contenido no amerita imágenes, sólo se utilizan dos columnas de texto, si el contenido amerita imágenes, se utiliza una columna única para imágenes (siempre la derecha) y otra para el texto.
Estilos de carácter
En orden, el primer estilo viene con la tipografia "Letter Gothic STD", la cual trae sobriamente una gran formalidad. Se usa en la portada y en el inicio de cada capítulo con un tamaño de 20 puntos. La segunda letra es "Times Europa Bold", esta se usa para iniciar los subtítulos de cada capútlo, 14 puntos. El tercer estilo es "Times Europa LT Std Roman" y se usa en el cuerpo de texto con un interlineado de 14 puntos y un tamaño de 9,5 puntos. para mejorar la lectura y conformar un cuerpo de texto menos denso. La bajada de imágen viene con la tipografía "Times Europa Italic" en un tamaño de 9,5 puntos, dentro de la bajada de imágen se utiliza un estilo para los datos de la imágen (Año y autor) que viene en la misma tipografía pero en calidad de Roman y un tamaño de 9 puntos. Las tipografías usadas permiten una alta lecturabilidad y muestran cierto parecido con los tipos de la Secesión, en especial "Times Europa" que coincide en varios aspectos respecto a la forma con la tipografía de cuerpo de texto de la revista Ver Sacrum.
Estilos de párrafo
Respectivamente (desde arriba hacia abajo) los estilos de párrafo se generan para dar más carácter a cada estilo, estos están: Justificados a la izquierda (cuerpo de texto), alineados a la derecha (bajada de imágen que amerite poner la bajada por el lado izquierdo), alineados a la izquierda (cuando una bajada amerita ubicarse al lado derecho). El último estilode párrafo alineado a la izquierda se usa en el momento de citas de un libro.
A consideración se usa en el estilo de párrafo para el cuerpo de texto, se usa un espacio anterior y posterior de 2 milimetros, con el fin de crear un equilibrio entre los párrafos.
Páginas
Ejemmplos de páginas que demuestran la estructura del cuerpo editorial.
Crítica
Si bien se logra cierto cuidado de márgenes un trabajo adecuado de blancos sobre la página, se intentaba buscar una mayor exhageración en el uso de imágenes y las obras de los artistas. Es por ello que desde este punto de vista, no está lograda en su totalidad.
A pesar de aquello si se logra, a primera vista, un buen uso de imágenes que tiene cierta congruencia con el contenido escrito, en donde hay un orden y un repeto por márgenes, entre otros, que ayudan a hacer, de vez en cuando, ver a la obra por sobre el texto ó un adecuado equilibrio de ambos sobre una página
