Proyecto de titulo 1 - Francisca Araya Escárate

Título	Proyecto de título 1 - Francisca Araya Escárate
Tipo de Proyecto	Proyecto de Titulación
Período	2025-2026
Asignatura	Interacción Material Territorial 2° semestre 2025
Del Curso	Interacción Material Territorial 2° semestre 2025
Carreras	Diseño
Alumno(s)	Francisca Araya
Profesor	Daniela Salgado

Investigación previa

El diseño no se limita a la producción de objetos ni a la construcción de experiencias acabadas, sino que se orienta a configurar las condiciones que posibilitan que estas experiencias emerjan. En este sentido, el dibujo es el lenguaje propio del diseño, anterior a la forma misma, y funciona como un medio de observación y registro que rescata aquello que, en un momento particular resultó relevante. La práctica del diseño exige un ejercicio constante de pregunta y observación, donde la gestualidad humana se reconoce como protagonista en su relación con los objetos, el espacio y los demás. Se abre la posibilidad de otorgar diseño a espacios en los que normalmente no está presente el oficio. El rol del diseñador(a) no es crear la experiencia en sí, sino que diseña las condiciones que las provocan, disponer las variables —espaciales, formales y sociales— que permiten que la experiencia acontezca. Se considera tanto la materialidad del espacio y los objetos, como el corpus de quienes participan: cuántos son, quiénes son y cómo se relacionan. A partir de esas condiciones, se configura un acto celebrativo en el que los invitados se sumergen, aunque sea por un instante, han de residir en plenitud en el lenguaje de los objetos y de los sabores. De esta manera, el diseño se entiende como una lectura del espacio y del acontecer que se transforma en construcción de ocasión. El acto celebrativo, por tanto, no es un suceso espontáneo, sino una obra proyectada y ejecutada en sus distintos componentes: el espacio que la acoge, los elementos que la definen, los alimentos y las bebidas.(Ricardo Lang, Propuesta Celebrativa del Diseño)

Seminario, Comunidades Artesanía y Diseño

Magdalena Cattan – “Y las preguntas surgieron en un campo de fibras” El proyecto nace desde la inocencia y el deseo de apoyar a los artesanos, introduciendo herramientas como la fabricación 3D. Propone un enfoque de ir al terreno, escuchar y comprender, especialmente desde la mirada de las artesanas mujeres. Busca articular feminismo y artesanía, respetando las narrativas de origen, las prácticas y la corporeidad en el hacer (ejemplo: la pilwa responde a la medida de las piernas de la artesana, la postura de los artesanos) Destaca la relación cuerpo–práctica como inseparable en la construcción artesanal.

Rocío Schatzke Villegas – “Revitalizando el oficio del trenzado en paja de trigo de Catemu” Explora la relación entre artesanía, diseño y gestión cultural. El objetivo es dar sentido y visibilidad al trabajo de las trenzadoras, quienes producen insumos pero no siempre son reconocidas como artesanas. El diseño puede facilitar espacios de creación y empoderamiento, reconociendo a estas mujeres como creadoras. La gestión cultural es clave para comunicar, generar confianza y trabajar en comunidad, siempre con sensibilidad hacia el territorio. Fundación Trama y Trenza,Trenzados de Catemu con enfoque en exposición y colaboración comunitaria, el espacio que se genera al trenzar.

Javiera Pavez y Daniela Salgado – “Entramados materiales en territorios de extractivismo” Analizan las tensiones de la artesanía entre lo cultural/patrimonial y lo económico. Critica a los distintos tipos de extractivismo: Material: dificultad de acceder a materias primas. Cultural: apropiación sin reciprocidad. Epistémico: saqueo de ideas y narrativas. Ejemplos: Quinchamalí y Petorca, donde los recursos y saberes están en riesgo de desvalorización. Proponen co-crear experiencias sensibles y materiales para comunicar la artesanía desde la confianza y la hospitalidad.

Tania Bustos – “Convocar lo plural, lo cuidadoso y lo efímero” El valor de lo inacabado y lo efímero en las prácticas textiles. ¿Qué nos dicen los objetos sin terminar? ¿Qué tiempos evocan? El laboratorio textil como espacio contemplativo, lento y hospitalario, donde lo inacabado no es defecto, sino gesto de cuidado. Destaca la hospitalidad y el encuentro, recibir con gratitud y renunciar al yo para abrirse a lo plural. Poner atención en los movimientos pequeños y sutiles, comparándolos con una danza que dignifica lo cotidiano. La investigación se entiende como un proceso de escucha, agradecimiento y valoración de los momentos de encuentro.

Diana Albarran Gonzales – “Hacia un diseño centrado en el Buen Vivir: Tejiendo corazonar, lekil kuxlejal y posicionalidad como alternativas decoloniales” Reflexión sobre la relación entre diseño, artesanía y decolonialidad. La jerarquía entre arte, diseño y artesanía, señalando cómo el sistema occidental ha desvalorizado a la artesanía. Los peligros de la colonización del conocimiento, apropiaciones culturales y plagios (ej. Carolina Herrera con su colección Tribu). Plantea que los diseñadores deben ser puentes de colaboración justa, promoviendo comercio ético y respeto a las comunidades. Introduce la práctica de “corazonar”: un saber desde el sentir, donde el cuerpo (y el corazón) guían el proceso de creación y reflexión. La investigación como razonamiento colectivo, crítica es la destrucción de las ideas y acción personal hacia un Buen Vivir.

En las distintas ponencias se presentó la artesanía como un campo vivo donde confluyen el diseño, la memoria y la comunidad. No se trata únicamente de producir objetos, sino de comprender las prácticas desde su dimensión corporal, territorial y relacional,promoviendo sus oficios y generar espacios de confianza donde la comunidad se sienta parte del proceso creativo. La propuesta de Tania Perez Bustos, llama la atención sobre lo inacabado y lo efímero en los procesos textiles, mostrando cómo esos gestos aparentemente menores encierran una sabiduría profunda sobre el cuidado, la hospitalidad y la posibilidad de abrir espacios contemplativos que valoran lo lento y lo sutil. En conjunto, todas las ponencias coincidieron en que el diseño no debe imponerse sobre la artesanía, sino acompañar, escuchar y mediar, generando condiciones para que los oficios tradicionales se fortalezcan y encuentren nuevos lugares de visibilidad.

Peculiaridades: cualidades intrínsecas de los objetos (Boris Ivelic K.)

La reflexión de Boris Ivelic K. en Peculiaridades: cualidades intrínsecas de los objetos resulta especialmente relevante y útil para el enfoque de esta investigación. En particular, su reflexión sobre la adosabilidad se relaciona directamente con el tema que estoy desarrollando, ya que estoy profundizando en esta cualidad para una exposición efímera.El autor ofrece una perspectiva clara y profunda acerca de cómo los objetos se relacionan entre sí y como el diseño puede favorecer o transformar estas conexiones.

De lo peculiar o intrínseco de los objetos

Se parte de las definiciones de peculiar e intrínseco, entendidas como aquello que es propio, característico y esencial de cada cosa. Estas cualidades constituyen la identidad y singularidad de los objetos, diferenciándolos de otros y vinculándolos profundamente con el oficio que los produce.

Plantea que no existe una dicotomía entre eficiencia y sentido: una obra sin sentido se convierte en una herramienta vacía, y una obra sin eficiencia se torna superflua. El verdadero valor de un objeto emerge cuando ambos aspectos se integran, permitiendo que este “resplandezca”, es decir, que manifieste su esencia y destaque por lo propio.

Así, los objetos pueden trascender su condición de simples medios y convertirse en fines en sí mismos, portadores de sentido, memoria y creación. Esta idea se relaciona con lo que Martin Heidegger expone en Ciencia y técnica, nos trae a presencia los cuatro modos de hacer aparecer un objeto —material, formal, eficiente y final— como vías necesarias para que un objeto llegue a existir plenamente en su integridad.

Peculiaridades de los objetos que se distinguen en el texto, estas peculiaridades revelan cómo el objeto puede interactuar con el cuerpo, el espacio y el tiempo, generando nuevas formas de habitar.

Plegabilidad Se refiere a la capacidad de un objeto de aumentar o disminuir sus dimensiones, apareciendo o desapareciendo según el requerimiento de uso. Ejemplos cotidianos son el paraguas o el coche de guagua, que mediante un solo gesto de la mano o del cuerpo, y a través de la manipulación de sus extremos, se pliegan o despliegan. Esta cualidad implica un dominio geométrico que articula partes móviles y fijas.

Abrir y cerrar Consiste en la posibilidad de hermetizar o deshermetizar, de hacer aparecer o desaparecer aquello que el objeto resguarda o protege. Un ejemplo son las puertas, en las que interviene tanto el dominio del peso de los materiales como la intención de facilitar la maniobrabilidad. El diseño aquí media entre la resistencia del objeto y el gesto humano, garantizando accesibilidad y protección.

Adosabilidad Es la capacidad de los objetos de unirse entre sí para conformar totalidades. En este proceso, desaparece la unidad individual y emerge un conjunto mayor, o viceversa. Esta cualidad también permite reducir el volumen de los objetos, facilitando su transporte y almacenamiento. La adosabilidad se manifiesta en operaciones como apilar en horizontal o vertical, o bien en el desarme de los elementos.

Polifuncionalidad Se refiere a la facultad de los objetos de cumplir dos o más funciones. Dentro de esta categoría pueden distinguirse los objetos convertibles, que requieren una transformación al ser accionados por el cuerpo —como el sofá-cama—, y los objetos múltiples, que mantienen una misma forma mientras cumplen funciones distintas, como la silla universitaria que combina asiento y escritorio. En ambos casos, el objeto asume una doble condición, activando una función y suspendiendo la otra según la necesidad.

Tridimensionalidad Implica la capacidad de un objeto de desplegarse en las tres dimensiones del espacio, partiendo muchas veces de un plano rígido. Su potencial se observa cuando alcanza la máxima extensión al ocupar un volumen completo y, en contraposición, cuando logra su mínima extensión o incluso su desaparición al no estar en uso.

Adosabilidad

La adosabilidad es una cualidad que permite el vínculo entre unidades semejantes, posibilitando la conformación de cuerpos mayores. Al agruparse, las unidades no solo se suman: se transforman.

El modo en que estas unidades se conectan —ya sea de manera física o por proximidad— determina el orden, la forma y la diversidad de configuraciones posibles. Esta capacidad de extensión está contenida en la propia unidad, que puede incorporar distintos mecanismos de conexión. El vínculo, en este sentido, actúa como nexo y articulación que otorga coherencia y sentido al conjunto.

La unidad discreta constituye la base de lo adosable, pudiendo convertirse en módulo cuando adquiere un valor espacial, funcional o contextual. De igual modo, un módulo contiene las unidades, y una unidad, a su vez,se integra en un módulo. Esta flexibilidad hace posible la construcción de sistemas complejos a partir de elementos simples, resaltando el valor de la unidad como origen de múltiples posibilidades.

Modos de adosabilidad

La adosabilidad permite que lo discontinuo se vuelva continuo, que lo individual se convierta en parte de un sistema, a partir de esto, se distinguen distintos modos de adosabilidad, cada uno con sus propias lógicas de vínculo, orden y transformación. Estos modos revelan cómo las unidades pueden conectarse, cómo se convierten en módulos, y cómo su disposición genera formas en el habitar.

Adosabilidad planar Los objetos se conectan por el simple contacto de sus superficies, sin necesidad de vínculos internos o externos. Pueden disponerse en forma horizontal o vertical, formando módulos compactos que optimizan el espacio.

ASIENTOS PARA LAS ESTACIONES DEL METRO, SANTIAGO DE CHILE TALLER DE OBRAS PROFS. JUAN BAIXAS Y BORIS IVELIC 1974 (Página 152, CAPÍTULO 3 ADOSABILIDAD

Adosabilidad por apilamiento Puede darse tanto en sentido vertical como horizontal. En ambos casos, los objetos se agrupan de manera que su volumen se reduce o se reorganiza, facilitando el almacenamiento y el transporte.. Este tipo de apilamiento tiende al desaparecimiento visual, ya que las unidades se integran en una sola forma continua. Se rige por lo que se denomina la “ley del cono”.

SILLA LAMINADA APILABLE PROYECTO DE TÍTULO DI RODRIGO LANAS PROF. JUAN BAIXAS 1979 (Página 154, CAPÍTULO 3 ADOSABILIDAD

Adosabilidad por desarmabilidad Los objetos pueden armarse y desarmarse, aumentando o disminuyendo su volumen según necesidad. Esta flexibilidad permite que los objetos aparezcan o desaparezcan, adaptándose al espacio disponible. Su ensamblaje puede realizarse en múltiples direcciones, lo que amplía sus posibilidades de configuración.

ARPA EÓLICA EN CIUDAD ABIERTA PROYECTO DE TÍTULO DI WALDO MUÑOZ PROF. BORIS IVELIC 1982 (Página 154, CAPÍTULO 3 ADOSABILIDAD

Exposición final Taller de Personas y Territorios

La exposición se realiza en la sala Hall de la Escuela de Arquitectura y Diseño PUCV y busca dar cuenta del proceso de trabajo con el vaciado, que cuenta con dos etapas, el primer vaciado de una pieza de una cultura alfarera de Chile y una pieza modificada,poniendo en dialogo lo tradicional con lo experimental. El objetivo de la exposición es mostrar el proceso completo de fabricación de manera visual, se idearon un sistema de piezas de acrilico , estas sostienen las piezas, que se cuelgan en el espacio y que estas se perciban como si flotaran en medio de la sala, la exposición no se limita a mostrar un objeto terminado sino que funciona como una narración del proceso. Ademas de las piezas resultantes del vaciado se incorporan los moldes de yeso, desde donde surgieron estas formas. Para sostenerlos, se diseñaron unos módulos de madera, cada molde tiene su lugar donde de la estructura, repitiéndose según la cantidad de estudiantes y la distribución de la sala. La disposición se resolvió considerando los cancamos del techo, que permiten bajar las piezas, al mismo tiempo garantizando el transito de las personas. En este montaje los moldes de yeso se apoyan sobre los módulos de manera planar, en una relación de adosabilidad, implica un contacto directo de las superficies, las piezas no se fijan de manera permanente, se posan y se sostienen por la estabilidad que otorga el diseño de la estructura.

• 
  Soporte modular para los moldes de yeso, vista frontal
• 
  Soporte modular para los moldes de yeso, vista isométrica
• 
  Soporte modular con los moldes de yeso adosados en plano, vista frontal
• 
  Soporte modular con los moldes de yeso adosados en plano, vista isométrica
• 
  Sala exposición, vista frontal
• 
  Sala exposición, vista isométrica

Recorrido expositivo

Realicé un recorrido por diferentes exposiciones entre Viña del Mar y Valparaíso con el propósito de comprender cómo distintos artistas y expositores muestran su trabajo al público, qué buscan transmitir y desde qué perspectiva lo hacen. Este ejercicio me permitió observar diversas formas de montaje y de comunicación visual, lo que me ayuda a reflexionar sobre mi pregunta de proyecto ¿cómo puedo plasmar el trabajo de las hilanderas?

Museo Palacio Vergara

Visité el Museo Palacio Vergara, donde se presentan exposiciones temporales y permanentes, cada una con su propio espacio en distintas salas.

1.Esculturas de piedra sobre plintos de madera, esta pieza se encuentra en el centro de la sala, con una gran ventana al fondo, dando la sensación de haber sido ubicada ahí para generar un contraste pero al mismo tiempo, una armonía con el paisaje exterior.

2.Escultura delimitada, en cada detalle que fue tallado en la pieza se percibe un trabajo minucioso, quizás por esa razón está delimitada, separada del resto, se ubica al final de una sala, donde no busca protagonismo, pero aun así logra captar la atención del espectador.

3.Tótem informativo de vidrio, la información se presenta en panfletos colocados detrás del vidrio, sostenidos por una base de aluminio. Su materialidad transparente permite que el texto acompañe la exposición sin restarle importancia a las obras.

4.Pinturas distribuidas por toda la sala, cuentan con su propia iluminación dirigida, lo que realza sus detalles, instaladas con una leve inclinación hacia adelante, quizás para facilitar la perspectiva del espectador y permitir una mejor apreciación de la pintura.

Perspectiva: Pinturas del planeta Tierra

Exposición llamada “Perspectiva”, compuesta por pinturas realistas del planeta Tierra, el artista invita al espectador a detenerse y reflexionar, reconociendo que hay una persona detrás de cada obra, y a establecer una conexión con nuestro planeta. Al inicio de la exposición, el pintor explica que todo comenzó como un proyecto en el que se propuso crear 40 pinturas del planeta Tierra, a las que llama “40 vueltas al sol”. Invitándonos a observar ese pequeño punto donde cada padre, profesor, santo o pecador (entre otros que menciona) tiene su lugar. A través de sus pinturas, busca que percibamos la Tierra como un todo, un lugar frágil y pequeño en el espacio, sin límites visibles. El artista comenta que realizó una investigación previa para averiguar cuántas pinturas realistas del planeta existían y descubrió que no había muchas, para representar la Tierra de manera realista, era necesario basarse en fotografías tomadas por astronautas. Los cuadros y sus marcos tienen un significado especial: los marcos clásicos de color dorado representan para el pintor el sol, la naturaleza y el paso del tiempo. Su trabajo nos hace conscientes de nuestra posición en el universo y de la unidad del planeta.

1.A la entrada de la exposición hay una especie de biombo, una estructura simple y autosoportante que contiene información e imágenes sobre el proceso creativo. Esta pieza busca mostrar que detrás de cada pintura hay una persona y, al mismo tiempo, explicar el origen del proyecto. Funciona como introducción para que el espectador comience su recorrido por la exposición.

2. Las pinturas se presentan en módulos de color negro, cada uno con dos pinturas, una por lado, cada módulo posee una extensión en su parte superior con iluminación dirigida que resalta cada obra, estos módulos distribuidos por la sala organizan la circulación del público. El color negro del modulo hace que los tonos celestes del planeta resalten, mimetizándose con el negro del universo y reforzando la sensación de inmensidad del espacio.

3.Una de las piezas permite la interacción del espectador, haciendo que se sienta dentro de una nave espacial. La obra consiste en una ventana desde la cual se puede observar una gran pintura del planeta Tierra, creando una experiencia inmersiva que conecta al público con la inmensidad del planeta.

45º salón anual de estudiantes | Escuela municipal de Bellas Artes

Exposición que reúne los trabajos realizados por estudiantes de Artes Visuales en distintas especialidades. Esta muestra busca destacar la diversidad y creatividad de cada propuesta. A lo largo del recorrido se pueden observar diferentes formas de presentar el arte, ya que cada alumno trabaja con materiales y técnicas distintas. Me llamó la atención cómo, al compartir un mismo espacio expositivo, cada obra logra mantener su propia identidad y sentido.

1.Los cuadros no están adosados a la pared, sino suspendidos desde el techo, esta decisión libera a la obra de la pared, otorgándole protagonismo. Al quedar flotando, las sombras que proyecta se vuelven parte de la composición, generando una sensación de ligereza y profundidad.

2.En esta parte de la exposición, los objetos aparentemente banales adquieren relevancia. Su disposición, la iluminación y el plinto que la eleva contribuyen a que en conjunto cobren sentido, no es solo el objeto en sí lo que invita a contemplar, sino la relación entre todos estos elementos que lo rodean.

3.Una sala inmersiva que está dedicada por completo a esta exposición, donde la luz cumple un papel fundamental, pero también la oscuridad, es precisamente esta oscuridad la que crea el ambiente, haciendo que los cuerpos tendidos sobre la tierra aparezcan con la luz, mientras las sombras generan una atmósfera casi catastrófica, como si algo hubiera ocurrido allí.

Museo de Historia Natural de Valparaíso

Exposición temporal | Expandiendo el Micelio, Beatriz Dávila Walper

Esta exposición nace desde la fascinación de la artista visual y del amor que surgió a partir de un encuentro fortuito con los hongos en la naturaleza. Los hongos, modelados a mano en cerámica, son los protagonistas de esta muestra temporal. De manera limpia y sin elementos que distraigan la mirada las piezas se disponen sobre un alto blanco que no busca perturbar la observación, sino realzarla y que al recorrer esta exposición, el espectador sienta que atraviesa un bosque, sin la necesidad de reproducir literalmente el entorno o los colores del bosque, solo los hongos, cuidadosamente trabajados en cerámica.

Exhibición permanente | Biodiversidad en la región de Valparaíso

La exposición permanente “Biodiversidad en la Región de Valparaíso” es una muestra que combina una gran diversidad de elementos, especies y recursos interactivos. Su recorrido invita al visitante a sumergirse desde las profundidades del océano Pacífico hasta la cordillera de los Andes, revelando la riqueza natural de la región. El trayecto comienza en salas oscuras que transmiten la sensación de estar bajo el mar, donde las luces, sonidos e instalaciones simulan el interior de un submarino. A medida que se avanza por las distintas salas, se presentan especies animales y vegetales, junto con recursos audiovisuales y táctiles que hacen del recorrido una experiencia inmersiva y de exploración, la exposición busca generar conciencia ambiental, invitando a reflexionar sobre la conservación de los ecosistemas y el impacto de la acción humana en el entorno natural.

Centex

El Baúl de Violeta

El Baúl de Violeta se compone de módulos desmontables y transportables, con un carácter itinerante que les permite viajar y adaptarse a distintos lugares, esta exposición móvil reúne elementos visuales, táctiles y sonoros, acercando a públicos de diversas edades a la vida y obra de Violeta Parra. Gracias a sus paneles táctiles y recursos audiovisuales, la muestra adquiere un carácter inclusivo, ampliando las formas de acceso al contenido. La construcción de sus módulos, pensados para montarse, desmontarse y recorrer distintas regiones de Chile, inspira el diseño de estructuras que puedan armarse y desarmarse con facilidad, y que sean completamente transportables.

Proyecto de título 1|año 2026

El pueblo mapuche constituye la etnia indígena más numerosa de Chile. En la actualidad, debido a procesos de migración y urbanización, gran parte de la población mapuche se concentra principalmente entre la Región de La Araucanía y la Región Metropolitana. También existen porcentajes menores en regiones como Biobío, Los Ríos y Los Lagos, aunque hoy en día se encuentran distribuidos a lo largo de todo el país. Antes de la llegada de los españoles, el pueblo mapuche habitaba gran parte del sur de Chile y se organizaba según el territorio que ocupaba, dando origen a distintas identidades territoriales como williche, wenteche, nagche, lafkenche, pehuenche y picunche. En esta investigación, nos enfocaremos en tres de estos grupos: los pehuenche (gente del piñón), habitantes de la zona cordillerana, los wenteche, ubicados en el valle central y zonas cercanas a Temuco y los lafkenche, o gente de mar, que habitan el territorio costero. Cada uno de estos grupos se desarrolla en entornos naturales específicos, que influyen directamente en sus formas de vida, que implicaba a diversas adaptaciones En esta investigación, nos enfocaremos en tres de estos grupos: los pehuenche (gente del piñón), habitantes de la zona cordillerana; los wenteche, ubicados en el valle central y zonas cercanas a Temuco; y los lafkenche, o gente de mar, que habitan el territorio costero. Cada uno de estos grupos se desarrolla en entornos naturales específicos, lo que influye directamente en sus formas de vida, generando distintas adaptaciones en aspectos como la alimentación, la recolección de recursos y la vestimenta, a pesar de estas diferencias, comparten una misma base cultural, transmitida a través de la tradición oral y la sabiduría ancestral.

Actualmente, me encuentro participando en una experiencia en la Ruka Lawen en Peñablanca, donde asisto a un taller de tejido en witral. A través de esta instancia y del compartir con la comunidad, he podido entender que el conocimiento que poseen va mucho más allá del objeto textil terminado, abarcando todo el proceso que comienza desde el hilado hasta el tejido, así como los significados culturales asociados a estas prácticas. A partir de esta experiencia, surge el interés por proponer una nueva forma de visibilizar este trabajo y esta cultura, mediante una exposición que logre transmitir estos saberes desde el diseño. Para ello, el proyecto se apoya en una metodología de carácter etnográfico, que permita comprender en profundidad las prácticas, conocimientos y significados del textil mapuche. La principal pregunta que guía este proyecto es ¿cómo traducir esta información en una forma de presentación que no se limite a representar, sino que busque una nueva manera de mostrar estos contenidos? como primera etapa, se realizará un estudio de distintos referentes, proyectos y exposiciones que hayan abordado la visibilización del arte textil mapuche, con el fin de analizar sus enfoques y aportar una base para el desarrollo de la propuesta.

Referentes y análisis

Programa de Artesanía UC | Escuela de Diseño

Antonella Caresio (2016), Ruta del telar de Vilcún, tesis de pregrado, Pontificia Universidad Católica de Chile

La tesis aborda el telar mapuche en la comuna de Vilcún, enfocándose en su valor cultural y territorial, y proponiendo una ruta que visibiliza a las tejedoras y sus espacios de trabajo. Desarrollándose desde un enfoque territorial y etnográfico, ya que no solo estudia el tejido, sino también su relación con el lugar, la comunidad y la identidad local. Además, incorpora el diseño como herramienta para generar una experiencia (ruta turística) que conecta distintos puntos. El proyecto se desarrolla en conjunto con las artesanas, mediante un trabajo colaborativo que incluye revisión de prototipos, materiales gráficos y procesos de corrección. El principal aporte es la creación de una estrategia de visibilización, proponiendo una experiencia en el territorio que permite conocer directamente a las tejedoras y su trabajo en contexto. A partir de este trabajo colaborativo, surge además el desarrollo de nuevas líneas de productos que integran la artesanía tradicional con el diseño contemporáneo, con el objetivo de preservar y revalorizar la expresión textil, logrando también su posicionamiento en el mercado. La ruta propone que el visitante pueda recorrer los distintos talleres, donde aprende sobre el proceso textil —hilado, teñido y tejido—, además de interactuar con la cultura local, incluyendo la gastronomía y la posibilidad de adquirir productos realizados por las artesanas. Como resultado, el proyecto culmina en el desarrollo de colecciones de vestuario femenino, artículos para el hogar y una línea de carteras.

• 
  Resultado identidad grafica de la tesis Ruta del telar de Vilcún

Paula Escovedo (2022), Tramando, tesis de pregrado, Pontificia Universidad Católica de Chile

La tesis se centra en el tejido como un sistema de relaciones, enfocado en la artesanía local, tanto tradicional como contemporánea, vinculándola con la construcción de identidad territorial. Se desarrolla desde un enfoque de diseño social y experimental, donde el diseño se utiliza como herramienta de intervención para trabajar con artesanos y artesanas no tradicionales. La tesis busca responder a la problemática de una artesanía en crecimiento, pero con productos que presentan una composición limitada y una débil identidad. Para ello, propone metodologías de intervención y herramientas de creación que permitan innovar en las formas de transmitir conocimientos, fomentando el desarrollo de un relato identitario en las producciones textiles.

• 
  Fichas, Imagen extraída de la tesis Tramando, Escovedo, P. (2022).
• 
  Instrumentos, Imagen extraída de la tesis Tramando, Escovedo, P. (2022).
• 
  Prueba de producto, Imagen extraída de la tesis Tramando, Escovedo, P. (2022).

Exposiciones de textil mapuche

Los libros son una fuente importante de información, no siempre logran representar con total fidelidad los saberes del pueblo mapuche, en algunos casos, pueden contener interpretaciones incompletas o incluso erróneas, lo que puede llevar a una comprensión distorsionada de su cultura. Por eso, resulta fundamental considerar también las fuentes orales, de las propias personas mapuche, ya que son ellas quienes transmiten este conocimiento de generación en generación, no solo prácticas textiles, sino también su cosmovisión, formas de entender el mundo y su relación con el territorio. En este sentido, la comunidad a la que se pertenece es clave, ya que es ahí donde el conocimiento se hereda, se vive y se mantiene vigente.

Herederas de Llalliñ, exposición online de textilería patrimonial mapuche

La exposición “Herederas de Llalliñ” surge como un proyecto de rescate patrimonial que busca visibilizar y revalorizar el arte textil mapuche. A partir del hallazgo de una colección de piezas ancestrales que permanecían en resguardo y en gran parte desconocidas en el Museo Nacional de Historia Natural, se invitó a 17 artesanas de La Araucanía a conocerlas y a crear nuevas obras inspiradas en ellas, reactivando así saberes que se encontraban en cierto olvido. En los videos, cada tejedora presenta la pieza que realizó, explicando por qué eligió ese diseño, qué significado tiene y cómo es su proceso de trabajo. De esta manera, no solo se muestran los tejidos, sino también las historias, decisiones y conocimientos que hay detrás de cada obra, lo que se complementa con el libro que acompaña el proyecto, donde se registra tanto el proceso de creación como las historias de las artesanas participantes, reforzando la importancia de la transmisión de estos saberes desde sus propias voces.

Referentes de objetos

Kechukawe

El Kechukan es un juego tradicional mapuche compuesto por tableros y piezas. Cada tablero representa un territorio, entre ellos Puel Mapu (territorio del este), Willi Mapu (sur), Lafken Mapu (mar) y Pikun Mapu (norte), territorio donde actualmente nos encontramos. Las piezas dentro del tablero representan lof, es decir, comunidades mapuche. El juego recibe su nombre del dado de cinco caras utilizado para jugar, “kechu” significa cinco en mapudungun. Para iniciar el juego, se deja caer el kechukan y el número obtenido indica la cantidad de piezas que se adquieren, el turno pasa al otro jugador, hasta que ambos completan sus diez piezas y llenan su respectivo territorio. Durante el juego, los participantes pueden recuperar piezas perdidas o quitar piezas al adversario. Según relata quien me enseñó este juego, el conflicto es parte de su lógica: “para que haya juego, yo ahora te robo”. De esta manera, el juego representa disputas y recuperaciones territoriales entre comunidades. El objetivo final es dejar vacío el territorio del oponente.

Komikan

El Komikan es un juego de estrategia propio de la cultura mapuche, aunque también se encuentra presente en otros pueblos originarios de América bajo distintos nombres y variantes. Este juego reproduce lógicas reales, vinculadas a la vida mapuche, funcionando como una representación simbólica de las relaciones entre territorio, comunidad y comportamiento animal. En el juego, el pangi (puma) desciende desde la montaña hacia el valle en busca de alimento y se enfrenta a los pu trewa (perros) de las comunidades mapuche. Esta dinámica refleja características naturales y territoriales de la precordillera. Los pu trewa solo pueden detener al pangi mediante el trabajo en conjunto, representando formas de colaboración y organización comunitaria.

Referencias bibliográficas y audiovisuales

Chacana Hidalgo,S.(2017).Trariwe de machi:investigación y documentación. Colecciones Digitales, Subdirección de Investigación Dibam

Chacana Hidaldo, S.(2013). La mujer del color: usos y significados de los tintes del trariwe o faja femenina de la colección del Museo Regional de la Araucanía. FAIP.

Mege Rosso, P. (1990). Arte textil mapuche https://www.memoriachilena.gob.cl/archivos2/pdfs/MC0035079.pdf

https://www.conadi.gob.cl/storage/docs/Libro_Herederas_del_Llallin%CC%83_2.pdf