Problemática de la expresión moderna, y la relación de las vanguardias con la obra

De Casiopea




TítuloChristopher Castro _ Problemática de la expresión en las vanguardias - Presentación de las Vanguardias 2018
Del CursoPresentación de las Vanguardias 2018
CarrerasArquitectura
1
Alumno(s)Christopher Castro

Problemática de la expresión moderna, y la relación de las vanguardias con la obra.

Contextualización: Precedente y Evolución.

“Una mañana estábamos pintando cuando uno de nosotros se quedo sin negro y empleo en su lugar el azul. El impresionismo había nacido.” Renoir.


Las vanguardias representan una época en donde los movimientos artísticos pretendían madurar el arte y generar cambios en la técnica, rompiendo con la tradición, ya sea por una casualidad o por el estudio de un movimiento anterior, se empieza a formar una expresividad de la obras ya no por lo imitativo sino que por lo interpretado.

A comienzos del siglo XIX algunos artistas impresionistas, se consideraban audaces por usar nuevas técnicas, pincelada visible y espontanea, y donde existe una interpretación, el mismo pintor como un filtro de la realidad. Desde allí Cézanne concluye que es necesario simplificar la forma. A principios del siglo XX los artistas Fauves ya comenzaban a experimentar con nuevos colores, generando una trasmutación de la escena natural, con su propio deleite mostraban al mundo que la representación ya no era de luces y sombras, sino que había un ahondamiento del color. De esta manera el artista crea bajo el estimulo de una excitación que se ha filtrado a través de su temperamento e intuición.

En cambio el expresionismo y en parte el surrealismo, ya no solo buscaba representar aquello que se miraba, sino que también la expresión de las ideas y emociones que el espacio les daba, deseaban mostrar aquello que estaba fuera del mundo visible, para extender el dominio del arte mas allá de lo existente, de modo que también comprendiese lo imaginado, lo soñado o lo presentido. Esto marca un gran cambio en la expresión artística, ya que la obra ya no respondía a fines objetivos, de hecho se desconocían las reglas clásicas de perspectiva y proporción, o se modificaban los elementos para combinarlos de otra manera. El artista con su propia personalidad importaba mas que el tema elegido, expresando con intensidad, y proponiendo al espectador generar su propio juicio.

El cubismo se hizo mas radical, ya que su objetivo era la descomposición de la imagen, el análisis de los objetos para entender sus cualidades corpóreas, ya no se pintaba un prototipo sino que se hacia desde la memoria. De hecho, ya no eran ilusiones espaciales relacionadas con la realidad, sino que era una espacialidad irracional y totalmente distinta a la de la experiencia del artista. En esta etapa los objetos fueron sometidos al tratamiento y al color, según el criterio del artista y a las necesidades de la composición de la propia obra.

En el ultimo periodo se comienza a perfilar una serie de movimientos dedicados a la total destrucción de todas las imágenes y las apariencias, para terminar por completo con la pintura natural y todo objeto reconocible. El artista entonces estructura la composición ya sea por una abstracción o desde inspiraciones geometrías, musicales o espirituales, donde la luz y sombra, el color, la masa y las líneas se someten meramente a una regla estética.

>Fuente: Peter de Francia, Mathews D, Hoffmann E, Schemeller A & Gore F. (1961). Tiempo y Color. Mexico D. F.: Editorial Hermes, S.a.

Lamina 1 de 5.jpg

Construcción de la expresión Abstracta.

Este periodo de experimentación y expresión abstracta se puede definir entre 1900 y 1920 aprox., cuando varios artistas conscientes de los cambios que se estaban gestando en las ultimas décadas, se comienzan a reunir en distintos grupos con el propósito de alinearse y publicar algunos manifiestos que daban cuenta de sus propios estudios. Comenzaron a observar y examinar la estructura de algunos fenómenos físicos, de la naturaleza y el universo, haciendo de cada obra un mundo completo en si mismo.

A diferencia del impresionismo, expresionismo, fauvismo, cubismo y surrealismo, que solo interpretan o trasponen los objetos naturales, la pintura abstracta intenta abolirlos totalmente. En esa época estos grupos de artistas comenzaron a cuestionarse ese problema: ¿Como desprenderse finalmente de la función descriptiva de la pintura?.

Podríamos decir que la pintura abstracta es producto de los cambios que los movimientos vanguardistas fueron pensando. De esta manera hay que señalar que las grandes tendencias de comienzos de siglo XX son para este estudio: el cubismo y el fauvismo. En general, se comienza a optar, todas las obras en las que predomina el color plano sobre el claroscuro y las gradaciones lumínicas , en las que la composición pasa a un primer plano sobre los factores discursivos que la dialéctica de la imitación formal implica. Ademas era necesario llegar a la abstracción de las condiciones artísticas, esto separándola de todo lo imitativo, aun cuando no fuera un pretexto para delatar expresivamente la vivencia pasional del artista sobre la obra.

Sobre el problema del valor. La calidad ontológica de la pintura, renuncia a la imitación del objeto. En este sentido la obra cobra su valor logrando lo mismo que La Gioconda logra en su época, aunque ya no por la maestría de la imitación sino que por las impresiones que esta evoca. Estas obras nacen con tendencia a lo colectivo, precisan de la continuidad del autor para generar un conjunto y de esta manera brillar con su máxima eficacia. En ese sentido vale decir que lo artístico es esencialmente distinto a lo temático.

El uso del color localizado y la sensación directa de relaciones en el espacio han sido la base del arte abstracto, a partir de la cual cada artista (incluso a veces en cada obra) elabora leyes propias.

“Puesto que no comprendes el vuelo de mi pensamiento, es preciso tratar de explicártelo. Por la belleza de las figuras no entiendo lo que muchos imaginan, por ejemplo los cuerpos hermosos, bellas pinturas, sino que entiendo por aquella lo que es recto y circular, y las obras de este género, planas y solidas, trabajadas a torno, así como las hechas con regla y con escuadra: ¿concibes mi pensamiento? Porque sostengo que estas figuras no son, como las otras, bellas por comparación, sino que son siempre bellas en si por su naturaleza, y que procuran ciertos placeres que les son propios y no tienen nada de común con los placeres producidos por los estímulos carnales. Otro tanto digo de los colores bellos, que tienen una belleza del mismo género, y de los placeres que les son afectos.” Platon: Filebo

”Hay que aprender a ver en la naturaleza la esfera, el cilindro y el cono” Cézanne

>Fuente: Gore F. (1961). Tiempo y Color. Mexico D. F.: Editorial Hermes, S.a.

Cirlot J. (1951). La Pintura Abstracta. Barcelona: Ediciones Omega, S.a.

Lamina 2 de 5.jpg

Estudios de Forma y Color.

Wassily Kandinsky.

En sus comienzos residió en París, donde fue influenciado por artistas fauves. Una tarde, regresaba a su casa después de haber pintado al aire libre y, al entrar en su estudio iluminado por la luz del ocaso, fue sorprendido por la visión de un cuadro “indecidiblemente bello, irradiando luz interior” y “el contenido de cuyas formas y colores era incomprensible”. Kandinsky experimento uno de los mas grandes anhelos: recobrar el sentido del misterio. Advirtió que se trataba de sus propias telas puestas de lado. Iniciando una etapa conocida como Durchbruck (Ruptura) , que consistió en destruir todo vestigio de corporeidad en su pintura.

Luego comienza a formar parte de la bauhaus donde Hans Arp define su obra: “De un modo magnifico, fuerzas glaciales se oponen a fuerzas incandescentes y dialogan y gesticulan con la verdad del verbo. Todo asciende y desciende en rondas luminosas a través de celestes esferas, claras o sombrías. Vías lácteas, frágiles hierbas, murmuran algo en fondos infinitos. Mundos estallan en simientes o en mínimas briznas, con un sonido perceptible a la mirada solamente”.

Se considera como uno de los precursores del arte abstracto, mediante su estudio del color y la forma pudo extraer un lenguaje con el cual expresar sus anhelos y temperamento apasionado y fugaz, ofrece signos visibles de impregnacion cultural. Ritmos esenciales, colores fundamentales y orden peculiar, todo lo cual puede ser abstraído de los objetos para ser plasmado en su pureza diamantina.

Will Grohman dice que "las etapas sucesivas de su arte se señalan por abandonos progresivos. En su primera etapa, predomina un sentimiento de catástrofe lírica; en la segunda, la proyección de una necesidad de organización mental del mundo ; en la tercera, una indefinible síntesis de valores. Corresponden al destierro de lo figurativo, de lo expresivo y de lo simbólico."

Piet Mondrian.

Es considerado como figura central del neoplasticismo y representante de la abstracción geométrica, durante su carrera no existen mayores desviaciones, ya que siempre se dedico a ahondar y purificar cada vez mas su obra. El inicia inspirado por cubistas, aunque considero que ellos nunca llevaron hasta las ultimas consecuencias las conclusiones que sostenían sus propios experimentos. Para el la única solución era una pintura pura, liberada de las apariencias y completamente independiente de los objetos.

En “la nueva expresión plástica en la pintura”, expone que cuando en parís el cubismo alcanzaba su apogeo, en Holanda algunos artistas se dedicaban a una pintura mas apropiada a las superficies planas del cuadro, una pintura plana en el plano. En un principio componían con la intención de expresar cierto volumen natural, pero llegaron a concluir que el cuadro exige “una equivalencia total de los planos respecto al fondo”.

Así, la nueva composición reposa sobre oposiciones contrariantes y neutralizantes. Experimenta con los mas simples medios pictóricos: La linea es recta y siempre opera en angulo recto. Ocupa una figura geométrica y tres colores primarios. Pasan a ser la encarnación de cierta especie de movimiento.

Por el hecho de realizar arte abstracto, no se sobrepasan los limites de la plástica; no se llega a la abstracción puro, es decir, al territorio del pensamiento. El arte abstracto se expresa por una de las imágenes mas concretas, por medio de la forma mas reducida y elemental.

>Fuente: Cirlot J. (1951). La Pintura Abstracta. Barcelona: Ediciones Omega, S.a.

Zervos C. (1926). La nueva expresión plástica en la pintura. En Cahiers d’Art. Paris

Lamina 3 de 5.jpg


Trascendencia y Legado.

DeStijl

El arte abstracto, al proporcionar un lenguaje de diseño tan elemental, logro una gran influencia en la arquitectura y en todas las artes aplicadas. Se convirtió en parte fundamental de las escuelas de arte y refuerza o reemplaza algunas disciplinas mas antiguas. Parece existir realmente un estilo común caracterizado por la simplicidad funcional, el empleo apropiado e imaginativo de los materiales y el sentido de la proporción. Al mismo tiempo, se niega toda cualidad personal en el manejo del pigmento: todo lo que importa es establecer un equilibrio dinámico; las proporciones de cada área, el peso del color, el grueso del trazo. Deben conducir a un equilibrio critico de elementos opuestos y encontrados.

Los movimientos mas clásicos son los herederos de la tradición de la pintura pura de De Stijl y el Bauhaus. Algunos de estos han sido inevitablemente llevados por la búsqueda de formas puras a la construcción de objetos tridimensionales.

De Stijl fue un grupo de artistas alineados principalmente por la revista que fue publicada en 1917-1931, sus actores principales eran: Mondrian, Van Doesburg, Huszar, Oud, y Kok. La razón de su alta significación, fue que en un ámbito colectivo fueron precursores del funcionalismo, no confiaron exclusivamente en la inspiración abstracta, sino que se aplicaron metodologicamente a la satisfacción directa de las necesidades del espíritu y la sensibilidad. Su inspiración procedía de tres fuentes fundamentales, el Cubismo, la arquitectura holandesa, y las ideas filosóficas de Schoenmaekers, en ‘‘“mística racionalista”.’’

Consistía en la reducción progresiva de esquemas naturales a formas geométricas, extrayendo las esenciales cualidades plásticas. Van Doesburg Inspirado por kandinsky asegura que “El artista busca lo universal en lo particular. Encontrar lo bello no es sino hallar lo universal. Ese principio universal es lo divino. Reconocer lo divino en cualquier obra a hacer formada unicamente de lineas horizontales y verticales, una obra compuesta por dos direcciones universales y el modo de su ordenación - ordenación que no procede de la mano y el cerebro, sino de la emoción - mediante cuyos elementos expresaría lo divino en el tiempo mas corto y de la manera mas directa”.

Van Doesburg, a partir la fundación De Stijl se intereso principalmente por la arquitectura, diseñando tipos funcionales, que tras la divulgación en Europa central paso de ser llamada abstracción real a neoplasticismo. En los años siguientes se extendió el prestigio de estas formas y principios, conquistando adeptos como Mies Van der Rohe, Walter Gropius y Le Corbusier. Causa placer la comparación de aquellas formas pictóricas de aquel momento con los diseños de plantas y fachadas de algunos edificios. Es una igualdad absoluta la que reina entre esas dos manifestaciones de un mismo amor por la proporción y la expresión del orden, como supremo valor artístico.

Modrian fue uno de los integrantes del grupo de jóvenes arquitectos y pintores holandeses que publicaron la revista <De Stijl> (El estilo). Predicaban la coordinación de la pintura, escultura y arquitectura en un lenguaje universal. La personalidad individual se limitaría a servir a un principio general.


El autor exige que la atención se detenga frente a su obra. La obra se manifiesta de otra manera que la naturaleza, la obra se trata de expresar solo lo que es esencial en la naturaleza.

>Fuente: Van Doesburg T. (1915). El nuevo movimiento en la Pintura Cirlot J. (1951). La Pintura Abstracta. Barcelona: Ediciones Omega, S.a.

Varios. (1931). De Stijl: 1917-1931: Visiones de utopia. Madrid: Alianza Editorial.

Lamina 4 de 5.jpg

Bauhaus

Por su lado la Bauhaus solo necesito algunos años para que superara a cualquier otro centro de enseñanza y se convirtiera no solo el la primera escuela de diseño, sino que todo un movimiento artístico de carácter internacional, donde se conjugaban arquitectura, arte y diseño.

Walter Gropius fundo la bauhaus como una unión de la escuela de bellas artes con la escuela de artes y oficios. Aunque al igual que otros movimientos de vanguardia, vivió procesos políticos y sociales de gran influencia, de hecho, tras la guerra comenzaron a surgir movimientos revolucionarios que aspiraban a renovar la sociedad con la necesidad de encontrar nuevos caminos para la composición y el diseño.

El objetivo de la escuela, era reformar la enseñanza de las artes para lograr una transformación de la sociedad. Para Gropius la base del arte estaba en la artesanía: los artistas tenían que volver al trabajo manual. Con ella se trataba de unir todas las artes, estableciendo así una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana.

‘‘“La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público”.’’

Con la idea del arte como respuesta a las necesidades de la sociedad se pretendía eliminar las diferencias entre artistas y artesanos. Los estudiantes se formaban en distintos áreas para descubrir sus preferencias y orientarse para su posterior desempeño, bajo la premisa del ‘‘“aprender trabajando”’’, aprendían las pautas básicas de los diferentes oficios y materiales. Ademas asistían a ‘‘“vorkurs”’’, un taller creado por Johannes Itten donde se investigaban los principales componentes visuales como textura, color, forma, contorno y materiales.

Los pintores Paúl Klee y Kandinsky se unieron a la escuela dando clases de composición basado en las formas elementales y el arte debía hacerlas visibles. Es la fase idealista , expresionistas y de experimentación de formas, productos y diseños.

Se utilizan las formas geométricas básicas (el círculo, el cuadrado y el triángulo) junto con los tres colores primarios como base aunque los colores principales fueron negro, blanco y rojo.

Luego se incorpora László Moholy-Nagy, que supuso la introducción de las ideas del Constructivismo Ruso y el Neoplasticismo. Se buscaba un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración. Aunque la metodología estaba basada en una ‘‘“investigación de la esencia”’’ y un ‘‘“análisis de la función”’’.

Tras la gran recesión se mudan a Desseau, en donde se comienzan a generar grandes fiestas temáticas donde se fortalecía las relaciones de la escuela con los ciudadanos. Se generaron distintos cambios debido a la presión del gobierno, Moholy Nagy y Walter Gropius dejan la bauhaus en manos de Hannes Meyer, para que finalmente se haga cargo Mies Van Der Rohe. Un par de años después es cerrada por los nazis para eliminar cualquier rastro de arte ‘‘“decadente”’’. Tanto Miës van der Rohe como los profesores y alumnos que fueron perseguidos por el régimen huyeron del país y se instalaron en Estados Unidos donde siguieron con sus ideales y donde Moholy-Nagy estableció La Nueva Bauhaus: el Instituto de Diseño de Chicago.

Esta sería la que respetaría más fielmente el plan de estudios original. La Bauhaus es generalmente vista como un canon o un estilo formal, sin embargo, fue mucho más que el diseño de objetos y artefactos. Su objetivo era el diseño de un nuevo estilo de vida entendiendo a la gente como individuos y como seres sociales con su identidad humana y la dignidad inherentes . Pretendía lograr esto a través de una síntesis de arte y la vida, el trabajo y el juego. Fue el primer lugar donde se institucionalizó el anhelo del avant-garde europeo para la renovación social y autorizado por el estado en una escuela de diseño.

La base de este tipo de institución con tales objetivos de largo alcance habría sido inconcebible. Con el establecimiento de la Bauhaus, Walter Gropius, educa y forma a un nuevo tipo de persona, que contribuiría a cambiar el mundo que pretendía.

>Fuente: Gropius W. (1919). Manifiesto Bauhaus. weimar. Gropius W. (1966). La nueva arquitectura y La Bauhaus. weimar.

Kandinsky V (Desconocido). Curso de la bauhaus. weimar.

Lamina 5 de 5.jpg


Ludwig Mies van der Rohe, de la expresión neoplástica en la obra.

Biografía

Mies van der Rohe nació en 1886, fue hijo de Michael y Amalie (Rohe). En 1900 empezó a trabajar en el taller de su padre. En 1905 se fue a Berlín para colaborar como diseñador en el taller de Bruno Paul.

En 1907 realiza su primera obra, la casa Riehl. De 1908 a 1911 trabajó con Peter Behrens donde conocio a Walter Gropius y Le Corbusier, y en el cual Mies desarrolló un estilo arquitectónico basado en técnicas estructurales avanzadas y en el clasicismo prusiano. También también realizó diseños innovadores con acero y vidrio. En 1911 diseñó la Casa Perls.

En 1912 abrió su propio estudio en Berlín, en ese mismo año planificó una casa para el matrimonio Kröller-Müller. Durante los primeros años recibió muy pocos encargos, pero las primeras obras ya mostraban el camino que seguiría durante el resto de su carrera, entre esas obras se encuentran la Casa en la Heerstrasse y la Casa Urbig.

En 1922 se hizo miembro del ‘‘“Novembergruppe”’’. Junto con van Doesburg, Lissitzky y Richter editó en 1923 la revista ‘‘“G”’’. A partir de esto quedó fuertemente influido por el neoplasticismo de van Doesburg y Mondrian. En esos años, trabajó en los planos de dos casas de campo, el Chalet de ladrillo y la Casa Mosler. En 1924 conoció a Lilly Reich, especialista en exposiciones y directora de la Werkbund, con quien se asocia y trabaja hasta 1947.

Junto a Reich llevó a cabo obras de cierta envergadura que lo convirtieron en un arquitecto de prestigio, por lo que empezó a recibir diversos encargos, como el complejo habitacional para la Exposición de Stuttgart de 1927, el Weissenhof Siedlung, para el que pidió ayuda a los principales arquitectos europeos de la época.

La consagración de Mies van der Rohe se produjo en 1929, cuando realizó el pabellón de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, considerado por muchos su obra maestra y una de las obras arquitectónicas más influyentes del siglo XX. Su enorme simplicidad y continuidad de los espacios parecen no tener revés ni derecho.

De este modo posteriormente realizo otras obras, caracterizadas siempre por un uso avanzado de nuevos materiales de construcción (Hormigón armado, acero y vidrio) y una gran simplicidad, que lleva a dejar las estructuras desnudas y a dotarlas de formas casi lineales en las que prima la creación de belleza.

Entre 1930 y 1933 dirige el periodo final de la Bauhaus, que luego de los distintos acontecimientos post guerra lo obliga a emigrar a Estados Unidos, donde fue nombrado director de la facultad de arquitectura del Illinois Technology Institute de Chicago (1938), donde proyectó un nuevo campus, que lo hizo famoso en todo Estados Unidos. En lo sucesivo le llovieron los encargos y trabajó fundamentalmente en la capital de Illinois, donde recogió y llevó a sus últimas consecuencias los postulados de la escuela de Chicago y las propias visiones que fue construyendo a lo largo de su carrera.

En 1969 muere en Chicago y deja como legado nuevos cánones para la arquitectura, lemas como ‘‘«Less is more»’’ y ‘‘«God is in the details»’’. Se le considera uno de los arquitectos más importantes de la arquitectura moderna.

Análisis de la Obra: Pabellón Alemán (Barcelona 1929)- Mies van Der Rohe. De lo pictórico a lo espacial.

Fue construido en 1929 como la obra de representación Alemana para la Exposición Internacional de Barcelona celebrada en Montjuic ese mismo año. El Pabellón se concibió como un recinto de modestas dimensiones y refinados materiales. Vidrio, acero y cuatro clases de mármol, estaban destinados a albergar la recepción oficial presidida por el rey Alfonso XIII junto a las autoridades alemanas. La originalidad en el uso de los materiales siempre destacada en la obra, no radica en la novedad de los mismos sino en el ideal de modernidad que representaban y su aplicación rigurosa, en cuanto a su geometría, de la precisión de sus piezas y de la claridad de su montaje.

El pabellón se caracteriza por la simpleza radical de su organización espacial y formal, junto con una ostentosa elegancia de los materiales aplicados. Fruto del continuo análisis al que ha sido expuesto a lo largo de los años, se le atribuyen distintas influencias entre las que destacan la arquitectura tradicional japonesa, el suprematismo y el neoplasticismo.

Este ultimo permite entender la composición y la organización de los espacios de la obra, son áreas de llenos y vacíos con medidas de transparencia que permiten estar en la obra en todos los planos espaciales a la vez, la obra tal como el neoplasticismo se ordena con ejes desplazados y ortogonales ordenados por una retícula donde cada área tiene una proporción en cuanto a las áreas adyacentes, ya sea en alzado como en planta.

Análisis Espacial.

El Pabellón Alemán se ubica en un extremo de la Plaza de Carles Buigas, donde se alza el suelo para separarlo de el pavimento de la plaza, generando una distinción de calzadas, como LeCorbusier proyectaba, se da una “Fuerza del Emplazamiento” de modo transversal a la plaza, en un extremo que permite estar rodeado, pero que a la vez es atravesable.

Sobre este suelo, es que se construye la composición antes mencionada. El Pabellón define sus espacios de tal modo que generan fluidez espacial al interior del edificio. Amplios ventanales definen límite exterior, declarando así la transparencia, la idea de libertad y progreso que buscaba reflejar en su momento.

El edificio muestra una tendencia horizontal del diseño, el suelo, los muros y los grandes voladizos de la cubierta muestran aun mas esta condición. Los finos pilares en relación con estos elementos otorgan un efecto de ligereza y suspensión.

Mies Van Der Rohe, como eran en la época, diseña el edificio separando la estructura del cerramiento, de tal manera que la retícula de pilares no coincide con los muros, permitiendo que estos se ubiquen con mayor libertad, no quitándole la condición de soporte también son elementos organizadores del espacio.

La primer área es la de acceso, donde luego de subir esta plataforma, el espacio se divide en dos elementos, a la izquierda un patio con un espejo de agua cuyo fondo esta cubierto de piedras y que mediante el reflejo se relaciona con el borde del pabellón, se equilibran visualmente ambos espacios, en una transparencia que marca el ingreso al edificio.

El edificio se determina a través de estos muros con distintas opacidades, ya sea por los variados tipos de mármol o por el vidrio, que se van traslapando para conformar esta relación de interiores y exteriores. Una pureza de organización de formas casi minimalista caracteriza su disposición y diseño.

Por último patio, que se encuentra cerrado por muros, y que en una especie de continuidad, completa el interior del pabellón. Se presenta otro espejo de agua, esta vez mas pequeño, siempre en relación con el mayor en sus cualidades, donde se dispone una estatua Alba, de Georg Kolbe.

Fuente: Lizondo L. (2014). ¿Arquitectura o Exposición?. Valencia: Editorial Universitat Politécnica de Valencia.

www.miesbcn.com

Lamina Obra 1 de 2.jpg

Arquitectura mínima como conclusión de la Abstracción Formal .

"En realidad, la belleza de una habitación japonesa, es producida únicamente por un juego sobre el grado de opacidad de la sombra, no necesita ningún accesorio. Sorprende esa desnudez y estar tan sólo ante unos muros grises y desprovistos de cualquier ornato. Ahora bien, precisamente esa luz indirecta y difusa es el elemento esencial de la belleza de nuestras residencias. A nosotros nos gusta esa claridad tenue, hecha de luz exterior y de apariencia incierta, atrapada en la superficie de las paredes de color crepuscular y que conserva apenas un último resto de vida. Para nosotros, esa claridad sobre una pared, o más bien esa penumbra, vale por todos los adornos del mundo y su visión no nos cansa jamás."

Mies van der Rohe creó un legado meramente purista, incluso erróneamente se le ha atribuido la paternidad del minimalismo, cuyo estilo resuena hasta en las obras mas contemporáneas. Fue continuador de una estética impulsada por movimientos como De Stijl y luego por la Bauhaus de ‘‘“La pureza de las formas, uso de materiales prefabricados y ausencia de adornos”‘‘.

El minimalismo es un estilo que se presta para muchas confusiones, ya que en la generalidad esta etiqueta se asume años después de que las obras fueran construidas, y es poco probable de que Mies V.D.R. construyera sus obras pensando en este estilo. Por eso como Dice John Pawson, es mucho mas acertado hablar de arquitectura mínima, [en una arquitectura mínima] ‘‘“el vacío nos permite ver el espacio tal como es, para ver la arquitectura tal como es, evitando que sea ocultada o corrompida por los escombros incidentales de la parafernalia de la vida cotidiana”’’.

La arquitectura mínima tiene mucha relación con la arquitectura tradicional japonesa, se consideran los bienes materiales como un lastre, y su despojamiento se considera como un retorno a la esencialidad de la condición humana. Se busca la simplicidad y la sencillez, la riqueza del vacío, las formas puras y geométricas, y la importancia del todo sobre las partes.

De esta manera Tadao Ando es uno de los exponentes que en su obra se refleja la construcción de formas simples las cuales con el uso de la luz y los materiales pueden crear espacios trascendentales con lo mínimo.

‘‘”Me interesa un diálogo con la arquitectura del pasado pero debe ser filtrado por mi propia visión y experiencia. Estoy en deuda con Le Corbusier o Mies van der Rohe, pero al mismo tiempo tomo lo que ellos hicieron y lo interpreto a mi manera.”’’

Analisis de la Obra: La iglesia de la Luz (Osaka 1989) - Tadao Ando.

En Ibaraki – Osaka Japon, Tadao proyecta una iglesia donde se conjuga un espacio de meditación, en relación directa con la luminosidad del espacio. Su entorno natural a partir del enmarque, tiene un contraste entre los llenos y vacíos, es un sentido compositivo. Es sutil la equivalencia del interior y el exterior.

Este edificio remplaza una estructura de madera existente, y que con un presupuesto mínimo, se ciñe a simples materiales y a un estructura elemental. Se compone por dos volúmenes rectangulares dispuestos en angulo, ambos son de hormigón y los atraviesa un plano en 15° que permite generar una abertura permitiendo filtrar la luz al interior. Ademas se genera un cruz en el fondo construida por los mismo muros que se vuelven suspendidos por la abertura.

Su interior se encuentra desprovisto de ornamentos. La calidad constructiva es lo primero, un importante trabajo de diseño y construcción. De hecho los muros dejan a la vista las marcas del encofrado, y el mobiliario se construye con las mismas maderas que fueron utilizadas para la construcción, un signo de completo despojo.

>Fuente: Pawson J. (1996). Minimum: Phaidon Press.

Tanizaki J. (1933). Elogio a la sombra. Japon: Ediciones Siruela.

Lamina Obra 2 de 2.jpg

Ere La iglesia de la Luz (Osaka 1989) - Tadao Ando.jpg