Heredad Creativa 2020 - Constanza Maldonado
| Título | Heredad Creativa 2020 - Constanza Maldonado |
|---|---|
| Tipo de Proyecto | Proyecto de Curso |
| Palabras Clave | proyecto final |
| Asignatura | Heredad Creativa 2020 |
| Del Curso | Heredad Creativa 2020 |
| Carreras | Diseño, Diseño Gráfico"Diseño Gráfico" is not in the list (Arquitectura, Diseño, Magíster, Otra) of allowed values for the "Carreras Relacionadas" property. |
| Alumno(s) | Constanza Maldonado |
| Profesor | Sylvia Arriagada |
Lectura anotada: Improvisación del arquitecto Alberto Cruz
Archivo:Subtitulación-constanza-maldonado.pdf
Ciclo de charlas Heredad Creativa 2020
Acto, Forma y Expresión - Rocío Rivera - 3 de noviembre
Transcripción individual
Minutos 26:12 - 36:12
Rocío: … Luego, varios años después, se transformó en la imagen del festival Danza al borde que es un evento que organizamos durante muchos años en forma anual, que combinaba danza en la ciudad y en espacios no tradicionales, y en los teatros de la ciudad, un evento internacional. Entonces, acordamos y convenimos que podía ser la imagen de la celebración de los 12 años del festival, y ahí yo lo trabajé con un equipo, pero están todos los productos gráficos asociados a lo que esta imagen, que fue una obra artística, se transforma en la imagen de un evento, pero que luego vuelve a transformarse a el cuerpo. Resulta que en el festival hay un día de intervención urbana, donde se trabaja como una especie de recorrido, entre un punto de la ciudad y otro, donde uno se va encontrando con intervenciones de artistas, y nos pasaba que a veces el clima que se producía era muy hermoso, y era muy, a mi me incomodaba un poco, o cada vez más, me incomodaba el pensar que había que interrumpir y avisar: “Oye, la próxima acción va a ser dos cuadras más arriba”. Y explicar algo muy cotidiano, cuando queda un clima, eh, suspendido, de la emocionalidad o de la percepción de lo que había sucedido artísticamente y colectivamente, y entonces se nos ocurrió que podíamos generar, las compañías que organizábamos el festival, que eran la ortopedia a cargo de Iván Sánchez, y Mundo Moebio a cargo mío, algunas obras migratorias, que permitieran aparecer cuando termina una intervención, y guiar naturalmente al público hacia la siguiente intervención.
Y entonces se nos ocurrió ese año que podía mido un segundo, salir de la fotografía e hicimos un grupo donde invité a artistas que no necesariamente trabajaban siempre conmigo, sino que son otros artistas de la ciudad que se integraron, y entre 10 personas hicimos esta acción migratoria de guiar entre una obra y otra. Y eso adquirió tal fuerza que luego se transformó en una obra en sí misma que yo sigo trabajando y que he llevado por gira por todos esos lugares que mencionaba la Sylvia, donde también con el equipo de mis compañeras de mundo moebio lo enseñamos a otros bailarines, podemos usarlo como herramienta para compartir todo este trabajo de percepción, espacio, y en este caso por ejemplo, el cuerpo funciona como un dispositivo espacial que hace ver el espacio, es casi una obra muy visual y fotográfica donde obviamente nos movemos y bailamos pero el objetivo es casi desaparecer esta idea de redimensionar lo que el ojo ve del lugar, y eso pasa por aspectos abstractos y espaciales, dimensionales, hasta elementos más asociados a la cotidianeidad de los espacios, entonces aquí voy a hacer una serie de imágenes para que vean un poco el tipo de corporalidades que se van transitando durante la obra, en distintas instancias, algunas donde hay bailarines invitados, otras donde estamos los cuatro que generalmente solemos bailar en la compañía,y donde empieza a haber una situación de composición en tiempo real mientras bailamos, que es algo que entrenamos mucho con la compañía, que tiene que ver con la situación de cómo disponer espacialmente y graficamente tambien yo diria el cuerpo, porque hay una elección, yo no me pongo en un lugar donde me veo o donde no me veo, cuál es la relación de mi color con el color del entorno, siempre se ríen y dicen que es una obra muy fotografiable, y es porque además nos quedamos mucho tiempo, se llama mido un segundo, y la pregunta es cuánto dura un segundo, por qué un segundo dura un segundo y cómo podemos modificar esa idea de la percepción del tiempo. Y esa invitación se hace a través de una cierta quietud también, que invita a la contemplación, y a pensar que tal vez si un bailarín se distancia de los otros, aparece una percepción de incorporar en la percepción algo que no estaba en el campo visual, eso empieza también a tener distintos constructos como ciertas arquitecturas en el cuerpo, desde la gestualidad por ejemplo, ahí en la imagen de abajo vemos una señora que pasó, el perro que iba corriendo y pasó una moto, entonces los bailarines tomaron una actitud inspirada por ese perro que pasó y se queda en la imagen, entonces se compone algo que se relaciona realmente y está permeable a eso que está pasando, tanto así que el código que es muy simple, empieza a ser leído, y entonces la foto que hay arriba donde hay unos niños por ejemplo, estábamos en Lima, y mientras hacíamos esta migración y este recorrido, los niños empezaron a meterse entre medio y hacerlo con nosotros, lo hemos hecho en escuelas, en liceos y en colegios, y también cuando hay niños juegan con nosotros, nos ayudan, osea como que sin explicarlo, hay un código no verbal que empieza a ser comprendido, y que incorpora desde su concepción, entender el espacio, el entender el color, el entender el vínculo, el entender lo genérico de ser cuerpos como con una colectividad también. Aquí también lo hemos hecho en Argentina, lo hemos hecho en entornos no urbanos digamos, en un parque, si igual un entorno urbano pero que también nos puso el desafío de bueno y si no hay mobiliario urbano, y si no hay y la gente fue a aquí a otra cosa, cómo funciona, y también, las situaciones en que hemos participado nos han dado respuesta o nos han obligado a preguntarnos otras cosas sobre las obras que son de alguna manera obras abiertas, y que van mutando según este sentido de observación.
Y aquí me paso a otra creación que se llama Silencio Expansivo, con la que voy a ir medio rápido para no alargarme tanto, y podamos entrar en conservación y preguntas que me parece el espacio interesante. Creo que de alguna manera esta obra, tiene la condición que ya empezamos a trabajar con un texto que se llama Stan Allen, a raíz de que Paul Taylor me habló de que lo que yo hacía se parecía a un texto que él había leído de Stan Allen, que se llamaba “Del objeto al campo”, y me costó años encontrar el texto, y cuando encontré una buena traducción y después fui haciendo un correlato, descubrí que sí, que siempre es una referencia a esto de hablar de las condiciones del campo, de poder entender con cuantas condiciones uno está poniendo en relación las cosas, y la forma es un resultado que aparece, entonces esta obra tiene eso, como condición de trabajo y de exploración, al estrenamos el año 2016, hemos girado mucho con esa creación, y esta es la versión donde ensayabamos como el primer antesala de muestra del proceso, en el cerro Polanco, en el centro comunitario Manuel Rodríguez, y luego tenemos aquí imágenes de las funciones en salas, donde hay algo de interés en esta idea como de las arquitecturas del cuerpo, los vínculos del colorido, la proximidad con la audiencia, porque a mi me interesa mucho como que haya esta relación de emisión y percepción en una experiencia que compartimos con la audiencia, no es un espectáculo solamente o necesariamente, y esa idea de adaptabilidad hace que esta misma obra pueda ir a lugares como este, donde había un teatro que tenía unos muros que se movían, y podíamos leer el contexto real e incorporarlo, prender las luces del fondo, usar los pasillos, como algo en vez de pensar que hay transformar los espacios en un espacio neutral, después hacer que ese espacio entre a lo que hacemos y es una lectura de qué es lo que es ese lugar y cuál es su condición, y yo siento que también a su condición gráfica, si es blanco o es negro, cuál vestuario elegimos, cuál textura entra a lo que hacemos, y varias versiones de otros tipos, donde empieza a ser que tal vez el público es el que emigra, mientras que nosotros hacemos una especie de versión, que recorre un espacio, que en este caso fue el espacio Santa Ana, donde por ejemplo se cambian las materialidades, hay unos textos que van en unas voces en off, que son unas preguntas, y en este caso habían unos muros que eran unas pizarras, entonces las preguntas se hacían escribiendo y se invitaba a través de unas acciones muy simples a que la gente también incorporara sus preguntas, entonces ha empezado a suceder que esas obras empiezan a mover sus márgenes también, para poder entender cómo dialogan con otras materialidades en función de leer, lo que sucede, o el entorno que nos recibe. En china nos tocó una colaboración similar con un artista, con un dramaturgo chino y nos invitó a hacer una función en una vitrina, que tenía algo como con lo urbano, de estar dentro de estar fuera, usando un guión de él, con material corporal nuestro, entonces, claro, como podrán ver la improvisación por ejemplo es algo que es una de nuestras herramientas, y también algo que es como esto residual de la memoria, porque esta imagen que les comparto acá es de silencio expansivo, estamos ahí en una gira, pero empieza a ser una forma, un lenguaje de alguna manera, entonces aquí estamos en otro espacio, que estamos investigando, donde empieza como a poder ser super adaptable esto que hacemos, entonces es un cuarteto que puede ser un trío, que también tiene una versión si somos dos. Esto también es en Punta Arenas, que es una antesala que hicimos antes de entrar al ingreso de la sala, adentro de la sala de teatro, osea la gente te reconoce pero te ve, hay una ubicación en función de la luz, de leer la luz con la cual estás trabajando porque es la luz natural, de tomar esos elementos y ponerlos en otro contexto, donde ese contexto significa algo porque tiene un...
