Franchesca Araya Cruz Kandinsky/Mondrian/Klee - Presentación de las Vanguardias 2018
| Título | EL COLOR Y LA FORMA EN LA NO FIGURACIÓN. / Análisis: Arte vanguardista. |
|---|---|
| Del Curso | Presentación de las Vanguardias 2018 |
| Carreras | Arquitectura |
| Nº | 1 |
| Alumno(s) | Franchesca Araya Cruz |
EL COLOR Y LA FORMA EN LA NO- FIGURACIÓN / (ensayo)
Representación del arte desde lo real, a la abstracción mediante elementos visuales.
El vanguardismo en el arte.
El cambio de pensamiento del hombre sobre sí mismo, se ve reflejado en el ámbito artístico en cuanto a la innovación de la forma en la que el arte se ve representado durante la primera mitad del siglo XX; la búsqueda de nuevas formas de expresión se ve marcada por la abstracción de lo cotidiano, de manera que se transgreden los límites establecidos hasta el momento en lo que se refiere a la pintura. Uno de los temas que hace dar cuenta de este cambio, de manera más radical, es el inicio del arte Abstracto y la no figuración de la realidad que esta representa.
El arte abstracto surge como un movimiento en el que se deja de lado la representación de la naturaleza y la realidad, que de por si es considerado como algo que no se puede replicar, si no que pasa a ser una imitación burda que no lo representa con veracidad; es por ello que por medio de la abstracción se logra captar la esencia de lo que se quiere mostrar, utilizando técnicas que simplifiquen lo mayor posible la simbolización de las cosas.
Sobre el color y su representación en el arte abstracto.
Wassily Kandinsky, siendo uno de los referentes del arte abstracto, conceptúa el replanteamiento del objeto como un elemento secundario y casi perjudicial en sus obras, dando énfasis a la belleza de estas por medio de la riqueza cromática que la conforma, y la simplificación formal de lo que representa.
Durante su trabajo en la Bauhaus, el curso acerca del color formaba parte también del curso de la forma, iniciando con los colores primarios y las formas básicas (circulo, triangulo y cuadrado), Kandinsky daba mayor importancia e interés al efecto del color, entre sus investigaciones, se estudió el efecto espacial del blanco sobre negro y de negro sobre gris, con los que se demostraban los diversos efectos espaciales en cuanto a la percepción que generaban los colores. También, en su forma de representación, Kandinsky utilizaba la asociación de objetos, los que sujetos a elementos formales como el orden y el color surtirían efecto como “recuerdos” del espectador, además de vincular un efecto a cada color y forma.
Así como Kandinsky, existen otros artistas que cambiaron su manera de representar la realidad, dando énfasis al uso del color y la abstracción de la forma en su manera más básica, para enfatizar las cualidades y la naturaleza esencial de las cosas; tal como lo expresa Paul Klee: “El arte, no reproduce lo visible, sino que hace lo visible”, dando a entender que el arte sirve como una manera de dar cuenta de las cosas que a simple vista no se ven, el arte es más que reproducir lo que todos pueden observar de la realidad, sino más bien, el arte es la posibilidad que se tiene de representar y mostrar la esencia de las cosas.
Al contrario que Kandinsky, Klee Pintaba según su sensibilidad, durante su estancia en la Bauhaus trabajo en elaborar la tonalidad con solo dos colores, de manera que se pudiese trabajar con la degradación de pares de colores, en cuanto a la forma, el trabajo de Klee consistió en la elaboración de un sentido de organización de superficies mediante la proporción, el giro, la reflexión, entre otros.
“…en el arte abstracto, lo importante es dar vida a formas y colores capaces de producir emociones…”
/Umbro Apollonio. (1995). Pinacoteca de los Genios. Barcelona: Ediciones Polígrafa./
En esta frase Apollonio hace referencia al arte abstracto representado por Piet Mondrian, el cual crea sus obras sin basarse en un análisis previo de lo que representa. Mondrian luego de haber adoptado el arte cubista, experimenta desde este una nueva manera de representación artística basada en la no figuración, llevándola a tal extremo de sintonización que termina utilizando líneas ortogonales y colores básicos, entre ellos los colores primarios y los “no -colores” (blanco, negro y gris) en sus pinturas, lo que hoy se denomina neoplasticismo.
Es de esta manera en la que van surgiendo más conceptos que relacionan el color, la forma y otros elementos plásticos, que logran generar un cambio en la manera de representar la realidad; no es solo el arte abstracto, el que marca una nueva forma de creación, si no que desde este se le da una nueva significación a las cosas, involucrando no solo al autor de la obra, sino que también cuenta con el efecto en el espectador, haciendo un análisis previo, para poder generar un resultado conjunto entre ambas partes.
“Es preciso sintonizarse con el ritmo de las líneas y con la compacta limpidez de las superficies coloreadas, para penetrar la sutil dinámica que en ellas esta expresada…”.
/Umbro Apollonio. (1995). Pinacoteca de los Genios. /
FICHA N° 1/ Introducción en el vanguardismo.
¿Cómo surge el arte vanguardista?.
El vanguardismo, se entiende como un movimiento artístico que considera toda obra y artista que surgen como resultado de un trabajo innovador y original. Surge como un mecanismo de búsqueda de un reconocimiento del hombre moderno, provocando un quiebre en lo que hasta el momento se basaba en un pensamiento que valorizaba la sabiduría de la tradición. Conciencia de la modernidad.
Es durante este periodo en que surge un reconocimiento propio del hombre moderno como tal, al poder formular una comparación con el “hombre antiguo” y sus hechos históricos, dando cuenta de las diferencias que había entre este y su actualidad. Es de esta manera en la que comienza una reformulación del pensamiento autorreferente en cuanto a la representación artística de la realidad, en la que se promueve la ruptura de las convenciones, para hacer aparecer y dar relevancia a la originalidad, destituyendo de igual forma la importancia de lo tradicional.
Valores de la modernidad
Desacralización del mundo actual; la concepción de un universo armónico que se maneja bajo la autoridad divina va perdiendo significación y vigencia, el ser humano cambia por lo que sus creencias lo hacen de igual manera. Es así como surge la razón critica, la conciencia histórica y la idea del progreso humano y científico, de manera que ocurre una fuerte crítica a la tradición.
Aparición del autor original en la búsqueda del progreso, poniendo en énfasis la originalidad de la obra y su carácter innovador, basado en una serie de principios básicos:
1. Ausencia de jerarquía y de centro.
2. Abstracción y carácter anti referente.
3. Reacción contra la tradición.
4. Utilización de mallas geométricas.
5. Mecanismos compositivos basados en el collage.
6. Búsqueda de formas dinámicas y transparentes.
7. Inspiración libre en el universo de la máquina.
FICHA N° 2/ Wassily Kandinsky.
Siendo uno de los referentes del arte abstracto, conceptúa el replanteamiento del objeto como un elemento secundario y casi perjudicial en sus obras, dando énfasis a la belleza de estas por medio de la cromática que la conforma y la simplificación formal de lo que representa.
Es por medio de la creación del “Jinete Azul", en conjunto con August Macke, Paul Klee y Franz Marc, en la que se da inicio a la Abstracción de Kandinsky.
En el año 1912, en su libro “Sobre lo espiritual en el arte" ', caracteriza determinados colores con una vinculación a ciertos efectos en el espectador como lo fue el color amarillo; el que establece como un color terroso, o el violeta como un color enfermizo y triste.
Su trabajo en la Bauhaus
Comenzó a trabajar en la Bauhaus en el año 1922, encargándose del taller de pintura mural, ademas del curso de forma y una clase de morfología del color.
En el curso del color, como parte del curso de la forma, toma partido del uso de colores primarios y las formas básicas de la geometría (círculo, triángulo y cuadrado).
Su interés por el efecto del color lo llevó a realizar una serie de estudios en cuanto al comportamiento del blanco, negro y gris en relación con su disposición espacial y el efecto que causa en el espectador.
FICHA N° 3/ Piet Mondrian.
Arte no figurativo
Hasta el año 1910 Mondrian había permanecido en su trabajo como artista y pintor en un estilo realista,pero habiendo sido influenciado por Jean Toorop ,en el año 1908, a experimentando con colores mas brillantes, es que termina adoptando el estilo cubista.
Es con este nuevo estilo en el que continúa su búsqueda de una nueva manera de representación artística y da inicio a la práctica de la abstracción.
Entre los años 1913 y 1917 Mondrian consigue formular un nuevo, con el cual desarrolla su propia manera de abstracción, en la que se limita a pintar con finos trazos verticales y horizontales; dando lugar así al NEOPLASTICISMO.
¿En qué consiste este nuevo estilo?
El Neoplasticismo, es una forma de pintar en la que se simplifica de manera extrema la abstracción de la realidad representada. Compuesta de solo factores elementales que no pueden mantener una referencia a una realidad conocida.
Basado en el Abstractismo puro, realidad y poesía de las formas, Mondrian crea sus obras sin considerar un análisis previo del objeto.
FICHA N° 4 y 5 / Paul Klee.
La representación artística de Klee estuvo vinculado al estilo modernista que influía en Alemania a inicios del siglo XX, dando como resultado que su forma de crear fuese cambiando hasta el punto de no poder compararse a algo ya creado.
Klee es reconocido como uno de los artistas influyentes en cuanto a la singularidad del arte moderno en Alemania, siendo su pintura una conjetura entre lo real y lo abstracto, manteniendo en sus obras un vinculo con lo sensorial de la naturaleza, en la que aparecen elementos y rastros de lo figurativo.
Transito de una visión de lo externo a la contemplación
“El arte no reproduce lo visible, sino que hace lo visible".
/ Paul Klee. Túnez. 1916./
Esta frase representa la visión del autor en cuanto a la relación Obra - espectador; y con ello demuestra el cambio de la representación "real" a la expresión de lo que causa en quienes lo observan.
El descubrimiento del color
En el año 1914 klee realiza un viaje a Tunez en el que se redescubre a sí mismo como un pintor, es en este momento en el que su visión del arte produce un giro, ya que da cuenta de la importancia del color como un elemento de ayuda en cuanto a lo sensorial. Descubre cómo el color crea contraste entre la luz y la sombra. Y es de esta manera en la que pasa de un arte gráfico al arte abstracto.
“El color se ha apoderado de mí, no necesito apoderarme de él. Me ha tomado para siempre, lo sé. Este es el significado de esta hora feliz, el color y yo somos una sola cosa. soy pintor".
/ Paul Klee. Túnez. 1916./
