Estudio del color: Johannes Itten

De Casiopea







Caso de Estudio
NombreEstudio del Color y sus contrastes
Período2014-2014
Estudiado enTutoría Presentación 1 y 2 DG
Estudiado porAlison Saravia


Introducción

Se presenta como base el texto "Arte del color" de Johannes Itten para comenzar a adentrarse en el mundo del color y sus contrastes en distintas obras de arte.
El legado de Itten es una herramienta que se enfoca principalmente en el reconocimiento de los colores a partir de sus contrastes; Itten rescata 7 y los presenta a modo de ejercicios para que así uno mismo pueda ir comprobándolos a medida que se van realizando.

A la par con el estudio inicial del color, se añade otra línea de estudio: la del grabado. En el texto, Itten realiza un pequeño y resumido recuento de pintores a lo largo de la historia, citando su importancia y rescatando lo que han dejado abierto al mundo en sus respectivas obras; dentro de estas referencias existen algunos pintores que también dedicaron parte de su vida a realizar grabados, y serán éstos pintores-grabadores los que se tomarán en cuenta para ir analizando algunas de sus obras en secuencia.

En el fondo, la idea más general será poder ir descifrando el modo en el que piensa un artista cuando pinta y el modo en el que lo hace cuando graba, y de qué manera se va a ir fusionando una técnica con la otra.


Los 7 contrastes del color

Se habla de contrastes cuando se puede constatar entre dos efectos de colores que se comparan, unas diferencias o unos intervalos sensibles. Cuando éstas diferencias alcanzan un máximo, se dirá que se trata de un contraste en oposición o de un contraste polar. Así, las oposiciones caliente- frío, blanco- negro, pequeño- grande llevadas al extremo son contrastes polares. Johannes Itten.

Hay que tener presente en Círculo cromático de 12 zonas antes de adentrarse en los ejercicios de color:

Círculo cromático de 12 zonas en acuarelas

Contraste del color en sí mismo

Se puede emplear cualquier color puro y luminoso. Amarillo, rojo y azul son la expresión más fuerte del contraste en sí mismo. En el fondo, éste contraste habla de la utilización de los 3 primarios en una obra determinada (o secundarios también). No hay una selección, aparecen todos los colores puros.

color en si mismo

Contraste Claro-oscuro

Lo claro y lo oscuro son contrastes polares. Un solo color (Ej: Amarillo) podrá ir siendo descompuesto en sus tonalidades por medio del agua (en este caso se está trabajando con acuarelas). Mientras el pigmento esté más mezclado con agua, más claro será el tono del amarillo.

Contraste Caliente-frío

Sensación de temperatura por medio de los colores. Azul-verde y Rojo- anaranjado son los polos del frío y del calor respectivamente.

Caliente-frío

Contraste de los Complementarios

La idea es que en el medio de cada ejercicios de mezclas de complementarios aparezca un gris neutro. Así uno puede identificar si está trabajando con unos colores primarios "reales" o puros.

Este es sin duda uno de los contrastes más importante, ya que es en éste en el que uno se puede dar cuenta si está utilizando los colores correctos para realizar las mezclas.

Complementarios

Contraste Simultáneo

La idea es que los grises que se encuentran en el medio de cada color, por efecto visual se conviertan en el color complementario de un respectivo color. (Ej: Amarillo- Morado) Para que este ejercicios pueda ser comprobado es necesario ver cada cuadrado de color por separado a una distancia de más o menos un metro de distancia o más. Así el ojo podrá percibir este fenómeno visual de inmediato.

Simultáneo

Contraste Cualitativo

Se fundamenta en el grado de pureza o de saturación del color. En el medio se encuentra el color puro y éste se irá mezclando con un gris.

Contraste Cuantitativo

Concierne las relaciones de tamaño entre los colores. "Mucho- poco", "Grande- pequeño".

Cuantitativo

Referencias de Itten a estudiar

Del texto de Itten, primero que nada tomo el contraste Claroscuro, que tiene la cualidad de presentarse tanto en la pintura como en el grabado. A partir de esta primera decisión, me armo una selección de autores que Itten toma de referencia en el texto, para ir mostrando de forma gráfica de qué modo se vinculan, secuencian, se asemejan o se diferencian sus pinturas de sus grabadis.

La línea de contraste Claroscuro entrará en juego al pasar del color al negro y los grises.


El estudio de ciertas obras referenciales necesariamente requiere la realización de fragmentaciones de la obra; con esto me refiero a realizar un desglose de todas las posibilidades técnicas que me puedan ayudar a marcar una secuencia compositiva que permita la fundición entre la pintura y el grabado.

Las técnicas seleccionadas son:

  • Acuarela
  • Lápices de colores
  • Carboncillo
  • Aguadas de tinta china
  • Material Tetra pak


Henri Matisse

"Raya verde".

"Raya verde" 1905

Matisse pertenece al movimiento "Fauvista", en el cual los colores se presentan en su máxima expresión y saturación. En cuanto a contrastes, estamos hablando del contraste en sí mismo.


Reproducciones en acuarela, lápices de colores y carboncillo
Reproducciones en Aguadas de tinta china y en Tetra pak

En esta obra específica las acuarelas permiten reconocer la capacidad que tienen los colores para ir fusionándose / mezclándose con una sutileza que no da cabida a quiebres muy fuertes cuando se pasa de un color a otro.

Los lápices de colores permiten ir generando las tramas y direcciones de trazos que existen en la obra; así también la yuxtaposición de los colores. El carboncillo, más que nada, permite marcar los trazos más fuertes que existen. Comienza a aparecer la geometría a partir de las formas. El traspaso de la obra a la escala de grises por medio de la tinta china y sus aguadas sirve como un "mapeo" de las zonas más claras y más oscuras que existen en la obra.

Finalmente, el tetra pak permite al igual que el lápiz de color, ir definiendo la dirección de las tramas en la obra pero de forma acromática.

Marc Chagall

"Over the town" 1918

Over the town, 1918


Marc Chagall fue un pintor que se relacionaba mayormente con el mundo de los sueños; lo onírico y fantástico. El modo en el que plasmaba la realidad que estaba viendo tenía que ver con la geometría y la forma de los colores, pero también con una invención cromática que se ve claramente reflejada en todas las obras a lo largo de su vida.


Reproducción de un fragmento en acuarela + paleta de colores


En esta obra de Chagall existe una clara relación con la geometría. En la reproducción realizada con acuarelas se puede notar cómo los tonos verdes y azules de las ropas se van entrelazando a otros tonos por medio de las formas geométricas. (También podemos hablar de modulaciones de color). El color se encaja en una forma específica que luego se va acoplando a otras formas coloreadas hasta generar la imagen visible.

Reproducción de un fragmento a carboncillo, aguadas de tinta china, y material tetra pak

Las modulaciones geométricas del color, cuando pasan al "no color" generan una escala de grises que es muy valiosa para poder dimensionar cuál es el nivel de luminosidad de cada tono de color; el hecho de poder plasmar una imagen sin el requerimiento de un trazado lineal.



"Yo y la Aldea" 1911

Yo y la Aldea, 1911

Marc Chagall y lo Onírico: En esta obra vemos la expresividad del color. Contraste del color en sí mismo. Importancia de la paleta de colores: La paleta de colores es donde queda expresado todo el pensamiento del color que se realiza. Quedan plasmadas las mezclas que generan la obra en sí.

Reproducción de un fragmento en acuarelas + paleta de colores


Reproducción de fragmento a Carboncillo, aguadas de tinta china y material tetra pak

La "difuminación" que existe bajo el ojo de la vaca en la obra real, es reproducida en el tetra pak por medio de los trazos. Así es como funciona el grabado en Aguafuerte: son los trazos y sus densidades los que van a representar las luminosidades de la obra. A mayor cantidad de trazos en un sector, será mayor la "sombra" representada.

Picasso

"Vaso y jarra" 1944

Vaso y jarra, 1944

Picasso y el cubismo: se generan muchas más posibilidades respecto a las modulaciones del color. La ventaja de las obras geométricas o cubistas es el hecho de que cada color queda enmarcado por una forma. Las difuminaciones de color no son tan evidentes. El color aparece tal cual es. Con claridad y orden.

Reproducción en acuarela + paleta de colores


La paleta de colores expresa todo de una sola vez. Es importante rescatar ésta paleta en cada reproducción que se realiza con acuarela, ya que es ahí donde uno realmente puede comenzar a tener un pensamiento que permita validar lo que se conoce sobre la pintura y los contrastes del color. En este caso, la paleta nos habla del contraste en sí mismo. Del color por el color.


Reproducciones a carboncillo, aguadas de tinta china y material tetra pak


La necesidad de generar las formas por medio de trazos fuertes responde a una relación con la espacialidad de la obra. Permiten enmarcar los elementos e una construcción espacial clara. No hay nada en el aire, o flotando. Nuevamente, en la versión tetra pak se entiende que la mayor cantidad de trazos generados responde a la representación de las zonas más oscuras.


Picasso y el Grabado

Luego de desglosar y fragmentar obras en relación al color, es momento de enfocarse en el grabado y su complejidad gráfica. Para ello, me quedo con un solo autor (en este caso, Picasso), y me propongo hacer un paralelo entre 2 técnicas de grabado con las cuales trabajó : el Aguafuerte y el Aguatinta.


Aguafuerte

El material del Tetra pak permite experimentar y comenzar a internarse en la forma de pensar que tienen los autores para llevar a cabo un diseño que pueda pasar a ser grabado. Trabajar con este material permite acercarse a la modalidad del grabado en Aguafuerte, ya que se trata de líneas y trazos que componen el dibujo. A continuación, reproducciones de grabados en Aguafuerte de Picasso:


"Las metamorfosis de ovidio. Cara #4" 1970.

Aguafuerte, Picasso

"Carmen" 1948

Aguafuerte, Picasso

Sin título. sin fecha (37x47 cm)

Aguafuerte, Picasso

Sin título. 1945 (22x28 cm)

Aguafuerte, Picasso


Los trazados elementales de las figuras humanas de picasso tienen la ventaja de poder ser realizados en la técnica del aguafuerte. Las sombras y / o luces también podrían ser representadas por medio de tramas y cruces de líneas, pero en esta secuencia de grabados solo existe uno en el cual además de los contornos de los cuerpos, aparece una recreación abstracta de lo que serían las sombras:


"Block nº 1765", 1968 (20x31 cm)

Aguafuerte, Picasso


En analogía con sus pinturas cubistas, se nota la importancia de los trazos por sobre el relleno o color. Otro aspecto importante que une o vincula sus pinturas con sus grabados es la dislocación de las formas. Se entiende que son rostros y cuerpos, pero no corresponden necesariamente con la realidad que conocemos.


Aguatinta

La técnica del Aguatinta es muy similar a las aguadas en tinta china, ya que no es necesario realizar trazos fuertes o marcados y duros como en el Aguafuerte. Lo que se necesita es solamente tener clara la escala de grises con la que se trabajará para poder llevar a cabo esta técnica. Picasso y su serie de Aguatintas denominado "Tauromaquia" tiene la cualidad de presentar 3 grises distintos. A modo de ejercicio me propongo realizar la reproducción de fragmentos de 5 grabados de la serie "Tauromaquia", para así comprobar la existencia de éstos 3 grises distintos.


Escala de grises utilizada:

Escala de grises

La escala se constituye por un gris muy claro, uno intermedio y uno muy oscuro que actúa como la sombra más fuerte.


Serie Tauromaquia:

Aguafuerte + Aguatinta

Es la mezcla de ambas técnicas. Por un lado se tiene lo que podríamos llamar el "cuerpo" o "relleno" de los elementos que componen un determinado grabado. Y por otro lado tenemos los contornos equivalentes a las tramas en Aguafuerte. Esto es una ganancia en la paleta gráfica, pues se van sumando elementos complejos que aportan un mayor acercamiento a esta "traducción" de lo cromático a lo Acromático.


A continuación una reproducción del fragmento de una obra de Picasso titulada "L' Autreche", que representa la mezcla de ambas técnicas para mostrar con mayor detalle un dibujo determinado.



En conjunto ambas técnicas son armónicas y entendibles al instante; Al desglosar o separar la paleta de trazos que se genera, se deduce que el tamaño /grosor de las líneas son lo que más contraste genera en la obra.


Ensayo: “El grabado y la pintura: aproximaciones al puente que conecta ambas técnicas”

Puntos a tratar:

  • Contextualización de lo que es el grabado y la pintura (a grandes rasgos)
  • El color y el no color.
  • Johannes Itten y el contraste Claroscuro.
  • Relevancia del “no color” del grabado en cuanto a la complejidad gráfica que posee y aporta.
  • Caso específico de estudio (“El Rabino”- Marc Chagall).
  • Conclusión.


El grabado y la pintura.

Cuando hablamos de pintura, se nos viene de inmediato a la mente el concepto de “color”; La pintura podría ser definida como un estudio mediante el cual un determinado artista compone la realidad que está viendo con colores en un lienzo. En el caso del grabado, no existe una relación inmediata con el color; si bien se pueden realizar grabados a color, existe un entendido cultural que establece una relación a-cromática cuando se utiliza la palabra “grabado”. Etimológicamente, la palabra “grabar”, significa trazar en una materia, marcas, letras o imágenes con una pieza incisiva, y procede del francés “graver”, con el mismo significado.

El grabado es entonces una técnica de impresión que consiste en dibujar una imagen sobre una superficie rígida llamada matriz, dejando una huella que después alojará tinta y será transferida por presión a otra superficie como papel o tela, obteniendo varias reproducciones de la estampa. La matriz suele ser de metal empleándose generalmente planchas de cobre o aluminio (Aguafuerte-Aguatinta), aunque también se usan otros materiales como madera o piedra. (Xilografía y litografía respectivamente).

Tomando en cuenta esta primera definición básica de ambos conceptos, podemos empezar a adentrarnos en el secreto que existe o el desconocido que aparece cuando un mismo autor (el pintor /grabador) se identifica con estos dos oficios y los realiza sin darle relevancia a uno por sobre el otro. Es decir, que ambos oficios se encuentran en un mismo nivel.


El color y el no color

“El color” como concepto, es muy amplio; puede ser abarcado desde el punto de vista de la química, la física, la ciencia y la tecnología; como también desde un punto de vista visual, de sensaciones, más subjetivo. Pero para la temática que pretendo tratar en este ensayo, me enfocaré en la sensación del color, dejando un poco la teoría de lado y utilizándola solo como un ancla que permita mantener un equilibrio entre lo objetivo y lo subjetivo. Ahora, lo que llamo el “no color” es básicamente una definición sencilla de lo que sería lo blanco y lo negro; En definitiva, la escala de grises. Entra en juego el reconocimiento de sombras y luces por medio de los grises, que de cierto modo vendrían a ser la traducción de los colores de una determinada obra.


Johannes Itten y el contraste Claroscuro

Claroscuro1.jpg

El texto “Arte del Color”, de Johannes Itten, actúa como un manual o una especie de guía para quien quiera descubrir la complejidad que existe en el mundo de los colores cuando de contrastes se trata. El mismo Itten definirá el concepto de “contraste” de la siguiente manera:

“Se habla de contrastes cuando se puede constatar entre dos efectos de colores que se comparan, unas diferencias o unos intervalos sensibles. Cuando éstas diferencias alcanzan un máximo, se dirá que se trata de un contraste en oposición o de un contraste polar. Así, las oposiciones caliente- frío, blanco- negro, pequeño- grande llevadas al extremo son contrastes polares”.

Por lo tanto, si los contrastes se manifiestan a modo de “diferencias” o “intervalos sensibles”, podemos constatar que en el mundo del grabado (no color) también se puede hablar de contraste: El grosor de los trazos, la intensidad de un gris respecto a otro, la densidad de las tramas en un sector en comparación a otro, etc. Serán diferencias que concretamente podrán ser encasilladas en el contraste Claroscuro; pues es la escala de grises la que manifestará unos intervalos sensibles y reconocibles por un lector determinado.

El Claroscuro en el color se expresa como la descomposición de sus tonalidades para que se genere mayor o menor luz con un mismo color. Lo mismo pasa con el no color; es una descomposición de un negro inicial, que genera unos grises que se siguen hasta llegar al blanco.

Lo bueno de tener claro que este contraste se presenta tanto en lo cromático como también en lo acromático es que empieza a tener más lógica la sentencia que expresa que el grabado viene a ser una traducción de la pintura. En la pintura, cada color con su respectiva luminosidad pasará a transformarse en un gris para el grabado.

Relevancia del “no color” del grabado en cuanto a su complejidad gráfica.

La paleta gráfica de la que se nutre el grabado tiene una riqueza muy grande por la cantidad de elementos distintos que se pueden reconocer en él; por un lado existe lo más esencial y básico, que sería ésta diferenciación lumínica que se da gracias al Claroscuro. Pero lo interesante será notar cómo en el grabado se puede llegar a estos intervalos a veces sólo por medio de distintas tramas en distintas direcciones o por medio de un entintado que está pensando para hacer valer este contraste. En definitiva, las variables en el grabado son muchas, por lo que siempre podrá existir un resultado nuevo de una misma plancha dibujada.

La “traducción” del color al no color tiene una ganancia extra que equivale entonces a esta nueva complejidad gráfica en la cual el aporte será el de cada vez poder descubrir de qué nueva manera se puede interpretar un determinado color o tonalidad por medio de tramas y grises que vengan a realizar una especie de “mapeo de color”.

Ahora, hay casos en los que esta traducción de la que hablo se puede dar de modo invertido; es decir, que de un grabado en blanco y negro, se pueda llegar a una pintura en color. Esto es, poder llegar a una forma de pensar la escala de grises como colores.

Caso específico: Marc Chagall "El rabino".

A modo de ejemplificación, tomo como referencia una obra de Marc Chagall titulada “El Rabino” la cual tiene la cualidad de existir en ambas versiones: Como pintura y como Grabado; y que además el grabado fue realizado anterior a la pintura. Esta situación habla de un proceso previo equivalente a un estudio, en el cual hay una relación directa con el dibujo, los contornos, y los rellenos que luego pasarán a convertirse en colores.


Lo interesante de esta obra, es que en la versión primera (Grabado en aguafuerte, blanco y negro) se puede deducir que el autor no invirtió la imagen antes de llevarla a la plancha, pues luego en la pintura, notamos la posición real a la que quería referirse.

Detallerabino.jpg


En este caso podemos decir que la traducción viene del grabado a la pintura; todas las zonas correspondientes a un negro intenso en el grabado, son traspasadas luego a colores de una misma intensidad en cuanto a oscuridad y sombreado. El velo blanco del Rabino, mantiene sus luces en la pintura. También así el traje que utiliza, y el limón que lleva en la mano. Cuando se pasa de una técnica a la otra, es necesario tener en cuenta cual es la luminosidad que posee cada color en la pintura. Y es aquí donde se hace necesario tener una comprensión lógica y objetiva de los contrastes que presenta Itten. Los contrastes ayudarán a tener un mayor cuidado con la selección de colores para una determinada obra.

Conclusión

Finalmente, la paleta gráfica del grabado no es menor en comparación a la paleta de colores en la pintura. Sólo son distintas, y se conforman con elementos que son propios de cada técnica. Lo que se puede crear con la escala de grises tiene una riqueza paralela a lo que se crea con el color. Es un modo de representar el mundo de las luces con otros rangos que se interpretan, traducen y vinculan indirectamente con el color. No es "el uno o el otro", es "el uno con el otro". Si no hay color, hay escala de grises; si no hay escala de grises, hay color. Se está nuevamente en el entendido de que estamos hablando de dos realidades distintas, que comparten elementos comunes y también tienen diferencias, pero que por si solas conforman lenguajes propios que puede ser entendidos sin requerir el uno del otro.