Estudio del Color, Luminosidad y Espacio a través de Rembrandt

De Casiopea



TítuloRecorrido y Fusión de Planos a través del Contraste
Tipo de ProyectoProyecto de Taller
Palabras Claveabstracción, luz, proyecto 1, color
Período2016-2016
AsignaturaTaller del Color
Del CursoTaller del Color 2016
CarrerasDiseño Gráfico
Alumno(s)Catalina Cea
ProfesorHerbert Spencer, Pedro Garretón

Recorrido y Fusión de Planos a través del Contraste

El estudio del color comienza a partir de la reproducción de una obra a elección de Rembrandt, considerado el padre de la fotografía, a pesar de que en aquella época no existía como tal. Es posible rescatar en sus obras fotogramas precisos en los cuales destaca la temporalidad que puede llegar a comunicar algo estático y aparentemente sin vida. Además de eso, es considerado el precursor de la fotografía debido al minucioso control de la luminosidad en la escena, la cual puede llegar a guiar la lectura que uno tiene de la escena presentada en cada cuadro, presentando una narración, lo que le otorga la cualidad de temporalidad.

Reproducciones

Primera Obra

Paisaje con Puente de Piedra

  • óleo sobre madera
  • Dimensiones: 29,5 x 42,5 cms
  • Año: 1638
  • Técnica Reproducción: Acuarela.
Estudio del Color

Rembrandt se caracteriza por hacer obras con un contraste basado en el claroscuro. Generalmente en sus obras qque representan escenas están iluminados algunos rostros en particular, para destacarlos, pero en esta obra se presenta un paisaje el cual tiene dos árboles que están muy iluminados, respecto a todo lo demás: el cielo, los demás árboles, el agua, las personas. Hay tanto contraste (oscuridad) en los bordes, que pareciera que enmarcan a los dos árboles del centro, como si hubiesen dos focos apuntándolos. Respecto a las tonalidades o paleta de colores, se observa al reproducir la obra y a través del estudio, que las sombras son hechas con una variedad de tonos y no pertenecen a una misma gama.

Composición: Obra Original y Fragmento

La composición del cuadro se centra principalmente en contrastar los elementos claroscuros, haciendo destacar el centro luminoso que está en medio del espacio, los dos árboles que más resaltan. Como antes se mencionó, la gran cantidad de elementos oscuros que están al borde de la obra pareciese que están enmarcando a dichos elementos. Además, da la sensación de asimetría en el cielo (las nubes oscuras con un orden u ocupación del espacio en diagonal) además del gran árbol también oscuro a la izquierda inferior en conjunto con la zona de tierra. Todo esto va generando pesos visuales, los cuales pareciesen estar paralelos de la forma diagonal en el espacio de la obra.

Al fragmento de la obra para ser reproducida, se tomó en cuenta, en primer lugar, que se siguiera presentando el contraste claroscuro ya que es lo fuerte del pintor, y en segundo lugar, que los elementos estuvieran en una ubicación en donde el paso visual que generaran no estuviese sobrecargando el general de la obra. Si bien el árbol en altura, la nube oscura que desciende y el barco están hacia el lado izquierdo, el hecho de que a ese lado también haya un gran espacio de cielo claro que le quita un poco el peso a pesar de que a ese lado existan más elementos en los que fijarse.

Análisis del Guión

Si bien Rembrandt tenía, por decirlo de alguna forma (en sentido figurado) caso un rol social al ilustrar escenas de libros (sobre todo religiosos-cristianos), también hacía retratos y paisajes como la obra estudiada. Es considerado parte del siglo de oro del paisaje holandés, según el sitio harteshistoria.com. Además, aquí se le asigna un carácter religioso por parte de la iglesia protestante de dicho país. Se relaciona aquí con el puente que enmarca algo iluminado como el centro de los pecados.

Ahora, yéndose por parte de la observación, el hecho de que haya tanta oscuridad bordeando la obra indica algo de tenebrosidad en dicho paisaje, de que a pesar de que sea de día, el quehacer de las personas comunes y corrientes (ya que no resalta ninguna persona en particular) es así: los hombres en el bote, o el hombre y el animal en el horizonte de los árboles. Además, el predominante cielo que amenaza al día soleado. Todo eso pareciese indicar que existe una sombría atmósfera dentro del paisaje en general.

Por ende, no es muy lejana la visión Cristiana sobre la obra de la visión a través de la observación, y conocimiento colectivo de ciertos elementos.

Segunda Obra

El Buey Desollado

  • óleo sobre madera
  • Dimensiones: 94 x 69 cms
  • Año: 1655
  • Técnica Reproducción: Acuarela.
Estudio del Color

Lo que más destaca en el estudio realizado en la obra de Rembrandt es la no-separación de la figura que destaca lumínicamente dentro de toda esa oscuridad. Al estudiar la luminosidad de los colores minuciosamente se pudo llegar a la afirmación de que no existe una separación lumínica entre la figura iluminada o principal y el fondo oscuro, si no que ese cambio lumínico se produce a través de la creación del volumen de la figura, es decir, de las curvaturas de la carne, es por eso que la transición lumínica de la pared y el objeto que está más adelante no es abrupta.

Composición

Basado en la composición (2D) en la disposición previa e los objetos para ser pintados, se pueden establecer relaciones espaciales obvias, pero si se relacionan con el color, es posible relacionar el último plano con el primero, el objeto principal, ya que como bien se explicó antes, lumínicamente los colores coinciden, se unifican y crean en el límite de ambos planos uno solo. Por eso, el pilar que aparece encima, más ademante que todos los demás planos, por la perspectiva, y luego de forma abstracta, la unificación y transición de planos y de forma curva.

Abstracción en Volumen

A partir del estudio realizado al reproducir las obras, además de las relaciones de colores en la paleta cromática, se realizó un estudio volumétrico de la obra, la cual debe presentar la puesta en escena del pintor, además de respetar la composición propia de la obra. Con esto se pretende mostrar tangiblemente las relaciones de colores que presenta dicha obra.

Geometrización de la Forma y Relación de Colores

El primer paso para abstraer las formas luminosas es hacerlo sólo a través de blancos y negros. En primer lugar se rescatan únicamente las formas (distintos volúmenes) y en segundo lugar, las diferentes luminosidades que existen entre los colores, ya que con el color mismo puede resultar compleja dicha abstracción.

A partir del proceso de abstracción anterior se realiza lo mismo pero con colores, y de esta forma va formando medidas, una idea más concreta. Es casi una transición de la obra original geometrizada. Así, simplificada la forma original, se pueden establecer relaciones entre los colores.




Espacio y Relación Cromática

La disposición de los colores en la paleta cromática enmarca la relación entre ellos como tonos, y además en su ubicación con el espacio. Esto quiere decir, o más bien presenta no literalmente el cómo los colores se relacionan totalmente entre ellos. Por ejemplo, el blanco está muy alejado del negro, o también lo está el rojo del verde, pero sin embargo, al ser puestos ambos colores van a contrastar altamente. Al contrario, en la transición de la paleta cromática se puede ver también una transición entre los colores y la separación de ellos, es decir, las múltiples relaciones que puede tener un mismo tono.

Luminosidad y Ley de Abstracción

A través de la observación y la abstracción de la figura volumétrica se puede ver detenidamente la ley de abstracción de la obra original, la cual está hecha a partir de planos curvos grandes y de volúmenes más complejos hechos principalmente por triangulaciones predispuestas de manera oblicua. La luz está ubicada en la parte superior, por ende, existe una degradación de la luz a medida que se desciende la vista por el volumen.