Ensayo Arquitectura Barroca,VISIÓN PANORÁMICA DEL MUNDO

De Casiopea

Contexto Histórico

El barroco está comprendido entre los siglos XVII y mediados del siglo XVIII y está entre el renacimiento y el neoclasicismo. Sus inicios se ven impulsados por la inestable situación del catolicismo que se ve fraccionado por la reforma luterana y obligado a crear una contrarreforma donde se ve un cambio en su visión de mundo , y se defiende su doctrina para protegerse de las distintas iglesias protestantes , la religión católica se ve obligada a crear nuevas órdenes religiosas para fortalecerse, una de estas órdenes son los jesuitas o compañía de Jesús, la contra reforma estipulada en el concilio de Trento (s.XVII).De manera triunfalista el catolicismo quiere manifestar esta fuerza y dominio y ve en las artes una manera de difundir el credo , entre la gente común, mostrándoles de manera simple los misterios de la fe y la gloria celestial a la cual podían aspirar.

Claramente Este importante cambio no solo afecta la religiosidad , si no también sociedades y economías que se ven representadas diferentes en la construcción de las naciones de las iglesias protestantes donde las monarquías son mercantilistas que en las naciones católicas de monarquía absoluta.

La sociedad católica de este periodo está compuesta por la aristocracia y el campesinado siendo este último supeditado a una tradición feudal. Reflejo de esta fragmentación en la religión, es el arte y la arquitectura denominados Barrocos, que se manifiesta en los distintos países europeos con características propias en cada país.

La génesis de la arquitectura barroca se inicia en Italia, con figuras tan determinantes como Gian Lorenzo Bernini y Francesco Borromini. En Francia el barroco adquiere caracteres más sobrios que en Italia, con plantas menos complicadas, fachadas más severas, mayor respeto por las proporciones y renuncia a los efectos violentos, es un arte fundamentalmente al servicio de la monarquía absoluta, y su gran realización será el Palacio de Versalles.

En España, la arquitectura barroca va a estar presidida por el gusto por la desornamentación y la sobriedad que había introducido el estilo herreriano, con importantes edificios en los que impera un estilo mesurado y casi clásico. Palacio de los Capitanes Generales, en La Habana.

En América, tras la conquista española, el lenguaje del barroco se desarrolló en forma importante ganando riqueza con la mano de obra y los conceptos propios de la arquitectura y arte precolombinos, como el uso extensivo de colores brillantes, destacándose en forma especial el barroco mexicano y el cubano.

En Alemania y en Austria la inspiración italiana combinada con la francesa creará edificios de gran exuberancia decorativa, sobre todo en los interiores, de luminosidad brusca, que darán paso al estilo Rococó.

En Inglaterra predomina el equilibrio y la austeridad.

Ciudad Barroca/Ciudad Capital

Al ser las monarquías las que tiene el poder absoluto y el territorio de estas, poco abarcable debido a su extensión en totalidad, se implanta una burocracia asentada, donde los documentos y servidores, se encuentran en un solo edificio. Este asentamiento da paso a un cambio en la organización del territorio y la ciudad.


La ciudad pasa de ser una organización por si sola municipalizada y se crea la ciudad capital, dicha ciudad es el reflejo del estado en forma visible ante el territorio, esto produce un decaimiento de la autonomía en las ciudades libres de la edad media. La ciudad pasa a ser sinónimo de poder y autoridad de la monarquía y la consolidación del poder político del rey, cuya importancia se mide por su tamaño y por el número de sus habitantes.

Al ser la ciudad capital el reflejo de la nación es esta en su totalidad la que mantiene la ciudad capital, donde se encuentra la clase privilegiada, la corte, el ejército, economía y la burocracia, por lo que los provincianos están descontentos porque sienten que mantienen estas ciudades. A la vez las capitales son reflejo de todo pero no pertenecen a nadie. La ciudad capital barroca, es dinámica y abierta a sus propios límites.

Estas ciudades heredan el planteamiento del renacimiento y de las ciudades ideales, que se configuraban en base a la armonía geométrica. En el barroco se presentan las ciudades como una obra de arte que se percibe visualmente de forma inmediata.

En la constitución de la ciudad barroca , no solo se pensaron iglesias , palacios y jardines , también se tuvo conciencia de la colectividad que habita la ciudad , por lo tanto dentro de la unidad del trazado , se encuentran , hospitales, hospicios, escuelas, plazas, paseos, etc. Respondiendo a las necesidades tanto de residencia y ocio de los habitantes, esto es un atisbo de lo que será la ciudad moderna.

Entre las ciudades del Barroco se encuentra Roma donde los centros focales del panorama urbano se subrayaron mediante la colocación de antiguos obeliscos egipcios y altas cúpulas. En París los nodos del sistema viario se definieron por medio de plazas simétricas, en cuyo centro se colocaba la estatua del soberano

La Totalidad en conjugación con la Unidad

En la arquitectura y el urbanismo la línea recta, la perspectiva monumental y la uniformidad son los principios básicos, se mantiene el clasicismo en la forma constructiva, pilares, arcos y cúpulas, siguen siendo la base de toda obra arquitectónica, pero las transforma de manera fantasiosa. A veces el edificio llega a ser como una gran escultura. Los entablamentos adoptan la curva y los frontones se parten y adoptan curvas, contra curvas y espirales. Todo en un orden dentro de trazados de plantas en base a figuras geométricas como el triangulo equilátero y Se adopta la elíptica, la forma oval y otras formas (como la de abeja de Borromini). Las paredes son cóncavas y convexas, es decir siempre onduladas. Se llega al abandono de líneas rectas y superficies planas.

Las obras presentan un nuevo tipo de planta que ofrece planos oblicuos para dar sensación de movimiento (espacios dinámicos), en la más estática de las artes. Gusta de representar o sugerir el infinito (un camino que se pierde, una bóveda celeste, un juego de espejos que altere y haga irreconocibles las perspectivas). Éxito del orden gigante, con columnas que abarcan 2 o 3 pisos. No faltan los campanarios, solos o en pareja, muy decorados.

Se utilizan efectos de luz, juegos de perspectiva. Da importancia a la luz y efectos luminosos, a través del claroscuro. Búsqueda de la sorpresa. Gusto por lo dramático, escenográfico y teatral. Gran riqueza decorativa y exuberancia formal tanto en los espacios interiores como al exterior, aunque más sobrio. Amor desenfrenado por lo curvilíneo y el triunfo de la columna salomónica. Arcos y frontones mixtilíneos, ventanas ovaladas. El arco descansa sobre la columna por medio de un entablamento (al modo romano), o descansa directamente sobre el capitel (modo bizantino). Ambos modos fueron empleados en el Renacimiento. Se utilizan grandes cartelas.

La creación de nuevas tipologías para edificios concretos. Las obras son: palacios, religiosas, urbanísticas, grandes jardines y galerías (que luego daría lugar a las galerías de arte).

En cuanto al urbanismo nace el interés por el cuidado con el contexto en el que se emplazan las obras un contexto urbano que la recibe y la hace parte de un trazado mayor y parte del panorama de ciudad. La herramienta que logra esta inmediata percepción visual, es la perspectiva que está en las composiciones tanto de la arquitectura, pintura y escultura y ya en el s XVIII. Adquiere su apogeo en el urbanismo. Siglo que más tarde será nombrado clásico en materias urbanísticas.

La perspectiva nace como orden jerárquico entre edificios , jardines y espacios públicos, generando un skyline, dando una gran importancia al recorrido y visualización de la extensión, generando una visión total y relación entre el palacio , sus jardines y el trazado de la ciudad un despliegue urbano de la arquitectura que presentan a la ciudad desde un solo punto de vista y desde un solo trazo, donde la lejanía y la profundidad se ven conjugados con lo cercano y se busca una continuidad para producir una impresión estética .Nuevamente el fundamento absolutista , donde un solo punto de vista representa el poder de la monarquía. El siglo XVIII es el de la madurez de urbanismo barroco, donde la arquitectura toma una dimensión de arte urbano, que se impone en la conformación de todas las artes.


En 1585 el Papa Sixto V inició las obras para la transformación urbana de Roma, encargando a Domenico Fontana la conexión entre los principales edificios religiosos de la ciudad por medio de grandes ejes viarios rectilíneos. El proyecto, que se basaba en la ratificación de Roma como ciudad santa, estableció el precedente para las intervenciones que se habrían de llevar a cabo en diversas ciudades europeas.

En líneas generales, la plaza barroca cedió su función tradicional cívica y publica para convertirse en un medio de exaltación de la ideología religiosa o política, como en el caso de las plazas reales francesas (la Plaza de los Vosgos o la Plaza Vendôme, por ejemplo) o de la Plaza de San Pedro de Roma.

Arquitectos y obras

ITALIA

GIANLORENZO BERNINI Y FRANCESCO BORROMINI. Las obras de los dos arquitectos barrocos han dado una grande contribución al aspecto de la ciudad, notablemente embellecida por preciosas fuentes, palacios, villas, parques, y otras importantes construcciones. Sobre todo Bernini diseñó muchas fuentes elegantes, de las cuales la más elaborada está en Plaza Navona. Borromini construyó el patio de Palazzo de la Sapienza, San Carlo alle quattro Fontane, la iglesia y catedral de Sant'Ivo, Sant'Agnese in Agone, y el Oratorio dei Filippini.

CARLO MADERNO, destaca por sus edificios religiosos como Santa Susana, Santa María de la Victoria, y concluye la basílica de San Pedro del Vaticano, y a Giacomo della Porta, sucesor de Vignola, que hizo la fachada de El Gesú. Maderno es el primer escultor que defiende los ideales del barroco. GUARINO GUARINI, es otro de los grandes arquitectos del período. Sus formas se inspiran en el gótico y en el mudéjar. Trabaja, sobre todo, en Turín donde realiza obras como la iglesia de San Lorenzo, con una bóveda al estilo cordobés, el palacio Carignano y la capilla del Santo Sudario. BALTASAR LONGHENA, que trabaja en Venecia, donde construye Santa María de la Salud y el palacio Pésaro. PIETRO DI CORTONA, discípulo de Bernini, que tiene un lenguaje más sereno. Construye la iglesia de los santos Lucas y Martín, y las fachadas de Santa María de la Paz y de Santa María in vía Lata. Otros arquitectos son CARLO RINALDI: San Andrea della valle. MARTINO LUNGHI el Joven: iglesia de los santos Vicente y Anastasio. BERNARDO VITTONE, que trabaja en Turín. Es el iniciador de los excesos decorativos del rococó. Ejemplo de su arquitectura es la capilla de Vallinoto, y la iglesia de las Clarisas de Bra. FERDINANDO FUGA, trabaja en Nápoles, de estilo rococó, antes de ser representante del neoclasicismo; factoría de porcelana de Capodimonte. LUIGI VANVITELLI, que trabaja en Nápoles y Sicilia, que en aquella época pertenecían a la corona española: palacio de Caserta, iglesia de Vanvitelli en Nápoles. FILIPPO JUVARA, el mejor representante del barroco tardío y sereno. Es un auténtico precursor del neoclasicismo. Entre sus obras destacan la fachada del palacio Madama, en Turín, palacio de caza de los Stupinigi. BENEDETO ALFIERI, discípulo de Juvara, palacio real de Turín.

ESPAÑA

FRANCISCO DE MORA, JUAN DE NANTES, GIOVANNI BATTISTA Crescenzi, FRANCISCO BAUTISTA, representante del estilo jesuítico: iglesia de San Isidro de Madrid, Alonso Carbonell que diseña el Buen Retiro. JUAN GÓMEZ DE MORA, el más representativo. Trabaja en la corte de los Austrias, en Madrid: plaza Mayor, la cárcel de la Corte, colegio de los jesuitas de Salamanca. ALONSO CANO, aunque más conocido como pintor y escultor es el arquitecto más importante de momento. Construye la fachada de la catedral de Granada. FRANCISCO HURTADO IZQUIERDO, que realiza sus mejores obras en Andalucía: Cartuja de Granada. JOSE JIMÉNEZ DONOSO: casa de la Panadería en la plaza Mayor de Madrid. SEBASTIÁN DE HERRERA BARNUEVO, el Parnaso, JOSE PEÑA DE TORO, en Salamanca, a quien se le encargó dar un aspecto barroco a la catedral de Santiago de Compostela, DOMINGO DE ANDRADE: torre del reloj de Compostela, MELCHOR VELASCO DE AGÜERO SALVADOR DE CELANOVA y FELIPE BARROJO: iglesia de la Pasión de Valladolid.

En el Pilar de Zaragoza trabajarán Francisco Sánchez, Francisco Herrera el Joven, Ventura Rodríguez y Domingo Yarza. Salomón Brosse: palacio de Luxemburgo.


FRANCIA

JACQUES LEMERCIER, es el arquitecto francés más representativo. Construye la iglesia de la Sorbona, y el palacio de Richelieu en Poitou. LOUIS LE VAU: hotel Lambert. FRANçOIS MANSART, a quien se supone inventor de las guardillas: mansión Laffitte. Pero en Francia destacaron dos proyectos reales monumentales, el Louvre, en el que trabaja CLAUDE PERRAULT. Versalles, en donde trabajan LOUIS LE VAU Charles le Brun: escalera de los embajadores y galería de los espejos, Jules Hardouin-Mansart, que realiza numerosos hoteles: hotel de los Inválidos, y diseña la ampliación del conjunto de Versalles, una obra maestra que será imitada en todo el mundo. André le Notre, que diseña los jardines.

ALEMANIA Y AUSTRIA

Agostino Barelli: iglesia de los Teatinos de Múnich. Gaetano Chiaveri: iglesia de Corte de Dresde, Jorge Baern: Nuestra Señora de Dresde, Fischer von Erlach es el arquitecto más significativo. Construye la iglesia de San Carlos de Borromeo, con una gran cúpula central y anchos espacios laterales, y la Cancillería Imperial de Viena. Lucas Hildebrand construye palacios y jardines: palacio Alto Belverde. Baltasar Neumann: palacio de Wiuzburg, Jacob Prandtauer: el convento de Melk, siguiendo las ideas del Concilio de Trento.

INGLATERRA

Christopher Wren, es el más conocido. Reconstruye la catedral de San Pablo y Londres, tras el incendio de 1666. Iñigo Jones traduce fielmente las villas de Palladio: trazas del Whitehall en Londres, James Gibbs: biblioteca Radcilffe en Oxford.

La pintura y Escultura

La mejor y más importante pintura durante el período que comienza alrededor del año 1600 y continúa a lo largo de todo el siglo XVII, y a principios del siglo XVIII se identifica hoy como pintura barroca. El arte barroco se caracteriza por el gran drama, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat; el David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. El arte barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.

Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Caravaggio,4 Rembrandt,5 Rubens,6 Velázquez, Poussin,7 y Vermeer.8 Caravaggio es heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento. Su enfoque realista de la figura humana, pintada directamente del natural e iluminada dramáticamente contra un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro; esto puede verse en obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain y La Tour. El pintor flamenco Antón Van Dyck desarrolló un estilo de retrato cortesano, con gracia, que influyó mucho, especialmente en Inglaterra.

La prosperidad de la Holanda del siglo XVII llevó a una enorme producción artística por gran número de pintores altamente especializados, que sólo pintaban el género al que se dedicaban: escenas de género, paisajes, bodegones, retratos o pintura de historia. Los estándares técnicos eran muy altos, y la Edad de Oro holandesa estableció un nuevo repertorio de temas que fueron muy influyentes hasta la llegada del Modernismo.

Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, Vanitas, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de temas religiosos. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. El color predomina sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo. La luz se convierte en un elemento fundamental en la pintura barroca. La luz dibuja o difumina los contornos, define también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores. La utilización de la técnica del claroscuro llega a la perfección gracias a muchos pintores del Barroco.

Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.

Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un gran realismo en la representación pictórica. Se logra la imitación de la realidad teorizada por los renacentistas pero sin la idealización y concepción propias del siglo anterior.

El dominio de la técnica, que logra representar con gran fidelidad la realidad, hace que se intente en ocasiones engañar al espectador por medio de trampantojos. El pintor barroco gusta de perspectivas ilusionistas, especialmente en las Bóveda, que se intentan «romper» visualmente, mediante la representación del cielo y la sugerencia del infinito, recurso pictórico que ya había utilizado Mantegna en la Habitación de los esposos del siglo XV, o Correggio en sus frescos de Parma. Estas decoraciones ilusionistas proliferaron en toda la segunda mitad del siglo y se prolongaron más allá, en el Rococó, en grandes palacios de toda Europa, reforzando el engaño no ya sólo con elementos pictóricos sino reforzándolo mediante el uso de estucos y dorados.

La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes.

En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería con la que se esperaba despertar la fe del pueblo.

La tendencia a la representación de la figura humana con una objetividad perfecta en todos sus aspectos, tanto en los más sublimes como los más vulgares.

Realización de esquemas compositivos libres del geometrismo, lo que choca con la proporción equilibrada del renacimiento. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia afuera. Esta inestabilidad se manifiesta en la inquietud de los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje.

Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con un gran expresionismo.

Pensamiento y Literatura

La fundamentación del racionalismo

El pensamiento racionalista tuvo en el siglo XVII algunas de sus figuras más destacadas: Descartes, Leibniz, Spinoza... Todos ellos relegaron la posibilidad de un saber revelado y defendieron que la razón es la principal fuente de conocimiento humano. De este modo sentaron las bases del racionalismo. Quienes más influyeron en el pensamiento posterior fueron el físico italiano Galileo Galilei y el matemático francés René Descartes.

Galileo Galilei fue uno de los fundadores del método experimental. A partir de sus observaciones, enunció las leyes de caída de los cuerpos y refrendó la teoría heliocéntrica de Copérnico. Debido a sus conclusiones, Galileo fue sometido a un humillante proceso inquisitorial, en el que se le obligó a abjurar de sus argumentos sobre el desplazamiento de la Tierra alrededor del Sol.

René Descartes fundamentó el racionalismo filosófico y científico. Partiendo de la crítica de los sentidos como forma de conocimiento ha de fundamentarse en la intuición de principios incuestionables; desde ese momento, la razón elabora construcciones cada vez más abstractas, siguiendo un método deductivo.

En España, la influencia del racionalismo apenas se dejó sentir. En su lugar, se registra una actitud de escepticismo hacia la naturaleza humana, escepticismo que conduce a una visión pesimista del mundo radicalmente opuesta al optimismo renacentista. Un buen ejemplo de esta actitud lo encontramos en Baltasar Gracián, para quien las únicas armas de que se dispone para combatir el estado de crisis y ruina de la sociedad son el individualismo y la desconfianza hacia los demás.

Es en los años 1920 cuando se empieza a hablar de barroco literario, aunque su período de influencia se ubica entre los siglos XVI y XVII dando la idea de que el movimiento afectó no sólo a la forma y a la plástica, sino también a las formas literarias. Aún más importante, asumir la existencia de un barroco literario supone asumir el barroco como un movimiento de tipo ideológico, no sólo formal y ver su profunda relación con la Contrarreforma

El barroco trae consigo una renovación de técnicas y de estilos. En Europa, y sobre todo en España la Contrarreforma influye en gran medida sobre este movimiento; las expresiones italianas que llegaban desde el Renacimiento se asimilan pero al mismo tiempo se españolizan y las técnicas y estilos se adaptan aún más a la tradición española.

Los poetas barrocos del siglo XVII, siguieron mezclando estrofas tradicionales con las nuevas, así cultivaron el terceto, el cuarteto, el soneto y la redondilla. Se sirvieron de copiosas figuras retóricas de todo tipo, buscando una disposición formal recargada. No supone una ruptura con el clasicismo renacentista, sino que se intensifican los recursos estilísticos del arte renacentista, en busca de una complicación ornamental, en busca de la exageración de los recursos dirigidos a los sentidos, hasta llegar a un enquistamiento de lo formal.

En este siglo XVII en que aparece el movimiento barroco se intensifican los tópicos que ya venían dándose en el Renacimiento, pero en especial los más negativos: fugacidad de la vida, rapidez con que el tiempo huye, desaparición de los goces, complejidad del mundo que rodea al hombre, etc.

La Literatura del siglo XVI se expresaba en un estilo sereno y de equilibrio; el barroco del XVII viene a desestabilizar esa serenidad y diversas fuerzas entran en conflicto. Estas características se dan en toda Europa y en cada país toman un nombre diferente:

Eufuismo le llaman los poetas ingleses

Preciosismo en Francia

Marinismo en Italia

El cambio de mentalidad en las personas y una cierta conciencia de inseguridad y de crisis hacen que se extienda una gran preferencia por las características propias de este movimiento. Los escritores del siglo XVII se inspiran en una filosofía de renuncia que es la filosofía estoica de Séneca y al mismo tiempo tienen muy en cuenta el sentido religioso de la vida.

Los escritores españoles del siglo XVII aportan en sus obras la doctrina del desengaño y del pesimismo. No se dejan embaucar por la belleza de la Naturaleza; creen que es falsa y engañadora. Todas estas tendencias se hallaban incipientes en el periodo anterior, en el renacimiento y en el barroco no hacen otra cosa que intensificarse hasta llegar a la exageración.

A finales del siglo XVI, la situación social y política de España predispone a los escritores a imbuirse de lleno en este movimiento: el hambre, la peste, la desigualdad social, los pícaros, los mendigos, las miserias, los sueños de grandeza, etc. Todos estos temas son llevados a la literatura; es una situación apropiada para que nazca esa literatura cuyos cimientos están en la decepción, en el desengaño, en lo poco que valen las grandezas humanas.


Música y Danza

Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas y revolucionarias de la música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales. Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas heredadas del

Renacimiento, pero las voces de dichas obras no son iguales o similares, sino que se destaca la voz superior reduciéndose la escritura de las demás al llamado bajo continuo; esta textura se llama monodía acompañada.

El estilo llamado Barroco musical se caracteriza estéticamente por la preeminencia de lo emocional sobre lo racional, por el género vocal recitativo, en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso melódico -La música ha de ser sirviente de la poesía- y por un auge de la música instrumental pura, es decir, sin relación con consideraciones ideológicas que se deriven de un texto, o funcionales como en el caso de la música de danza.

En esta época se desarrollan la sonata, el concerto grosso y el ballet francés. A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad estética lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión de ornamentos y recursos expresivos. Una característica importante fue que los detalles del arte en el Barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (más tarde la polifonía recuperará con Bach todo el esplendor que la había caracterizado), dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera "entendible" el texto. Esto fue debido en gran parte a la corriente humanista.

Tienen gran importancia la teoría de los afectos, que considera a la música como creadora de emociones, y la retórica, que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical del Barroco

La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música académica, tiene un auge sin precedentes en los siglos XVII-XVIII; por primera vez en la historia, la música vocal e instrumental están en plena igualdad. La música instrumental alcanzó su primera madurez, hay un gran florecimiento en géneros, técnicas, intérpretes y compositores que se acercaban a un profundo conocimiento de los instrumentos.

El cultivo de la música puramente instrumental llevó a un importante desarrollo de la técnica, al servicio de una fuerte expresión emocional. Se destacó el caso del violinista Arcangelo Corelli quien, según el testimonio de François Raguenet, cuando tocaba en público "perdía el dominio de sí mismo", tenía los ojos enrojecidos y, pese a todo esto, lograba expresarse a la perfección. Ballet cortesano y de teatro.

Estrechamente ligado a la música barroca, tanto por cronología como por su estilo, la danza barroca evolucionó en el marco "maravilloso" del ballet cortesano, la tragedia musical o la ópera-ballet. Llamada, en su época la belle dance, se ciñó al gusto de los investigadores y los historiadores de la danza que rehabilitaron un arte y un estilo de danza que el ballet clásico y el romántico habían simplificado y uniformado.

Después de Francine Lancelot y de su compañía Ris et Danceries, numerosas compañías representan, en la actualidad, un repertorio barroco reconstituido, generalmente, a partir de las obras de Raoul-Auger Feuillet y de sus sucesores.


Temperatura Barroca,La Armonía de las Obras

Al estudiar la época del Barroco,nos podemos dar cuenta de la gran inferencia que tiene la arquitectura y el urbanismo como creación de mundo en cuanto a la construcción de ciudades y obras arquitectónicas como también en la construcción de la forma en que se piensa y se ve el mundo.

Todas las artes y pensamientos filosóficos se ven entrelazados con la arquitectura y su manera de componer las obras. Las artes adoptan la teatralidad, la perspectiva las proporciones exageradas, el movimiento y el acto como inspiración para expresarse, la exageración y el adorno están presentes tanto en la literatura como en la música.

Se aprecia también la completitud de una obra en la participación de varias artes que van complementando los espacios y dinamizando sus usos. Se piensan las obras desde y para la colectividad .Logrando una armonía entre el acto y el espacio que se habita.

Si analizamos una obra de música barroca , podemos encontrar una variedad de componentes en la forma en que se concibe la obra, los silencios, la melodía los adornos y los sonidos son enteros dentro de la composición que dan forma a una totalidad de la armonía donde comparten varios instrumentos en un solo ritmo, este ritmo unificador permite que así como varios instrumentos y voces suenan a la vez , también se da cabida dentro de la armonía de la obra al sonido de un solo instrumento, creando momentos dentro de la armonía total. Esto en una analogía con la arquitectura podría ser comparado con los distintos espacios dentro de una obra arquitectónica, donde están presentes los elementos y adornos del total, pero en cada espacios aparecen como protagonistas elementos arquitectónicos que son los que dan cabida al acto mismo del lugar que se quiere construir, este acto presentado como elemento arquitectónico, es el momento dentro de la armonía en la obra de arquitectura.

Estos momentos son la Temperatura de las obras del barroco, los calces entre los diferentes espacios y elementos que magnifican y exaltan las emociones, que hacen vínculo entre el total y lo unitario a través del reconocimiento de la persona como individuo dentro de lo colectivo.

Conclusión

Al estudiar el barroco a través de la arquitectura y el urbanismo, se presenta una conciencia de la armonía entre las partes y el todo dentro de una obra de arte. El todo como la conjugación de la extensión y la obra que recibe las partes y dichas partes como enteros de un conjunto armónico que envuelve los sentidos.

Así en la música, la pintura, la escultura, la literatura, la arquitectura y el urbanismo, se busca la exaltación de los sentidos a través de la emoción. Y en esta búsqueda de la exaltación es donde lo colectivo de una ciudad cobra su importancia y las artes trascienden de ellas mismas para configurarse como arte urbano, que da paso a los primeros atisbos de la configuración de la ciudad moderna donde se atienden las exigencias y necesidades de vida y arte en un sentido comunitario.

Bibliografía Consultada

[1]

HITORIA DE LA ARQUITECTURA OCCIDENTAL BARROCO EN EUROPA DE FERNANDO CHUECA GOITIA.

BREVE HISTORIA DEL URBANISMO LECCION 7 LA CIUDAD BARROCA

HISTORIA DE LA TRAMA URBANA CAPITULO 7 PANORAMICA DEL DESARROLLO URBANO EN EUROPA.