El trazo curvo en el barroco

De Casiopea



Título¿Es el trazo curvo en la geometría del barroco lo que congrega?
Tipo de ProyectoProyecto de Taller
Palabras Clavetrazo curvo barroco
Período2013-2013
AsignaturaPresentación 4.5 ARQ 2013
CarrerasArquitectura
Alumno(s)Constanza Lizama Campos
ProfesorAndrés Garcés, Eduardo Retamales

¿Es el trazo curvo en la geometría del barroco lo que congrega?

Arquitectura Barroca: Extravagancia Ostentosa

Como consecuencia de las nuevas teorías heliocéntricas y la pérdida del antropocentrsmo del hombre renacentista, el hombre del Barroco deja de lado los órdenes y la racionalidad, en la armonía y la proporción; la naturaleza, sin reglas ni orden, sino libre y voluble, pasó a ser una fuente directa de inspiración para la mentalidad barroca. Perdiendo la credibilidad en la verdad, por consecuencia todo se vuelve aparente e ilusorio, ya nada se revela, y por ello todo debe comenzar a investigarse y experimentarse. Época de desengaños, purgas y depresión socio-económica en Europa. La cuestión de la contrareforma impulsada por la iglesia católica en conjunto con una serie de sucesos vinieron a desatar un cambio radical en lo que hasta ese momento desarrollaban arquitectos y otros artistas como pintores, escritores y escultores, entre otros.

Esquema 1 / Elaboración propia

Sobre la Arquitectura

Fachada de la Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane (Borromini). Elaboración Propia

La arquitectura como una representación teatral, festiva, ilusoria y magnífica, cobra potencia en este periodo. Todo se magnifica y las formas curvas rompen con la recta en distintos elementos arquitectónicos. El exterior cobra importancia, sobre todo para la fachada la que ahora posee un espesor que poco a poco se adentra en el edificio (dibujo 1). La arquitectura se vuelve escultórica y teatral. Una serie de formas y diversos elementos de distintos materiales esculpidos en muros, cielos y columnas vuelven el espacio lleno de un sinnúmero de detalles que complejizan forma y espacio al adentrarse y habitar las distintos palacios e iglesias construidos en este período. A riquezas materiales, representaban el poder económico y religioso que existía en esa época ante la sociedad. El clero y la burguesía se vuelven verdaderos mecenas que dan cabida a las distintas formas de expresiones artísticas. Pero ¿es acaso esta ostentosidad en la forma la cual da ese aire escénico y habitar festivo del que se habla al describir el barroco? Sin duda esta y otras cuestiones más deberán desarrollarse a lo largo del estudio del período para ir al encuentro de una posible respuesta que dará lugar a alguna conclusión y certeza con respecto al tema.

Con el fin de dilucidar esta y otras preguntas que irán apareciendo a lo largo del trayecto es que se deben estudiar distintos aspectos del barroco que irán develando momentos claves, es que se traza un trayecto a seguir. El barroco Europeo tuvo su origen en Italia, cuna de este y muchos estilos más. Es aquí donde palacios, iglesias y plazas dieron las primeras luces del estilo que venían a imponer nuevos estatutos a lo que hasta ese momento venía siendo la arquitectura. Francesco Borromini fue uno de los arquitectos iniciadores del movimiento barroco. Es él quien rompe con las reglas existentes hasta ese momento. Trabaja la arquitectura como si fuera una escultura ondulando cornisas y columnas e inventando nuevos elementos tales como los capiteles. Sus principales mecenas fueron miembros de la iglesia católica por lo que la gran mayoría de sus obras son iglesias, colegios propagandistas de la fé y capillas, entre otras que fueron pagadas por miembros de la monarquía los cuales requería palacios principalmente.

Además de Italia, el barroco se desarrolló con fuerza en varios puntos de Europa tales como en España y Francia. Y en otro no tanto como en Alemania, Portugal, Inglaterra, entre otros. Pero sin duda que debido al contexto histórico en donde se estaban llevando a cabo los primeros descubrimientos es que el barroco llega a América acentuando las primeras bases de la Arquitectura con el barroco, es un Barroco Colonial lleno de detalles y decoraciones en las fachadas e incluso con columnas salomónicas al igual que en Europa, el que surge por México, Perú, Brasil, Bolivia Guatemala y Ecuador entre otros. Un aspecto interesante en el barroco americano es la presencia del color mediante diversos materiales tales como piedra, azulejos y ladrillos entre otros. Pareciera ser que en el barroco americano existían simbolismos propios representados tanto en formas como en colores.

FORMA BARROCA ARQUITECTÓNICA

Pareciera ser que el estilo barroco en la arquitectura tuviese una intención distinta a la renacentista. Una intención que se reflejaba en la forma de iglesias y plazas que iba más allá de representar el poder económico y político que la burguesía, la monarquía y la religión católica tenían sobre la sociedad. Si nos fijamos en la geometría de la planta de distintas obras desarrolladas durante este período y las comparamos con plantas de edificios realizados durante el periodo anterior llamado renacimiento podremos darnos cuenta que son totalmente distintas. Centrándonos en el tema de las iglesias y grandes catedrales, por una parte tenemos la planta de cruz latina y la planta central fieles representantes del estilo renacentista, y por otra, tenemos la planta central modificada y la planta ovalada; formas que nacen el período barroco dejando atrás la forma alargada para instaurar una forma más convergente y céntrica.

El Templo en el Renacimiento v/s el Templo en el Barroco

Templo de Renacimiento

El renacimiento es la expresión armónica de la forma desarrollada mediante proporciones matemáticas que conllevan a dar pie a una “belleza perfecta” como los actores de la época la denominaban. Toda esta armonía se basa, como anteriormente fue dicho, en un raciocinio matemático que da cuenta de una teoría proporcionada tomando medidas y escalas del cuerpo humano dado el momento teocéntrico que acontecía en ese momento. La proporcionalidad matemática arquitectónica que viene a revelarse en plantas, columnas, alzados, capiteles, entablamentos, cortes y cornisas, hace de los edificios y templos renacentistas, estructuras que pueden comprenderse racionalmente hablando, en donde su estructura interna está claramente identificada. El cuadrado, el cubo, el círculo y la esfera son las mejores formas empleadas en la arquitectura debido a su perfecta regularidad y racionalidad. Todo ello se concreta en la formulación de la llamada Sección Áurea, o Número de Oro, igual a 1 + = 1, 1618, que corresponde a una proporción considerada particularmente estética. Este nuevo tipo de templo, junto con reunir todas estas características matemáticas y proporcionadas busca aunar las necesidades requeridas por el culto la liturgia cristiana, junto con la utilización de elementos clásicos. La primera fachada plateresca en arquitectura religiosa se presenta en la obra de Diego de Alcaraz, la iglesia de Santo Domingo, que posteriormente se difundirá en la provincia templo con planta de cruz latina de tres naves.

Iglesia de la Conzolazione / Elaboración Propia
San Lorenzo / Elaboración Propia













Templo Barroco

San Carlos de las cuatro fuentes

El Baroco aparece en la época de las órdenes religiosas existentes en los siglos XVII y XVIII. Con el Concilio de Trento se impusieron nuevas normas y una nueva liturgia religiosa que le daba más valor al sermón y a la Eucaristía ante la multitud de fieles. Para que esto se realizara con plenitud se precisaba de una gran visibilidad y una buena acústica. Es aquí donde nacen diversos modelos que proponen dar cabida a los actos y exigencias requeridas por el clero. La primera iglesia y modelo de muchas otras es Il Gesú (ver imagen) que cuenta con una cruz latina tradicional, proporcionando un espacio unitario con circulaciones independientes por capillas laterales y cúpula central en el crucero. A pesar de que este es el modelo primario y modelo, surgen muchos otros más que vienen a dictar las nuevas formas barrocas. Esos nuevos modelos de templos traen consigo la innovación estructural de lo que se venía siendo hasta ahora. La planta rectangular da paso a plantas de forma elíptica, circular mixtas que conforman espacios unitarios y abiertos. El espacio se vuelven curvo; muros, fachadas y cúpulas cambian rectas por curvas. Los adornos vienen a esculturizar el espacio convirtiéndolo en una especie de escenografía teatral. El interior se transforma en un conjunto de elementos que juegan con contrastes luminosos que presentan falsas perspectivas.

Archivo:Il gesú.jpg
San Carlos de las cuatro fuentes

Tenemos dos estilos muy marcados por parámetros paradójicos. Por un lado el renacimiento con todos sus elementos clasicistas, basados en la proporción matemáticas que da una belleza armónica. Y por otro lado el barroco con sus formas curvas que componen espacios convexos y cóncavos que abrazan la eucaristía y el sermón, dos actos litúrgicos de congregación. El espacio cobra un sentido teatral, escultórico, los muros dejan de ser meros elementos estructurales y se transforman en espacios que contienen el cuerpo y lo adentran al espacio que contienen. El juego de claro oscuros da un espesor habitable. Una persona que viene a dar un vuelco a lo que se concebía por barroco hasta el momento ( Il Gesú) es Francesco Borromini, arquitecto que dedicaría su vida a la realización de obras que innovaron el sentido de lo que hasta ahora era el espacio litúrgico – religioso. De concebirlo como una procesión, un trayecto peregrinado hasta el altar en donde este era el fin de aquella procesión. La planta contaba con un umbral de acceso y un fondo, majestuoso y supremo al que el deboto debía quedar ante el altar. En el barroco la planta cobra dimensiones distintas a la de cruz latina, su forma se hace curva y elíptica. Ya no existe un fondo sino que aparecen dos polos con la elipse que vienen a concretizar una nueva forma de concebir el espacio.

¿ES EL TRAZO CURVO EN LA GEOMETRÍA DEL BARROCO LO QUE CONGREGA?

Elementos arquitectónicos / Elaboración Propia

En el Barroco se vive un desencanto y un desengaño constante en la sociedad provocada por la pérdida de la fe, las guerras, las crisis económicas, los nuevos descubrimientos y adelantos científicos. Es por esto que comienza un revuelo en las artes, todo se cuestiona y se analiza, hay un redescubrimiento de la creación artística. La creación de la geometría analítica hecha por Descartes (que sigue los postulados de Euclides) y la geometría proyectiva creada por Desargues en el barroco son sin duda aspectos que dieron paso a la creación de nuevas formas en el arte en general. El dinamismo comienza a cobrar relevancia tanto en la pintura, la escultura y la arquitectura. Las obras son el resultado de la mezcla y acumulación de elementos diversos que complejizan la forma en donde el conjunto se pone a disposición de la unidad. La recta es abandonada y reemplazada por la curva, aparecen nuevas formas y elementos arquitectónicos: columna salomónica atlantes, carótides, frontones curvos, Oculí, estípites, entre otros (ver imagen 1), ambos basados en elementos geométricos matemáticos como la elipse, la parábola, la hipérbola, el cicloide, el sinusoide y la hélice cónica (ver imagen 2).




Elementos Matemáticos / Elaboración Propia

Dentro de los arquitectos más destacados tenemos a Francesco Castelli (Francesco Borromin), Lorenzo Bernini, Longhena Baldassare, Carlos Maderno, entre otros. Ellos dan claros ejemplos de la innovación arquitectónica especialmente en los templos; la planta central modificada. Esta planta viene a ser una especie de núcleo de atracción que sirve a su vez de focos de irradiación social-religiosa, espacios de congregación en donde la convexidad y la concavidad abrazan espacialmente la reunión. Todo esto viene a darse de tal manera debido a que la idea propagandística de religión que instaura la iglesia, requiere un espacio escenográfico que llama la atención del espectador/habitante convirtiéndolo en protagonista de la obra ya que lo integra a la escenografía mediante un espacio visualmente unitario, con una riqueza lumínica y con trazos curvilíneos.




San Andrés del Quirinal

Sin duda que los arquitectos mencionados anteriormente innovaron con sus plantas curvas convexas. Vamos a ver algunos ejemplos. San Andrés del Quirinal es una iglesia construida en el año 1658 por el arquitecto Lorenzo Bernini. De planta ovalada con su acceso y altar mayor en el eje menor conforma un eje central en el cruce de ambos ejes que es un punto de divergencia hacia los demás altares que rodean y se concentran alrededor del cruce.

San Carlos de las cuatro fuentes

San Carlos de las cuatro fuentes construída en el año 1634 es otro ejemplo, uno de los más destacados del barroco y obra culmine en donde esplende toda la creación de borromini. Planta ovalada que nace a partir de dos triángulos opuestos con base común. El acceso y el altar mayor en su eje mayor potencia la transición espacial entre dos polos que mantienen al habitante contenido en una interioridad enaltecida por sus columnas y luz cenital proveniente de la cúpula ovalada.


Santa María de la Salud

Santa María de la Salud construida en el año 1631 por Baldassare es una basílica de planta central. Espacio concéntrico visualmente unitario que jerarquiza un trazo curvo que abraza e invita a recorrer el espacio en forma de espiral más que en un trayecto de peregrinación.

La nueva geometría barroca viene a unificar el espacio haciéndolo un todo enaltecido por la verticalidad de sus columnas y por la iluminación cenital que se difumina hacia los costados haciendo que la mirada acompañe el trayecto en un ángulo elevado. El espacio se hace convergente en un punto (cruce de los dos ejes) y a la vez divergente hacia sus distintas concavidades que juegan entre lo convexo y lo cóncavo.

SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES

Francesco Borromini

Sobre Borromini

Imagen 1 / Francesco Borromini

Francesco Castelli, más conocido como Francesco Borromini (ver imagen 1) fue un arquitecto suizo-italiano nacido en Bissnone, Suiza el 25 de Septiembre de 1599, hijo de un cantero y una amada de casa Es considerado uno de los mayores exponentes del barroco en todo el mundo. Comenzó su camino hacia la arquitectura ayudando a su padre en la cantera, hasta que sus padres lo envían a Milán para que estudiara y se perfeccionara. En el año 1619 llega a Roma a trabajar con su pariente lejano Carlo Maderno en la Basílica de San Pedro. Después trabaja con Lorenzo Bernini en el Palazzo Barberini como su asistente. Es en esos años cuando nace una enemistad eterna con Bernini. Entre 1644 y 1655 es nombrado arquitecto principal de Roma, en donde tuvo mayores oportunidades de realizarse como arquitecto.


Los criterios arquitectónicos que Borromini instauró fueron:

• Planta central

• Materiales simples y económicos, dada la escases de recursos con los que realizaba sus obras.

• Incorporación de la escultura en el espacio arquitectónico.

• Dinamismo espacial.

• Uso de la luz.

• Orden gigante, ver fachada de San Carlos (ver dibujo 2)

• Esquema geométrico modular

Su primer encargo independiente fue San Carlos de las cuatro Fuentes (ver dibujo 2) hecho por la Orden de los Trinitarios Descalzos. A cambio de que su trabajo no fuera remunerado pidió total libertad en la toma de decisiones sobre la obra.

SOBRE LA OBRA

Datos duros

Arquitecto: Francesco Borromini

Cronología: Iglesia 1638-1641, Fachada 1665-1667

Ubicación: Roma, Italia (ver dibujo 1)

Materialidad: Ladrillo, estuco

Dibujo 1 / Emplazamiento esquemático / Elaboración Propia
Dibujo 2 / San Carlos de las cuatro Fuentes / Elaboración Propia










Si bien el tamaño del predio en donde debía construirse la iglesia, era bastante pequeño y se contaban con pocos recursos. Borromini se las ingenia y propone una planta ovalada en la que todos los elementos se integran para conformar un espacio unitario. Los elementos integradores que Borromi establece son:

• Columnas Gigantescas de Orden Compuesto: Dieciséis de ellas están dispuestas alrededor de toda la planta. Estas configuran la forma curva de los muros dando paso al dinamismo que aporta el juego de claroscuros.

• Entablamento que configura una horizontalidad perimetral que unifica la planta en su nivel superior. Sobre este entablamento se apoya un conjunto de arcos de medio punto y pechinas. Estos sostienen la gran cúpula ovalada (ver imagen 2) compuesta por casetones que van disminuyendo de tamaño, a medida que se acercan a la linterna. Todo esto para potenciar la perspectiva y crear una mayor sensación de altura. La cúpula cuenta con ventanas ocultas que contribuyen a generar un efecto de brillantes y suspensión de la cúpula, iluminándola por dentro en conjunto con la linterna que esta posee. Borromini también planteó una semi cúpula sobre el altar, que potencia la profundidad de la iglesia utilizando el mismo recurso de la cúpula superior.


Su planta (ver dibujo 3) nace a partir de dos triángulos opuestos y unidos por su base, formando un rombo. A partir de estos se circunscriben dos circunferencias concurrentes. De estas circunferencias nace una elipse que contiene en su eje mayor el altar mayor y el acceso principal y en su eje menor dos altares secundarios. En los lados mayores de ambos triángulos se ubican los pilares (cuatro por lado) que vienen a configurar los muros curvos en un juego de concavidades y convexidades que le otorgan dinamismo y unidad orgánica espacial al interior.



IGLESIA DE NUESTRA SEÑORA DE LA GLORIA

Outeiro, Rio de Janeiro

Contextualización de la Obra

La Iglesia nuestra Señora de la Gloria fue construída entre los años 1714 y 1739 en la cima de la colina de la gloria. Se erigió en honor a la virgen debido a que allí antiguamente se encontraba una gruta natural que contenía una imagen de la virgen dibujada por un hombre (Ayres) en 1608. La devoción por la virgen creció tanto que en ese lugar se erigió una pequeña capilla de ladrillo. Años más tarde, después de la llegada de los portugueses se decide construir la iglesia actual hecha con piedra y madera. Se encuentra en el centro histórico de Rio de Janeiro: Outeiro. Desde sus inicios fue la iglesia favorita de las familias nobles, de hecho, pedro II fue bautizado allí. La autoria de la obra se atribuye al ingeniero, arquitecto y coronal portugués José Cardoso de Ramalho. Actualmente la iglesia se encuentra en funcionamiento y anualmente se celebra la fiesta de la virgen de la gloria, en donde se celebra el cambio de ropas de la virgen. Fiesta caracterizada por una alegre procesión llena de música y plateas coloridas forma parte de la tradición y la cultura de Río de Janeiro.


ANÁLISIS DE LA OBRA

Sobre el exterior

A su alrededor se encuentra un mirador Y por detrás una edificación, por lo que no dialoga con un entorno edificado sino más bien a una escala mayor. La iglesia se erige en una plaza dura que está sobre 2 o 3 metros del nivel de la calle. Esa altura la hace estar en un altillo y parecer un verdadero faro del que se tiene dominio visual de la ciudad extendiéndola más allá de Outeiro. Con respecto a la ornamentación decorativa, el exterior es austero en decoraciones pero bastante exagerado en su eje vertical acentuado por la torre.

Exterior Iglesia de la Gloria
Exterior Iglesia de la Gloria, desde la calle
Vista de Rio de Janeiro desde la iglesia, baptiste, 1839














Sobre el Interior

Planta de Iglesia de la Gloria

La iglesia es pequeña. Básicamente su diseño se basa en una planta poligonal compuesta por tres cuerpos; dos octágono y un cuadrado. Ambos octágonos son irregulares y se encuentran interconectados compartiendo un lado. Uno de ellos es más grande y alberga el espacio en donde se congregan los fieles y altares menores, el otro es de tamaño menor y se ubica en uno de los extremos de la iglesia albergando el altar mayor en donde está la virgen María. Por el otro extremo se encuentra la torre de planta cuadrada por donde se accede a la iglesia, esta viene a configurar una antesala, un amortiguamiento del traspaso desde la plaza al interior de la obra. Los octágonos hacen que el espacio sea concéntrico, al igual que la elipse. La curva se contruye mediante rectas, y, a partir de estas nacen claroscuros más contrastados aún, sobre todo entre el octágono mayor y el menor en donde hay un quiebre de luz dado que el lado que comparte es uno de los más angostos, la planta de cierra para volver a abrirse y dar cabida a la virgen, iluminada tenuemente por ventanas más bajas y un cielo más próximo que el que cubre el octágono mayor. Es cielo es un techo abovedado que enaltece el espacio y lo hace aún más vertical, ensimismando al habitante en el acto de la iglesia, la oración.

Interior de la iglesia de la gloria, mirado desde el altar
Interior de la iglesia de la gloria, mirado desde el acceso

Con respecto a las obras ornamentales, estas se dan en el interior, están talladas en el altar mayor, los altares secundarios, el coro y las tribunas. Estas reflejan la transición vivida entre el último periodo del rococó y el comienzo del neoclásico. “El templo está adornado con azulejos pintados, incluida la nave, presbiterio, naves laterales, sacristía y coro. Según la interpretación de Fray Pedro Sinzig, paneles de azulejos representan escenas inspiradas en la Biblia, el "libro de Tobías." Sin embargo, el profesor Santos Simões dice que se inspira en el "Cantar de los Cantares", a excepción de los azulejos de la sacristía, que representan escenas de caza. La obra de los azulejos se le atribuye al maestro portugués Valentim de Almeida.



CONCLUSIONES FINALES

Del estudio previo y la hipótesis planteada: ¿Es el trazo curvo en la geometría del barroco lo que congrega? Y las obras arquitectónicas europea y amerinaca se concluye que: El trazo curvo en la geometría del barroco por sí mismo no congrega, sino que lo que congrega es la forma convexa y concéntrica, sea construida mediante una recta como los octógonos de la iglesia de la gloria en Brasil o mediante una curva como en la planta elíptica de la iglesia San Carlos de las Cuatro Fuentes. Esta forma convexa contiene la congregación y lo concéntrico la mantiene en un unidad totalitaria potenciando así el acto de la celebración de la eucaristía y el sermón. Por otro lado la verticalidad con la que juegan las iglesias y la percepción de profundidad que proponen hace que el acto de la liturgia se de aún más potente ya que el habitante cae en un ensimismamiento, quedando ante el altar. La iluminación es otro factor importantísimo. Por un lado se tiene esta iluminación cenital que abrillanta el espacio de reunión, aunque en algunos casos lo atenúa para ensimismas aún más al habitante en el acto de orar (caso americano).La luz le otorga un mayor dinamismo al espacio.



Referencias Bibliográficas

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