El hombre balón

De Casiopea




TítuloEl hombre balón
AsignaturaPresentación del Diseño Gráfico 2
Del CursoPresentación 3º DG 2013
Alumno(s)Sofía Enriquez
ProfesorSylvia Arriagada, Jaime Pérez Moena



Afiche mundiales de fútbol

Tabla de Contenidos

Análisis afiche




Contexto histórico- Movimiento artístico-Mundo diseño-Afiche

Contexto histórico

Fin de siglo

Antecedentes pictóricos llevados al cartelismo El primero en mostrar algún antecedente sobre el comienzo del cartelismo suele ser Henri de Toulouse-Lautrec, fuertemente influencia por Degas y las estampas japonesas. Esto es muy evidente en sus carteles, donde combinó las formas básicas lineales con la caricatura. Como por ejemplo “Divan Japonais”. Cartel publicitario de un cabaret de moda en Montmatredecorado al estilo japonés. Lautrec distorsionaba los objetos a fin de adaptarlos a su esquema decorativo. En su obra, a menudo enmarcando la escena, son muy frecuentes las versiones estilizadas de contrabajos. Creó un efecto en la litografía, textura granulada salpicando tinta sobre la piedra. Los nabis A finales de la década de 1880, un grupo de artistas conocidos como nabis, vinculados por su des´recio al naturalismo, desarrollaron una visión subjetiva y simplificada, inspirada en el simbolismo y en Paul Gauguin . De este modo desdibujaron la frontera entre bellas artes y artes decorativas. Su principal exponente fue Pierre Bonnard, influenciado por las estampas japonesas y su gran experiencia en litografía. Dedicó gran parte de su vida a la ilustración, el cartelismo y la escenografía. Hizo muchos carteles para la revista “ La revue blanche” revista de literatura y vanguardias estrechamente asociada a los nabis.


Primera mitad del siglo XX

La primera mitad del siglo XX estuvo marcada principalmente por las dos guerras mundiales, ambas dieron paso a grandes cambios tanto económicos, sociales y demográficos. El primero de los grandes cambios viene junto con la nueva tecnología, esta abrió los campos de la comunicación, el transporte, las diversas investigaciones que luego abrirían paso a la tecnología moderna. Estas al estar dentro del periodo de guerra o entre guerra se desarrollaron mucho más rápido debido a que se necesitaba nueva tecnología para guerra. A partir de la radiocomunicación, el radar y la grabación de sonido se pudo dar paso al teléfono, entre otros métodos de comunicación. Dentro del periodo de entre guerras tuvo lugar la crisis económica a nivel global, lo cual tuvo como consecuencias el derrumbe de las grandes economías mundiales, la gran depresión de los años 30 Dentro de todo este clima cambiante, la parte social también comienza su revolución desde el arte desarrollando una serie de movimientos culturales y artísticos, llamadas VANGUARDIAS.


El vanguardismo

La primera mitad del siglo XX vio nacer las primeras vanguardias, una serie de <<ismos>> o movimientos artísticos que rechazaban el naturalismo – la representación realista del mundo físico- y el arte académico sujetos a la tradición clásica. En rápida sucesión o a veces solapados, experimentaron con la técnica y la forma, y cuestionaron la naturaleza misma del arte y lo humano. A grandes rasgos los fauves crearon uno de los primeros ismos con su audaz empleo del color. Los expresionistas alemanes, también libres de ataduras cromáticas, expresaron sus sentimientos y actitudes ante la sociedad mediante formas distorsionadas, paleta estridente y pincelada agresiva. En cambio, el cubismo fue menos expresión personal que intento de superar la tradición de la perspectiva única usando puntos de vista cambiantes. A las formas fragmentadas cubistas añadió velocidad y movimiento el futurismo, mientras que el arte abstracto destruyó el concepto del tema pictórico hasta hacerlo desaparecer. En Rusia, suprematistas y constructivistas sustituyeron la apariencia natural por la geometría y, en su intento de relacionar arte y sociedad posrevolucionaria, desafiaron las formas tradicionales, pero también la finalidad misma del arte, cuyo papel cuestionaron los dadaístas al explorar el inconsciente, al igual que los surrealistas. No todos rechazar el arte realistas: hubo artistas figurativos en EEUU y Europa, mientras que en México se crearon grandes murales históricos como afirmación de la identidad cultural y política.

Antecedentes

Evolución en forma de vestir

Evolución en el balón

Texto de descripción de la imagen

En los primeros eventos se utilizaron balones de cuero rellenados con una vejiga para darle consistencia, pero con el paso de los años fue evolucionando y modificando sus características. En México 1970 los balones naranjas de cuero fueron finalmente desechados, dando paso a las tradicionales pelotas de color blanco con cascos negros poligonales. La primera fue denominada Telstar, en honor al satélite que hacía posible la transmisión del evento a diversos rincones del orbe. En Argentina 78 y España 82 fue famoso por su difusión el balón Tango. Cuatro años más tarde se utilizarían por primera vez materiales sintéticos para aumentar la impermeabilidad del balón y en 1986 sería el material principal del balón Azteca. Con el paso de los años el balón ha ido cambiando progresivamente, haciéndose cada vez más liviano y veloz y perfeccionando su curvatura, hasta llegar en 2006 al Teamgeist, que con catorce cascos (dieciocho menos que los de su antecesor, Fevernova) unidos por termosoldadura lo hacen casi esférico en su totalidad. Y hasta ahora con el avance tecnológico, en Sudáfrica 2010 se ha perfeccionado las características de todos los balones hasta ahora, siendo el resultado la pelota Jabulani, con sus caracteristicas tridimensionales y conservando referencias de la cultura africana en su diseño.

Uruguay 1930: Pelota Argentina de 12 paneles

En la final del mundial de Uruguay de 1930 se utilizaron 2 esféricos. Una pelota Argentina en la primera parte y una pelota uruguaya en la segunda mitad, al parecer por el no entendimiento entre las 2 selecciones finalistas (ARGENTINA y URUGUAY). La Pelota de cuero modelo argentino. Eran balones de tiento, con gajos rectangulares. En su interior existía una vejiga. Al no ser impermeable su peso variaba dependiendo de las condiciones del campo. Se utilizó en el 1er tiempo de la Final. Este diseño ya se utilizó en 1880.

Italia 1934: Federale 102

En el mundial de Italia de 1934 se utilizó un total de 12 balones. Estos fueron adquiridos en Argentina debido a la invención del sistema de Superball que eliminaba al problema del tiento que poseían todas las pelotas de ese tiempo. La falta de impermeabilidad en la pelota complicaba el juego ya que el peso del balón podía alcanzar un kilo de peso cuando se mojaba.

Francia 1938: Allen

La vejiga se reemplaza por una válvula inflable a través de un pico, por lo que no era necesario descoser el cuero para inflar la pelota. Aunque no se aprecie fue el primer balón en contar con el nombre comercial de la marca grabado en su superficie. Trece "gajos" de piel entrelazada componían la forma circular del balón.

Brasil 1950: Super Ball Duplo T

La vejiga se reemplaza por una válvula inflable a través de un pico. Con este modelo se estrena una nueva técnica en la fabricación de balones. Fue el primero que ya no tenía ningún tipo de "cosido". La ausencia de "costuras" hacía el balón menos peligroso para los jugadores que remataban de cabeza.

Suiza 1954: Swiss World Championship

La vejiga se reemplaza por una válvula inflable a través de un pico. El balón estaba construido con 18 paneles de piel. El balón de los partidos carecía de caracteres en su superficie, sólo los de los entrenamientos tenían textos.

Suecia 1958: Top Star

El modelo "Top Star" fue el ganador de un concurso creado por la FIFA en el que se presentaron 102 modelos diferentes. Se emplearon 24 paneles en la construccion del balón, el doble que el utilizado en el balón de 1954. En el mundial se utilizaron modelos de color amarillo/marrón y blancos.

Chile 1962: Crack

Pese a ser el balón oficial, no fue el único que se usó también se usaron balones iguales a los del mundial de Suecia 1958. La pelota estaba formada por 18 paneles de cuero lo que la convertia en una esfera regular. Primer modelo cuyas piezas no eran "gajos alargados".

Inglaterra 1966: Slazenger Challenge 4-Star

El balón con el que se disputó el mundial en Inglaterra, de marca Slazenger, actualmente especializada productos de cricket, tenis etc. Durante el mundial se utilizaron diferentes colores, como el naranja que se utilizó en la final entre Alemania e Inglaterra. El esferico estaba formado por 25 paneles de cuero.

México 1970: Adidas Telstar Durlast

Estaba completamente hecho de cuero, y se diferenciaba de los demás ya que contaba con 32 piezas cosidas a mano, 12 pentagonos negros y 20 pentagonos blancos, lo que la hacía la esfera más redonda de su tiempo. Marco el modelo de los balones actuales. Primer balón manufacturado por una empresa comercial (Adidas), proveedor exclusivo del mundial, que ha continuado de proveedor en todas las ediciones hasta la actualidad.

Alemania 1974: Adidas Telstar Durlast 2

En este mundial se utilizaron dos balones "Telstar" repitió su nombre con la aparición de este en color negro (antes dorado). Gracias a su éxito, Adidas lanzó una versión completamente en blanco con el nombre "Chile" llamado así por un balón usado en un juego en chile en el año 1962.

Argentina 1978: Adidas Tango Durlast

En 1978 el diseño futbolistico experimento una nueva revolución con la presentación de la Tango en ovbia alusion a la música popular argentina. Las veinte piezas con "Triadas" creaban una ilusión de que había 12 círculos identicos. Este modelo se mantendría hasta el mundial de 1986. Las mejoras incorporadas en este modelo permitieron mejorar la impermeabilidad del balón.

España 1982: Adidas Tango España

Las nuevas técnicas aplicadas en el balón permitían que apenas se alterase el peso del mismo en caso de lluvia, se realizaron mejoras en el aspecto del mismo con respecto al de 1978 especialmente en costuras con lo que se mejoró la impermeabilidad, es el último balón fabricado en cuero, a partir de entonces se usarían materiales sinteticos.

México 1986: Adidas Tango Azteca

Los nuevos materiales confirieron al balón una mayor resistencia y durabilidad, mejorando su rendimiento en terreno duro, los intrincados dibujos se inspiraban en las arquitecturas e ilustraciones de la cultura Azteca, fue el primer balón sintetico lo que redujo la absorción de agua.

Italia 1990: Adidas Etrusco Unico

Fue el único balón en ser usado en una copa del mundo (1990), una eurocopa (1992) y unos juegos olímpicos (1992), también fue el primer balón en incorporar una capa interna de espuma de poliuretano lo que lo hacía totalmente impermeable era le balón mas ligero y rápido de la época. Las figuras estampadas estaban inspiradas en la cultura italiana.

Estados Unidos 1994: Adidas Questra

Los motivos del balón están inspirados en la época aeroespacial, fue el primer balón en incorporar una capa de espuma de polietileno de alta tecnologia con una enorme recuperación energetica, el Questra era un modelo más suave y rápido que los diseños anteriores.

Francia 1998: Adidas Tricolore

Se empleo espuma sintetica en su confección, un avanzado material compacto de microburbujas rellenas de gas, cerradas individualmente y muy resistentes. Tras el Tricolore los balones dejaron de producirse en Europa y pasaron a hacerse en otros mercados como Marruecos, Pakistan o Tailandia. Primer balón de competición multicolor, se usaron el azul, rojo y blanco en honor al país anfitrión, Francia.

Japón y Corea 2002: Adias Fevernova

Su diseño supuso una ruptura con la línea estetica instaurada con el modelo Tango del mundial de 1978, una capa de espuma refinada confería al balón mejores caracteristicas de rendimiento, una carcasa de tres capas permitía conseguir una trayectoría de vuelo más precisa con cada disparo.

Alemania 2006: Adidas +Teamgeist

El nombre Teamgeist significa en alemán: "Espiritu de equipo", el signo + que figura antes del nombre se puso para poder registrarlo como marca, su configuración de catorce piezas buscaba reducir al máximo la cantidad de puntos de contacto entre tres piezas en un 60%, con ello se conseguía una pelota más redonda. Cada balón estaba personalizado con el nombre del estadio y de los equipos, la fecha del encuentro y la hora de inicio de cada partido.

Sudafrica 2010: Adidas Jabulani

El estilo estampado se asemeja al estadio en donde se jugará la final, además el balón representa once colores un número mágico en este mundial, hay once comunidades en sudafrica, once diferentes lenguajes, once jugadores por equipo, además este balón empezó a rodar el once de Junio y terminó el once de Julio. El nombre Jabulani significa en IsiZulu, un leguaje que habla el 25% de la población sudafricana, "Celebrar", este balón tiene "8 tri-dimensional spherical EVA y TPU panels" que según la tecnología alemana lo hará mas estable y certero al disparo, la ausencia de costura facilitará su agarre a los porteros. http://agueroymessi.blogspot.com/


Posibles vanguardias relacionadas

Expresionismo

El expresionismo (1905) surge como una respuesta frente al impresionismo, la cual tenía una alta conciencia sobre la teoría del color y las luces que este provocaba en los diferentes espacios y formas. Este nuevo movimiento quería acabar con lo tradicional de la pintura en cuanto a forma, color , proporción y perspectiva, en vez de esto, propone una deformación de la realidad. Se desarrolló en diversos países de Europa, siendo el principal Alemania, para luego expandirse a Francia y Austria, siendo a su vez contemporáneo con el fauvismo y el cubismo La característica principal del expresionismo es que busca la expresión de sentimientos y emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva y proporcional. Al estar en un contexto de pre guerra y viendo los diversos cambios que estaban ocurriendo revela todo un lado más pesimista, creyendo de esta manera que la forma de expresar sería captando sentimientos íntimos del ser humano. Se potencia lo distorsionado y exagerado de los temas, tanto en forma como en color, como es que será la impresión del espectador, ocupan colores fuertes y puros, formas fuera de estética convencional, sin importar luz ni perspectiva.


Cubismo

El cubismo fue uno de los movimientos más importantes dentro de las vanguardias del siglo xx, convirtiéndose en una verdadera revolución dentro de la pintura, debido a manera de componer las cuales propocionaban nuevas formas, tomando la geometría y los planos como eje principal. Los fundadores de este movimiento fueron los españoles Pablo Picasso, Juan Gris y el francés Georges Braque. El movimiento tiene como cuna París, el espectador imagina una nueva realidas según la composición del cuadro, dejando totalmente de lado la antigua estética o semejanza con naturaleza. Este surge en un momento muy importante de descubrimientos, el arte negro ( esculturas africanas) exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1095), la exposición de Paúl Cézanne en 1907, y la poesía de Apollinaire y Max Jacob. Fue precisamente “las Señoritas de Avignon” (Picasso), la primera obra precursora.

La exposición tuvo la particularidad de que en sus obras pretendía llevar la realidad a un estado de formas esenciales, representar volúmenes sobre la superficie plana. Su característica principal entonces, es la desvinculación de la naturaleza para pasar a la geometría, la descomposición de la figura en pequeñas partes, para completar la figura nuevamente, vista de otra manera, desde la fragmentación de la forma.


Características:

  • Líneas y colores refractados representados en negativo y positivo
  • Creación de transparencias, sombreado arbitrario,
  • Composición geométrica de figuras, desaparición del volúmenes,
  • Utilizaron colores apagados, como los grises, pardos, verdes, azules, un tanto monocromo, sobre todo en la primera época del movimiento, con el pasar del tiempo, los cubistas incorporaron colores vivos.
  • Utilización principal de cubos, cilindros, conos, triángulos rectángulos, etc.

El espectador es el que reconstruye nuevamente la obra, el color ceniza, el blanco y el negro ayudan a esa reconstrucción, lo que interesa son las formas observadas, cuantas formas pueden ser observadas a partir de un mismo cuadro, traduciendo a la simplificación de la forma.


Etapas:

Tradicionalmente se diferencian tres etapas: cezaniano, analítico y sintético.

  • Cezaniano

Se caracteriza por influencia, transmisión de formas geométricas puras, es identificable y que genera una nueva tendencia estética, es la etapa previa del cubismo.

  • Cubismo analítico

se caracteriza por la descomposición de la forma en múltiples partes geométricas, el objetivo es conocerlas, examinarlas y ordenarlas por separado, es el cubismo puro, el nuevo lenguaje y auténtico, y un tanto dificultoso para interpretar.

  • Cubismo sintético

se caracteriza por potenciar las partes más significativas de la figura, reduciéndola a sus forma geométricas más puras, no es cubismo simple, pero es más práctico su interpretación y comprensión, introduce la técnica del collage.


A partir del cubismo, muchos artistas evolucionaron, hasta llegar a la abstracción pura, ésta fase señala la vinculación del cubismo con la abstracción.

El cubismo al igual que el surrealismo u otras corrientes artísticas de vanguardia, dieron paso a otros movimientos, que por su energía experimental e innovadora.

Futurismo

Mientras el cubismo surgía en Francia, en Italia aparece el movimiento artístico futurista. Este se establece como tal luego de publicación del manifiesto futurista en Le Figaro en 20 de Febrero de 1909, escrito por Marinetti. Este lo define como un arte “anticlasista” orientado al futuro, de manera de poder responder al dinamismo de la técnica moderna y la masificación de la sociedad en las grandes ciudades.

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática. Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

El movimiento futurista terminó con la Primera Guerra Mundial


Constructivismo Ruso

El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista.

La base de enseñanza para el nuevo movimiento fue puesta por el Comisariado del Pueblo para la Educación (o Narkompros) del gobierno de Bolchevique, a cargo del Ministerio de Cultura y Educación dirigido por Anatoli Lunacharski que suprimió la vieja academia de Petrogrado de Bellas Artes y la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura en 1918. La oficina artística del Comisariado funcionó durante la Guerra Civil rusa principalmente dirigida por futuristas, que publicó el diario Arte de la Comuna. El centro del constructivismo en Moscú residía en VKhUTEMAS: la escuela para el arte y el diseño, establecida en 1919. Gabo señaló más adelante que la enseñanza en la escuela fue orientada más en la discusión política e ideológica que en la creación artística.

Así como estuvieron envueltos en trabajos de diseños industriales, los Constructivistas trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles callejeros para el gobierno de la revolución Bolchevique post-Octubre.

Características

  • Colores fuertes, llamativos, generalmente en combinaciones de negro, blanco y rojo.
  • La tipografía cirílica (alfabeto ruso) es un elemento fundamental en estos carteles
  • tendencia hacia las marcadas diagonales, como si todo el diseño del cartel estuviera rotado unos 30° aproximadamente.

Art nouveau

Comienza en 1890 y termina a principios del siglo XX.

Este quiere generar una ruptura tanto los movimientos tradicionales como los rupturistas. 

Su característica principal es que inspiraban en la naturaleza, principalmente en sus formas, esto se dio tanto en la pintura como en la gráfica.

Las características principales del modernismo son:

  • Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.
  • Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración.
  • Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación estrictamente realista.
  • Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado).
  • Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos.
  • en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso deestampas japonesas.
  • Aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del elemento a decorar. El elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el elemento que decora.

El modernismo tuvo una gran influencia en las artes gráficas, principalmente los afiches.

La derivación de estas características del modernismo o Art nouveau en la década de 1920 dio origen al denominado Art decó, con el que a veces se identifica, aunque tiene características marcadamente diferentes.

art decó

Surge entre los años 1920 a 1939. Situandonos en los afiches, estos tenían los antecedentes previos de los carteles de art nouveau, pero además inspirados en las vanguardias del siglo XX, en particular en cubismo, futurismo y constructivismo.

Estilo propio de las artes decorativas desarrollado en el periodo de entreguerras, entre 1920 y 1939 en Europa y América. Alcanzó su máximo esplendor en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925. Se caracteriza por la profusión ornamental, el lujo de los materiales y el frecuente recurso a motivos geométricos y vegetales. El Art Déco ante todo buscó la decoración por encima de la funcionalidad.


Característica generales del Art Déco que fueron utilizadas tanto en decoración, como en arquitectura :

  • El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags.
  • Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes..
  • Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas..
  • Representación de elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas.
  • Utiliza imágenes de fuentes congelas de formas ascendentes.
  • Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico, maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa, de tiburón y el carey.
  • Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios.
  • Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación.

Dentro del Art Déco hay dos períodos que corresponden a dos líneas estéticas del estilo: el Zigzag y el Stream Line.

El primero va de 1920 a 1929, se dio mayormente en Europa y fue el que se basó más en las referencias de las culturas pasadas que se pusieron de moda por descubrimientos arqueológicos, Egipto, Mesopotamia, Mesoamérica, la cultura Inca, o que se rescataron del olvido y del desinterés occidental, tal como sucedió con las piezas africanas y algunas mismas culturas europeas antiguas, o bien las extrañas y lejanas sociedades orientales. Resalta en su decoración los triángulos encadenados y superpuestos y líneas y composiciones geométricas en movimiento.

El segundo tuvo su auge de 1930 a 1939, se desarrolló más en Estados Unidos y representa la era de la recuperación económica después del "crack" bursátil del 29. Hombres fuertes y desnudos quienes controlan máquinas de diversa índole y vislumbran un futuro prometedor tecnológico adornan paneles y los principales motivos decorativos son las líneas curvas aerodinámicas, de aquí su nombre, líneas horizontales aplicadas o también abstracciones de la velocidad.

Art Déco es un conjunto de diversos manifestaciones artísticas que convergieron entre las décadas de los años veinte y treinta en Europa y Estados Unidos, principalmente, así como en otros países, exaltando el gusto por la decoración, a través de diseños, en muchas ocasiones exóticos, que subliman lo geométrico, lo cúbico y lo aerodinámico, en contraposición de la delicadeza curvilínea y serpenteante de Art Nouveau y sus diferentes acepciones.


Bauhaus

BAUHAUS, etimológicamente significa, Casa de Construcción, fué fundada en 1919, en Weimar (Alemania), por Walter Gropius, trasladada en 1925 a Dessau y disuelta en 1933 en Berlin.

En el MANIFIESTO de FUNDACIÓN de la Bauhaus se explicitaron ideas que alentaban y pretendían el retorno a la unidad perdida entre artesanía y arte, apuntando tanto a los aspectos más teóricos como a las implicancias sociales de esta vinculación. El camino utópico a transitar era el de volver a lograr la unidad de las bellas artes. Se veía como origen de muchos errores y desvíos la separación entre Pintura, Escultura y Arquitectura, posterior al Renacimiento y que sin embargo en la Edad Media formaban una unidad. Se convocaba a unir esfuerzos en busca de la Construcción de la Obra de Arte Total. La cual se expresa en la obra de arquitectura.

La tensión entre la producción artesanal y el mundo de la industria siempre existió en la experiencia Bauhaus. Las tendencias del expresionismo fueron sustituidas a partir de 1923 por la imposición de otras ideas provenientes de la vanguardia internacional de la época, como el Neoplasticismo holandés y el Constructivismo Ruso. En este cambio es clave la sustitución de Itten por Lazlo Moholy Nagy, de origen húngaro. El cual buscó superar lo pictórico del enfoque expresionita por el énfasis en la experiencia de lo sistemático y el uso de los materiales y objetos seriados de posible uso industrial.

El plan de estudios incluía un curso preliminar en el que los estudiantes aprendían los principios básicos del diseño y de la teoría del color. Al acabar este curso, los alumnos entraban en uno de los talleres situados en dos edificios y se especializaban al menos en un tipo de oficio artesanal.


Con la convicción de que la sociedad mejoraría con la aplicación del funcionalismo, los diseños de la Bauhaus se concebían para la producción industrial adoptando deliberadamente la estética de la máquina.

Este pionero enfoque funcionalista ejerció un impacto fundamental en la práctica posterior del diseño industrial y proporcionó los cimientos filosóficos del movimiento moderno.

La Bauhaus tuvo serios problemas políticos, fue perseguida por su sistema socialista de enseñanza, sus extravagantes métodos y por albergar alumnos comunistas, por lo cual debió mudar de ciudad varias veces y conseguir apoyos extranjeros.

Entre sus maestros destacan Johannes Itten, Josef Albers, László Moholy-Nagy, Ludwig Mies van der Rohe y Marcel Breuer.

Evolución del diseño gráfico

Inicios

Los expertos discrepan sobre las raíces del diseño gráfico. Algunos identifican las pinturas rupestres como ejemplos ancestrales de los signos gráficos; otros reconocen sus formas embrionarias en Egipto, Grecia, México y Roma. Varios autores consideran que el diseño gráfico surge al mismo tiempo que la imprenta. Una corriente apunta a las vanguardias artísticas del inicio de este siglo. Otros, todavía, emplazan al pensamiento contemporáneo, con respecto al diseño gráfico, después de la segunda guerra mundial, como un fenómeno adjunto al fuerte desarrollo industrial y de los medios de comunicación. James Craig y Bruce Barton buscan aclarar las fuentes del diseño gráfico: "La historia del diseño gráfico es una infinita fascinación: la magia de las primeras imágenes; la belleza de los jeroglíficos egipcios; la evolución del alfabeto fonético; la genial invención de Gutenberg; la acelerada mecanización de la composición gráfica y la explosión de la imaginación en el siglo veinte.

Maneras de entenderlo

Con una herencia tan fértil, desafortunadamente muchos diseñadores gráficos saben más sobre la historia de la pintura que sobre la historia del diseño gráfico. Una de las razones para esta contradicción tal vez sea la creencia de que el diseño gráfico es una innovación del siglo veinte y que es una profesión sin historia. Esto no es verdad porque el diseño gráfico -o comunicación visual- empezó en los tiempos prehistóricos y ha sido practicado durante siglos por artesanos, escribanos, impresores, artistas comerciales e incluso pintores" (1). En definitiva, es posible admitir que, en un sentido más amplio, la comunicación visual tiene una historia muy larga. Cuando el hombre primitivo buscaba alimento y encontraba una huella de animal impresa en el lodo, en realidad estaba recibiendo un mensaje a través de un signo gráfico. Sin embargo, a pesar del largo recorrido hacia la actualidad de la comunicación visual, es posible balizar que el diseño como actividad moderna se constituirá como una demanda de la revolución industrial.

Cita

Herbert Spencer asegura que las raíces de la tipografía y del diseño gráfico modernos se entrecruzan con las de la pintura, la poesía y la arquitectura del siglo XX: "El nuevo vocabulario de la tipografía y del diseño gráfico se fraguó en menos de veinte años (...) Por supuesto, la tipografía moderna no fue fruto de la repentina invención de un hombre, ni siquiera de un grupo. Nació como una respuesta a las nuevas exigencias y a las nuevas oportunidades que el siglo XIX trajo consigo. La violencia con la que la tipografía moderna irrumpe en escena a comienzos del siglo XX refleja la agresividad con la que los nuevos conceptos sobre arte y diseño, en cada campo, barrieron convenciones agotadas y atacaron actitudes que no tenían relevancia en una sociedad altamente industrializada." (2) José Ignacio Armentia también apunta esta relación entre el diseño y la era industrial: "La idea de un producto concretada teóricamente después de estudios previos de necesidades de mercado y de sistemas y costes de producción, a fin de valorar la funcionalidad y rentabilidad, exige una proyección gráfica que posibilite su materialización. Sería aquí donde entraría en juego el diseño. Se trataría de crear formas conjugando estética y funcionalismo, y seleccionar entre ellas la más adecuada al fin propuesto." (3).

Como se muestran

No obstante, fue en las calles de las ciudades que crecían vertiginosamente al final del siglo XIX donde se presentaron los carteles como una expresión de vida económica, social y cultural, compitiendo por la atención de los compradores de las nuevas mercancías y audiencias para las diversiones. Los carteles llenos de colores, impresos en un actualizado sistema litográfico, atrapaban la atención de los transeúntes. Las ilustraciones, ayudadas por el texto, revelaban un contexto preciso, introduciendo una nueva estética de imágenes simplificadas ordenadas por los medios de reproducción gráfica. En su libro "Introducción al diseño gráfico", Peter Bridgewater enfatiza la influencia de Toulouse-Lautrec, al utilizar la litografía a gran escala, en el desarrollo del diseño gráfico de los carteles: "Henri de Toulouse Lautrec (1864-1901) influyó notablemente en la elaboración del cartel moderno (poster). Entendía que los carteles eran un medio de comunicación con otras personas, que se dirigía a cierta audiencia. Descubrió la importancia de trasladar su trabajo a la imprenta, y aprovechó la litografía a gran escala. La tradición clásica de la tipografía centrada, usando varias formas de letras, tuvo sus orígenes en los letreros y en la caligrafía, pero hubo innovadores que estaban preparados para desafiar los valores existentes, en busca de una forma de comunicación más efectiva y original." (4) Los artistas de todo el mundo miraban París como la capital del arte mundial y admiraban sus carteles. Sin embargo, Amsterdam, Bruselas, Berlín, Munich, Budapest, Viena, Praga, Barcelona, Madrid, Milán y Nueva York también nutrieron escuelas de artistas del cartel y brillantes diseñadores individuales. Milán produjo el número más destacado de creadores de carteles, cuya originalidad desafió a los de París. Varios artistas estadounidenses integraron con éxito ilustraciones en el letrero en sus diseños. Will Bradley hizo un brillante trabajo al revivir el Art Nouveau, el manierismo de la Edad Media y el Renacimiento. Bradley absorbió la influencia no solamente de Francia, sino también de Japón e Inglaterra. Esta época es un ejemplo del esfuerzo realizado para replantear el papel del arte en una sociedad industrializada. En Inglaterra, William Morris y otros buscaron enfatizar el papel del artesano, hacia los modelos del Renacimiento y a un diseño más vigoroso. Los artistas de los carteles de este período demostraron que la osadía de la libertad estética primero exige un enfrentamiento con la innovación técnica en la producción y la reproducción gráfica. Desde esta época los artistas dejarán de agregar simplemente textos tipográficos y empezarán a dibujar tipos y a responsabilizarse de todos los elementos que deberían ser reproducidos, siendo entonces reconocidos como diseñadores gráficos. El movimiento Arts and Crafts y William Morris van a interesarse por la producción de libros, que se imprimirán en una variedad de formatos, con decoraciones xilográficas y un conjunto de letras, creadas a partir de especificaciones propias y sacadas de fotos de impresos del siglo XV. Estos y otros libros de editoriales privadas figuran entre los trabajos gráficos británicos más admirados en el continente europeo. Estas nuevas ideas se discutieron y diseminaron por Austria, Alemania, Bélgica e Italia. Algunas revistas publicadas en Londres difundieron los trabajos del movimiento Arts and Crafts, carteles de Beggarstaff y de la escuela de diseñadores de Glasgow (Charles Rennie Mackintosh, George Walton y Margaret y Frances Macdonald). Las influencias fueron absorbidas por diversos artistas, arquitectos y diseñadores de estos países.

Desarrollo

Desde el inicio del siglo XX los desarrollos experimentados en el diseño de los carteles se extendieron a las tarjetas postales, etiquetas adhesivas, estampillas y embalajes. Esto fomentó la economía en el diseño y redujo el número de colores utilizados. En Alemania, los diseños desarrollaron una estética refinada y enérgica para anunciar los productos al consumidor. En Berlín, un grupo de diseñadores asociado con una firma de impresión (Hollerbaum und Schmidt) rompió una nueva barrera: sus carteles restringieron la imagen al objeto que se estaba anunciando, y las palabras a la marca del fabricante. Este estilo se conoce como cartel - objeto (Sachplakat). Si el empujón principal al desarrollo del diseño gráfico después de la primera guerra mundial se centró en los movimiento de vanguardia y sus aspiraciones, una menos agitada, pero no menos brillante evolución, tuvo lugar en el cartel comercial. La primera guerra mundial estableció la importancia del diseño gráfico. El gráfico, la ilustración y el letrero ayudaban a informar e instruir de un modo económico y directo. La identificación militar era un código que se entendía instantáneamente. Las insignias de los regimientos tenían mucho en común con el diseño económico y con las imágenes poderosas y lemas de los nuevos carteles. Los gobiernos los utilizaron en los anuncios públicos, así como en la propaganda y para exhortar a los ciudadanos a compartir el esfuerzo de la guerra. Las nuevas experiencias tipográficas formaron parte del programa de los futuristas y sus experimentos comenzaron antes de la primera guerra mundial. En Italia, el movimiento fue conducido por el poeta Filippo Tommaso Marinetti, que, en 1909, había publicado en París el primero y más famoso manifiesto futurista. Marinetti empezó su mensaje glorificando aspectos del mundo moderno, tal como la velocidad, los automóviles o los aeroplanos, que hacían recorridos ruidosos sobre las capitales europeas. Los futuristas incorporaron elementos de los anuncios en su literatura y también extendieron el movimiento a la publicidad porque estaban fascinados por la tecnología y se apropiaron de los elementos de la producción industrial. En Alemania, al tiempo de la Nueva Tipografía (Neue Tipographie) se había aprendido a enfatizar el significado de palabras con el uso del espacio en blanco dentro del diseño. Este tipo de funcionalismo fue el más importante para muchos de los más jóvenes diseñadores que se habían asociado con el Futurismo. Sus trabajos fueron presentados en el primer número publicado de la revista Campo Gráfico (1933) y se presentaban como una reacción al creciente nacionalismo, a la industria de impresión neoclásica y al conservadurismo del Renacimiento. El Futurismo fue importante porque rompió con el tradicional esquema simétrico de la página impresa. Los dadaístas crearon el precedente en las innovaciones tipográficas en Alemania y prestaron su nombre, Futurismo, al experimentalismo en Rusia, que precedió inmediatamente la revolución de 1917. En los años que siguieron a la revolución rusa, el diseño gráfico se desarrolló en las películas como un medio de comunicación masivo. Este nuevo idioma se exportó hasta llegar a ser una influencia importante en Alemania y Holanda, entre las dos guerras mundiales. Rusia ya tenía una tradición visual poderosa expresada en los grabados en madera, los iconos y las revistas políticas ilustradas. En los primeros años de la revolución rusa, los carteles se convirtieron en los heraldos públicos, con lemas visuales e ilustraciones de apologías políticas. La revolución desarrolló y aprovechó los nuevos recursos de la fotografía y, con ellos, las habilidades de diseñadores en la ilustración, para la presentación de estadísticas y cartografía. Los diseñadores produjeron imágenes que trascendieron la objetividad en la presentación poética del progreso soviético. El diseño gráfico soviético mantuvo la geometría y los colores primarios del constructivismo abstracto, pero el trabajo más complejo derivó en una forma gráfica que buscaba aclarar su significado. Hasta que Stalin suprimió el movimiento vanguardista, en Occidente parecía que la Unión Soviética había reconciliado las demandas sociales con la estética revolucionaria y el diseño gráfico se había lanzado como la expresión de la nueva sociedad. En las principales ciudades de Europa, el diseño gráfico surgirá como parte de la moderna sociedad industrial, no sólo a través de los carteles, sino también en los membretes, folletos de publicidad, catálogos de componentes industriales y ferias. El llamado arte comercial sobrevivirá en el trabajo de los artistas de los carteles. Pero la comunicación visual en los años 20 estuvo dirigida por los artistas de vanguardia. En Alemania, el desempleo, la inflación y el caos político siguieron a la primera guerra mundial. Situada entre dos poderosos movimientos vanguardistas, el Construtivismo en la Rusia soviética y De Stijl en Holanda, Alemania estaba abierta a esa influencia. Los movimientos artísticos más destacados justo al final de la guerra fueron el Expresionismo y el Dadaísmo. Los carteles que produjeron masivamente los artistas expresionistas estaban marcados por la ilustración agresiva, cuyos contrastes violentos se enfrentaban con el letrero libre o con el uso de pesadas letras originalmente diseñadas para la publicidad. Se hacía mucho énfasis en estas técnicas, que al final dejaron algunos carteles notables pero ninguna marca duradera sobre el diseño. Los dadaístas emplearon particularmente el montaje, una reunión de imágenes ya listas, mezcladas con toda clase de tipos y ornamentos impresos en composiciones tipográficas. Sus habilidades para la propaganda, primeramente ejercidas para la autopromoción, se dirigieron después a difundir el diseño como una parte de la revolución social en la cual la libertad se lograría mediante el incremento de la mecanización. En la tipografía, el movimiento va a seguir una versión disciplinada del Construtivismo. Para los dadaístas, cada diseño tenía una estructura derivada de su contenido verbal, no organizado según un precedente establecido. Las ilustraciones hechas a mano fueron reemplazadas por imágenes fotográficas. El diseñador trabajaba en la mesa de dibujo como un arquitecto, produciendo un esquema provisto de instrucciones. De esta manera, las decisiones se tomaban al margen de los talleres de tipografía y se desarrollaban en el estudio, lejos del proceso industrial.

Bauhaus

Los avances, desde el Expresionismo hacia el Funcionalismo y desde la artesanía hacia el diseño para la producción industrial, pueden trazarse desde el diseño gráfico inestable hasta la Bauhaus, la famosa escuela de artes y artesanías, establecida en Weimar (Alemania), en 1919. Las reglas dictadas por esa escuela llegaron a ser un estereotipo que se ha identificado popularmente como la "tipografía de Bauhaus". De hecho, las reglas y los tipos eran peculiares, pero formaban parte de una reforma mucho más radical que examinó los elementos de diseño gráfico y el papel que cada uno de ellos jugaba a la hora de transmitir la información. Leonor Arfuch comenta el ideal en el área de la comunicación gráfica buscado por la escuela: "Otra gran aspiración de la Bauhaus estuvo justamente en el plano de la comunicación gráfica, en la conformación de su especialidad como un área moderna de incumbencia, no equiparable a las antiguas artes gráficas. Allí intervinieron, no sólo legados vanguardistas sino también aportes técnicos y conceptuales de la psicología, la publicidad y la propaganda de masas, generando un espacio nuevo de articulación y de expresión, donde la proyectación se abría no solamente a la innovación tipográfica y formal sino a la inclusión de la fotografía y otras composiciones plásticas. La utopía del orden y el ideal de la ilustración de lograr la democratización del acceso al conocimiento y a la distinción de los saberes, se plasmaban aquí en un primer paso fundamental: la legibilidad." (5). En 1933, el nuevo diseño funcional había sido aceptado en Alemania y su enseñanza ya se había introducido en las escuelas a través de Willi Baumeister (Frankfurt), Max Burchartz (Essen), Walter Dexel (Magdeburg) y Trump (Berlín). Pero cuando los nazis llegaron al poder, muchos de los diseñadores progresistas perdieron sus trabajos y se cerró la Bauhaus. Philip Meggs comenta las circunstancias de la disolución de la Bauhaus: "La nube creciente de la persecución nazi llevó a muchos profesores de la Bauhaus a unirse a los artistas e intelectuales que huyeron hacia los Estados Unidos. En el año 1937, Gropius y Marcel Breuer estaban dando clases de arquitectura en la Universidad de Harvard y Moholy-Nagy estableció la Nueva Bauhaus (ahora el Instituto de Diseño) en Chicago. Un año más tarde, Herbert Bayer inició la fase norteamericana de su carrera como diseñador. Este éxodo por el Atlántico iba a tener un impacto significativo en el diseño estadounidense después de la segunda guerra mundial." (6).

Los 30

Desde la década de los 30, el diseño gráfico tendrá una participación importante en la vida política. La hoz y el martillo en la bandera roja de los comunistas y la svástica nazi, por ejemplo, sustituyeron a los antiguos símbolos nacionales. Los líderes políticos casi se transformaron en iconos por su presencia masiva en carteles, matasellos, portadas de revistas y periódicos. La fotografía fue un medio particularmente útil a la propaganda política, al transformar, no solamente la forma de elaborar las imágenes, sino también la manera de mostrar a los líderes a la población. La guerra civil española produjo una gama enorme de carteles republicanos, presentados en una amplia variedad de estilos de ilustración heroicos y letreros sencillos. Pero la fotografía demostró ser un medio mucho más efectivo de protesta contra las atrocidades, que las ilustraciones caricaturizadas utilizadas en la primera guerra mundial. En los carteles republicanos españoles también se utilizaron fotografías como un medio de ilustración documental, ayudando a crear un sentimiento de solidaridad en la población. En los regímenes totalitarios, la propaganda reflejó la ideología estatal y los nazis incorporaron convencionalismos ya existentes en la sociedad alemana en su comunicación visual. Los colores rojo, blanco y negro de la bandera imperial alemana se utilizaron en los estandartes nazis, mientras que, en la Unión Soviética, los carteles adoptaron los elementos del realismo socialista. Aunque el cartel fue la más sobresaliente de las contribuciones de los diseñadores a las pugnas políticas y a la propaganda de guerra, declinó como medio de publicidad en los años 30. Las revistas ganaron en importancia porque llevaban las noticias del conflicto hasta los hogares. Pero la guerra también impulsó los procedimientos metodológicos del diseño y la idea de que, por medio del diseño, se podría resolver problemas de comunicación. Estos principios, después aplicados en la investigación de las reacciones de los usuarios en el mercado, fueron experimentados por la psicología Gestalt en el tiempo de guerra para su aplicación en áreas como camuflaje e identificación. En la guerra, la presión del tiempo requería la rápida comprensión de los hechos y de las situaciones, fomentando el desarrollo del diseño aplicado a la información. En verdad, desde finales del siglo diecinueve varios países europeos y después Estados Unidos contribuyeron al desarrollo del diseño gráfico contemporáneo, pero en los años 50 Suiza va a destacarse fuertemente en el escenario internacional.

Los 50

La difusión del "Estilo Suizo" se debió principalmente a Graphis, una revista mensual publicada en Zurich desde fines de la segunda guerra mundial, que compaginó la reproducción y la discusión del arte comercial extranjero con revisiones de las artes de la impresión. La revista fue responsable también de la publicación de libros con temas históricos del área. Para Anna Calvera, la importancia del grafismo suizo en el diseño gráfico contemporáneo radica en: "(...) su peculiar modo de entender la finalidad a la vez que presuponía una opción de tipo comunicativo: la decisión de informar más que convencer, de mostrar más que provocar, de decir más que sugerir. (...) Probablemente por este motivo los grafistas suizos consiguieron representar visualmente las nociones conceptualmente más abstractas -como velocidad y no el coche, la energía y la seriedad y no el dinero. (...) La importancia histórica del grafismo suizo depende además de otro factor. Fue el intento más riguroso y sistemático hecho en la historia del diseño gráfico para definir su especialidad como profesión y alcanzar el reconocimiento de su autonomía como actividad. Una autonomía que se establece tanto con relación a la tradición de las artes gráficas como a las aportaciones de las artes plásticas y que se sostiene sobre la base de la función social específica del diseño en una economía de mercado, como la de los países occidentales en la fase histórica que a veces se llama neocapitalismo avanzado y, otras, sociedad de la abundancia." (7). En los años 60, el diseño gráfico ya formaba parte de la cultura y de la economía de los países industrializados. Sin embargo, a pesar de los avances de la tecnología de la comunicación que permitieron que la información fuera repartida rápidamente por todo el mundo, los desarrollos todavía eran sorprendentemente localizados en determinados países y la mayoría de los diseñadores trabajaban como parte de un equipo. La revolución electrónica ofreció la posibilidad de utilizar imágenes almacenadas desde períodos anteriores y de transformar sus contenidos en algo contemporáneo, a través de la manipulación digital. La evolución de la comunicación impresa se debió entonces, principalmente, a los avances de las nuevas técnicas y de la tecnología informática, que entregaron al diseñador el control sobre los medios gráficos de producción y reproducción. Pero los cambios de estilo estuvieron provocados, más allá de los avances de la tecnología y de los medios de comunicación, por las mudanzas en el comportamiento de la sociedad.

Los 60

Las transformaciones sociales que ocurrieron en el occidente en la década de los 60 se reflejarán también en la expresión gráfica y la comunicación visual llenó espacios entre el gusto más popular y el cerebral diseño estilo suizo, que entonces dominaba la escena internacional. Sobre la influencia creciente del diseño gráfico en la sociedad, Enric Satué reflexiona: "(...) la progresiva ampliación de los campos de intervención del diseño gráfico, cuya vertiginosa inflexión al alza se inicia en los años cincuenta con la implantación del medio de comunicación de masas más poderoso de la historia (la televisión)... En efecto, este secular servicio a la comunicación, recluido y fragmentado principalmente en la edición de libros, la industria de la impresión y las agencias de publicidad cobra a mediados de los años setenta una nueva dimensión y se proyecta con fuerza multidisciplinar, contribuyendo decisivamente al desarrollo y modernización de los mensajes visuales emitidos desde entonces por televisión, prensa, revistas, imagen corporativa packaging -o imagen de producto- y programas de señalización. Para ello, ha sido determinante la incorporación decisiva de técnicas de expresión gráfica como la fotografía, la pictografía, la señalética, la fotocomposición y la infografía, con las que se ha constituido el cuerpo casi místico de la informática. Por cierto, una revolución triunfante igualmente imprevisible que, según los oráculos tecnológicos más influyentes, ha dejado al diseño gráfico en una posición estratégica privilegiada, llamada a suceder a la arquitectura y al diseño industrial en la guía de la cultura del proyecto y sus disciplinas." (8) El diseño gráfico fue llamado a solucionar problemas de comunicación y acabó siendo reconocido por los consumidores como sinónimo de moda y buen gusto. En esta época, los académicos profundizaron en los estudios sobre la influencia de la comunicación en la sociedad. La teoría "el medio es el mensaje", del canadiense Marshall McLuhan, acordó que la tradición tipográfica comenzada con Gutenberg pertenecía a la edad mecánica, un hecho que condujo a modelos de pensamiento que fomentaban la especialización y la alienación, como ya había enseñado genialmente el personaje de Charles Chaplin en la película "Tiempos modernos" (Modern Times), de 1936. McLuhan reconoció la intersección entre tecnología y cambio político, proponiendo que los nuevos medios desarrollados por la tecnología electrónica acabarían por crear una "aldea global", donde todos los ciudadanos del mundo, sin importar la ubicación geográfica, estarían interconectados en una verdadera sociedad de la información. Para Richard Hollis, autor del libro "Graphic Design - A Concise History" (Thames and Hudson,1996), los diseñadores gráficos fueron quienes quizás antes comprendieron que la comunicación iba más allá de su contenido obvio, porque su profesión resultó de los sucesivos cambios en la tecnología de impresión. El desarrollo de la tecnología gráfica propició el control casi absoluto del diseñador sobre la producción, porque antes sólo preparaba instrucciones para el montaje del trabajo en el taller y cualquier cambio en el tamaño o en la posición de los elementos era difícil de realizar. Con la revolución de los ordenadores personales y con la digitalización de los datos, el diseñador pudo presentar el trabajo para impresión con todos los componentes definidos e incluso, cuando fuera necesario, cambiarlos hasta en el último momento. Desde los 60 hasta el auge de los 80, la informática permitió progresivamente que la creación, la organización y el almacenamiento de los elementos gráficos se concentrasen en el ámbito controlado por el diseñador.

Los 70

En la década de los 70, el diseño gráfico ya tenía un papel destacado en las estrategias de marketing para identificar los productos y las empresas fabricantes junto a los consumidores, a través de la programación visual de embalajes, creación de marcas y logotipos, y asimismo de la identidad corporativa global. El diseño gráfico se involucró en el proceso de comercialización de los productos y se tornó un elemento importante para la industria de ocio y de los medios. El cerebral estilo suizo, derivado del modernismo europeo -sin decoración, con espacios en blanco, tipos sin serifa y con el uso riguroso del cuadriculado- dominaba la escena mundial del diseño gráfico por entonces, pero los carteles de protesta de los años 60 trazaron otros caminos para la creación gráfica. Con todo, en un mundo dominado por la comunicación de masas, el estilo gráfico de muchos países retuvo sorprendentemente una fuerte identidad nacional. La producción de Polonia, Checoslovaquia y Hungría son ejemplos de esta resistencia a un estilo internacional. Los diseñadores recibían información de lo que se hacía en diferentes partes del mundo, a través de revistas especializadas en diseño gráfico publicadas en los países industrializados, como Graphis (Suiza), Novum Gebrauchsgrafik (Alemania), Art Director (Estados Unidos), Print (Estados Unidos), Idea (Japón) y otras. Los anuarios de directores de arte atrajeron suscriptores extranjeros y creció el número de organizaciones, conferencias y exposiciones internacionales dirigidas a la difusión de los avances del diseño gráfico.

Los 80

Hacia los años 80 surgieron alternativas al enfoque modernista. El Punk, primeramente en Inglaterra y después en otros países europeos, utilizó en sus publicaciones tipos e imágenes recicladas de los periódicos populares y textos hechos a mano o con máquinas de escribir en una clara transgresión de las normas concertadas como "buen diseño". En Estados Unidos, el New Wave de California, reteniendo elementos del estilo suizo, utilizó la tecnología fotográfica y electrónica para alcanzar soluciones gráficas más informales. Éste es el momento en que los ordenadores personales y los nuevos programas informáticos gráficos ofrecieron a los diseñadores la oportunidad de generar relaciones complejas entre texto e imagen, más allá de la omnipresente red ortogonal.

Los noventa

Durante el siglo veinte, los medios de comunicación adoptaron nuevas formas y cada nueva técnica desarrollada aportó al diseñador un control mayor sobre el proceso gráfico. Es innegable, pues, que en los años 90 las nuevas formas de comunicación de la era digital, como es el caso del sistema de distribución de información World Wide Web de Internet, están presentando nuevos desafíos al diseñador y por ende al futuro del diseño gráfico. Las páginas web son en realidad documentos electrónicos con enlaces de hipertexto o hipermedia que posibilitan la navegación virtual por las informaciones disponibles en Internet Hasta 1993, la tarea de crear una página Web estuvo reservada a los técnicos en informática que sabían manejar las etiquetas y códigos HTML (Hypertext Markup Language / Lenguaje de Marcas de Hipertexto), necesarios para la composición de los elementos de presentación visual. Pero la mayoría del personal técnico no tenía formación ni experiencia en diseño gráfico y, en consecuencia, las páginas presentaban fondo gris, texto y alguna decoración. Este estándar inicial cambió con la incorporación de nuevas tecnologías y con la llegada de los primeros editores HTML, que permitieron la inserción automática de etiquetas y ofrecieron una previsualización del conjunto de componentes gráficos insertados en las páginas.

Actualidad

Las web tienen ahora muchos más colores en sus fondos y también diferentes texturas, botones, barras y una infinidad de iconos. Pero, al mismo tiempo que los nuevos recursos gráficos añadieron alicientes visuales capaces de seducir a los usuarios, trajeron muchas veces una organización visual confusa y perjudicial para el entendimiento del contenido de las páginas. En verdad, la WWW es un nuevo y complejo campo para el diseño gráfico. Su particular arquitectura y las múltiples posibilidades de añadir imágenes móviles en animación o en vídeo, fotos, gráficos y textos en un ambiente interactivo, exigen un estudio de diseño gráfico mucho más profundo, porque al revés que el grafismo impreso, aún no ha habido tiempo para establecer patrones estables para la reciente interfaz gráfica de la Red. El diseño gráfico deberá seguir adquiriendo protagonismo en la construcción de la nueva sociedad de la información que anticipa Internet. Las páginas web, que son, hoy por hoy, el escaparate visible del futuro de la información digital, se desarrollan con celeridad al integrar técnicas de comunicación visual, diseño cognitivo, diseño de la estructura de navegación hipermedial y, por supuesto, de diseño gráfico.

http://www.ull.es/publicaciones/latina/biblio/cartagena/70ita.htm

La industrialización de las artes gráficas en el siglo XX

El desarrollo de la nueva tecnología de composición yprensa en las últimas décadas del siglo XIX, luego de muchos años de impresiónmanual, produjo muchos cambios importantes en los esquemas de trabajo dentro delas artes gráficas debido a la Automatización y a la Especialización.Aparecieron especialistas en cada fase del proceso, reduciendo las funciones delos tipógrafos, así comenzaron a surgir diseñadores de tipos, fundidores,compositores, fabricantes de papel, encuadernadores, editores, impresores, etc. La tecnología pasó de lo manual a lo mecánico y a lo automático,y de un mercado limitado a uno masivo. Creció la demanda del material impreso yel desarrollo de la publicidad fomentó el crecimiento de las ventas de diariosy revistas, recuperando a su vez el uso del Cartel Publicitario.

Nueva generación

Una nueva generación de diseñadores surge en el siglo XXrechazando el gusto por los estilos históricos (neoclasicismo, neogótico,etc.) dando como resultado un nuevo arte: Art Nouveau o Modernismo, el cualincluía ideas procedentes de todas las disciplinas del diseño y el arte(arquitectura, pintura, diseño de muebles, cerámicas, joyería, diseñoindustrial, ingeniería de la construcción, cine, fotografía, etc.),acelerando la evolución en el arte de vanguardia y en el diseño, el ArtNouveau creó al diseño gráfico como oposición al puramente tipográfico, nosolo como un medio de comunicación de ideas nuevas, sino también para suexpresión. La tecnología proporcionó nuevos medios gráficos ailustradores y diseñadores, afianzando al Modernismo como el estilo dominantedel siglo XX. Cabe destacar que las grandes invenciones que se produjeron entre1850 y 1910 ayudaron a difundir las comunicaciones visuales y a inspirar a losdiseñadores, entre ellas tenemos: la máquina de escribir, el clisé pluma, latrama, el proceso de impresión en color, la fotografía en color, la composiciónautomática, la instantánea, la fotografía de rayos X, la película de animación,las diapositivas de linterna mágica, entre otros.

Influencias

Entre las influencias del estilo modernista en el diseño gráficopodemos resaltar que el estilo radical, anarquista, nihilista de Dada ylos experimentos tipográficos de cubistas y futuristas funcionaron como una líneadivisoria. Es así como se desecharon los estilos tradicionales de tipografía ylayout, dando paso a la evolución de un estilo alternativo y adecuadamentemoderno de layout con nuevas tipografías mecánicas. Los principios inspirados por la revolución que produjo enla industria, la arquitectura y la construcción, la nueva maquinariaindustrial, el automóvil, el rascacielos, la Torre Eiffel, los gigantescosedificios, las fabricas y los ferrocarriles, dieron paso a la construcciónmodular en cuadrícula de los edificios de estructura de acero, la cual seconvirtió en una metáfora para la construcción de la página y en unaherramienta fundamental del diseño gráfico, estos principios arquitectónicosse aplicaron directamente a las artes gráficas en las estructuras básicasdentro de las cuales se desarrollaron los estilos asimétricos y notradicionales del modernismo.

ACOGIDA DE LA BAUHAUS

Itten, Klee y Kandinsky buscaban el origen del lenguajevisual en geometrías básicas, colores puros y en la abstracción,constituyendo un análisis de formas, colores y materiales. Para ellos servíancomo una escritura con la que podría analizarse y representarse la prehistoriavisible, por ello la Bauhaus se caracterizó por la conciencia de su separaciónde la historia y su anhelo por encontrar un punto de origen. "En 1923 Kandinsky proclamó que hay una correspondencia universal entre las tres formas básicas y los tres colores primarios." Al asimilar sus métodos en la educación moderna del diseñola Bauhaus se convirtió en un punto de origen, resaltando las formas geométricas,el espacio reticulado y el uso racionalista de la tipografía. El potencial lingüísticode la teoría de la Bauhaus fue ignorado y el proyecto de un lenguaje visual seinterpretó aislado del lenguaje verbal. La Bauhaus fue un lugar en el cual se unieron diversascorrientes vanguardistas que se dedicaron a la producción de la tipografía,publicidad, productos, pinturas y arquitectura. Las actividades de la escuelarecibieron amplia publicidad en los Estados Unidos a finales de los añostreinta cuando muchos de sus miembros emigraron a este país, así la Bauhausfue equiparada al pensamiento avanzado del diseño. La forma visual se consideró como una escritura universalque hablaba directamente con la mecánica del ojo al cerebro. En el mismo ordende ideas, la palabra Gráfico se utilizó para referirse tanto a la escrituracomo al dibujo, y su trazado se percibe como una Gestalt: una forma o imagensimple. El "Libro de Apuntes Pedagógico" de Paul Klee,y"Punto y línea sobre el plano" de Wassily Kandinsky, fueronpublicados por la Bauhaus y sirvieron de introducción a la gramática de laescritura visual. Giorgy Kepes y Laszlo Moholy-Nagy, utilizaron lapsicología de la Gestalt para aportar una racionalidad científica al lenguajede la visión, la psicología de la Gestalt ha sido desde entonces una fuente teóricadominante en la enseñanza básica del diseño. El primer profesor del Curso Básico en la Bauhaus fueJohannes Itten, cuyo misticismo y excentricidad disonaban de los planes prácticosde Walter Gropius (arquitecto fundador de la Bauhaus en 1919) para la escuela,luego de la dimisión de Itten en 1923, Kandinsky dio clases sobre color y loselementos básicos de la forma, y Klee dio lecciones en la clase de formas básicas. En los libros de texto básicos de Klee y Kandinsky, el gráficoes un modelo de expresión pictórica y sus manuales de diseño describen a la líneacomo un solo punto arrastrado a través de una página. De igual manera,Kandinsky utiliza el término Traslación, aludiendo al acto de trazarcorrespondencias entre marcas gráficas lineales y una serie de experiencias nográficas como el color, la música, la intuición o la percepción visual. La serie representa el intento de Kandinsky de probar unacorrelación universal entre el color y la geometría, y se ha convertido en unode los íconos más famosos de la Bauhaus, aunque hoy en día pocos diseñadoresaceptan la validez universal de la serie, ésta sigue siendo la base denumerosos libros de texto de diseño básico. En 1923, Kandinsky hizo circular un cuestionario por laBauhaus pidiendo a cada participante que asociase intuitivamente con los trescolores primarios, tratando de dar validez mediante el test psicológico a laserie, ya que ésta encarna la teoría del lenguaje visual como sistema deoposiciones perceptivas, por la cual se logra una comunicación directa con losmecanismos del ojo y el cerebro. La forma estructural que invadió el arte y el diseño de laBauhaus fue la Retícula, la cual articula el espacio según un tramado deoposiciones: vertical y horizontal, arriba y abajo, ortogonal y diagonal, eizquierda y derecha. Otra oposición implicada en la retícula está entre lacontinuidad y la discontinuidad. En 1928 se dieron una serie de conferencias en la Bauhaussobre la psicología de la Gestalt, la cual es fundamental para la teoríamoderna del diseño y promovió una ideología de la visión como facultad autónomay racional, mostrando los modos en que una figura emerge sobre un fondo neutroque se le subordina como condición necesaria pero invisible de la percepción.

MOVIMIENTO MODERNO Y NEOMODERNO

La pedagogía del diseño Moderno es la disposiciónrepetitiva de una colección de signos según determinadas reglas de combinación.La tarea predominante de la teoría moderna del diseño ha sido organizar loselementos geométricos y tipográficos en relación con oposiciones formalestales como ortogonal / diagonal, estático / dinámico, figura / fondo, lineal /plano o regular / irregular. Suiza fue el centro ideológico de la teoría moderna deldiseño en los años cincuenta y sesenta, donde la intuición se convirtió enun elemento clave en ecuaciones racionalistas, donde se aplicaban afirmacionescomo: Entre más exactos y completos son los criterios, tanto más creativa esla obra. En los comienzos de los años setenta, la unión entre elsistema racional y la elección intuitiva se convirtió en la preocupacióncentral para algunos diseñadores que laboraban en el idioma moderno, por esemotivo se pensó en las alternativas que ofrecía el proyecto Neomoderno depersonalizar los lenguajes modernos, aparte de retorno al ideal de unacomunicación universal libre de valores. Los limitados vocabularios formales del contructivismo fueronintentos para lograr un orden lingüístico, cultural o psicológico queregulara el acto creativo individual, más que personalizar lo moderno, loneomoderno trató de priorizar el poder y la capacidad penetrante de loslenguajes que utilizamos.

EL NACIMIENTO DE WEIMAR

Ante la derrota en la Primera Guerra Mundial, el Kaiser abdicóy se formó una república con la capital en Weimar, la cual tuvo que negociarla paz con sus enemigos de fuera y de dentro. Los alemanes que estaban en loscampos de batalla confiados en su superioridad moral, volvieron de ellosvencidos y traicionados. Los cuarenta y siete años que siguieron la unificación dela nación alemana presenciaron su desarrollo hasta que se convirtió en la naciónmás industrializada y militarizada de Europa. Con la rapidez de su urbanizacióne industrialización las artes prosperaban en Alemania, Diaghilev, cuyasproducciones toparon con la animosidad de otras capitales europeas fuebienvenido en Berlin. "Escribiendo que después de años como soldado en el frente estaba dispuesto a reempezar la vida, Walter Gropius manifestó su deseo de dirigir la escuela de Artes y Oficios de Weimar." En el caos del mundo alemán había la esperanza de quepudiera crearse un nuevo orden por medio de un arte nuevo. Gropius llamó a launificación de las artes, pero la ausencia de una república alemanaconvincente condujo a momentos utópicos como la Bauhaus y a la devastacióninfligida por los nazis.

EL TIPO UNIVERSAL DE HERBERT BAYER

Con la derrota del imperio alemán la legitimidad de lacultura del siglo XIX parecía en decadencia, muchos alemanes sintieron que debíanempezar de nuevo. Diseñadores como los asociados en la Bauhaus impulsaron unnuevo modo de pensar sobre la visión y la función del entorno visual. Para ellos el diseño no debía seguir utilizándose parareflejar y reforzar una sociedad jerárquica, muchos miembros de la Bauhaus creíanque el futuro dependía de unas leyes universales de la razón que no estabanvinculadas a las limitaciones de la cultura tradicional. Herbert Bayer fue estudiante de la Bauhaus, y Gropius loinvitó a dirigir el taller de tipografía e imprenta. Bayer desempeño un buenpapel en el desarrollo de una nueva tipografía que utilizaba tipos de paloseco, filetes gruesos y retículas sistematizadas para conseguir composicioneslimpias y lógicas. Las consideraciones de estilo y expresión fueronsubordinadas a la pureza de la geometría y las exigencias de la funcionalidad,este método condujo a Bayer a diseñar una tipografía con formas de letras tanesenciales que se entendieran como universales. El tipo Universal diseñado porBayer en 1925, representa una reducción de las formas de letras romanas asimples formas geométricas. Este tipo de letra abarcó a la industria y a latecnología y se adaptó a las técnicas de reproducción en masa y métodosracionalizados.

PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL DISEÑO

A lo largo de la historia gran diversidad de movimientos artísticosse han visto representados por importantes diseñadores, entre ellos Aubrey V.Beardsley, quien destaca como dibujante y es llamado "el discípulo deldiablo". Beardsley fue gran opositor de las ideas de William Morris y secaracterizó por su gusto por reflejar el arte decadentista de fines del sigloXIX, influido por el arte oriental utilizó ornamentos con este estilo y seobserva también en sus diseños el predominio de los espacios en blanco, brillóen la ilustración de libros como "Salomé" de Oscar Wilde (1894). Otros representantes destacados fueron el notable arquitectoingles de la segunda mitad del siglo XVII, Christopher Wren y el acuarelista ypintor Walter Crane, precursor del renacimiento de las artes (Modernismo) y delArt and Craft. Crane ilustró libros de cuentos infantiles como El Grimm, RobinHood y Don Quijote. Cabe destacar que el Modernismo se caracterizó por el uso deformas geométricas, simples y sin ornamentos, aunadas a una tipografíaigualmente sencilla. Y el Art and Craft se refiere al grupo de artesanos,artistas, diseñadores y arquitectos que se propusieron levantar el estado delas artes aplicadas, al de las bellas artes. Principalmente inspirado porWilliam Morris, otros artistas importantes en el movimiento fueron HenryHoliday, Walter Crane, el arquitecto y diseñador Philip Webb, Alejandro Fishery Christopher Whall. Uno de los más notables precursores del racionalismo fue elarquitecto británico Charles R. Mackintosh, quien se destacó por susconstrucciones geométricas. Se caracterizó por su dedicación en la elaboraciónde carteles, muebles y objetos ornamentales, y por la búsqueda de la estilizaciónde las formas rectangulares combinadas con suaves curvas. Otro importante representante fue Arthur H. Mackmurdo, quienestudió arquitectura bajo la tutela de James Brooks y asistió a clases dedibujo por John Ruskin. Su admiración por el Renacimiento lo llevó a creer enla unidad de las artes, y en 1882 junto con su estudiante Herbert P. Horne, y elartista Image de Selwyn, Mackmurdo fundó el Gremio del Siglo, el periódico delGremio: "El Caballo de la Afición", fue diseñado inicialmente porMackmurdo. El británico William Nicholson fue pintor, impresor y diseñadorde teatro. Empezó su carrera profesional como diseñador de carteles y comoilustrador de libros, donde los contrastes llamativos de negro y blanco de su técnicadel woodcutting fue acostumbrado a gran efecto. En 1894, Nicholson empezó colaborando en planes del cartelcon sus cuñado James Pryde y los dos se dieron a conocer como los Hermanos deBeggerstaff (Beggarstaff Brothers). Ya en 1890 Nicholson empezó a hacer bojs y a experimentarcon la suma de tintes sutiles de verde y ocre a sus composiciones negras yblancas. Nicholson se conoció pronto por su habilidad e innovación en elmedio, elevando la forma de arte a un nivel alto de éxito, ambos estéticamentey comercialmente. En 1897, el artista produjo su retrato: Reina Victoria, elcual es una de las impresiones británicas más famosas. Otro precursor del diseño fue Peter Behrens, quienoriginalmente fue entrenado como pintor, su estilo provisional estimuló unanueva abstracción geométrica en su trabajo. De 1907 a 1914 Behrens trabajó como un consejero artísticoal AEG en Berlín donde creó la primera imagen corporativa del mundo. Behrenses considerado una figura importante en la transición al Clasicismo Industrial,y jugó un papel central en la evolución de Modernismo alemán.

INFLUENCIA DEL ESTILO VANGUARDISTA ART POP

El Art Pop o Arte Popular, es un producto típicamentenorteamericano (aunque también se desarrolló en 1950 en Inglaterra), queaspiraba a ser un arte testimonial del tiempo que se vivía. Se caracteriza por inspirarse en la vida de la ciudad,tomando como elementos de expresión los productos masivos de la cultura, esfigurativa y emplea objetos de uso diario de la sociedad consumista: botellas decoca cola, latas de cerveza, neveras, autos, comics, personajes del cine y lacanción, etc. Utiliza procedimientos dadaístas (ready mades),hiperrealistas (fidelidad fotográfica) y cubistas (collages). Predomina elcolorido brillante, con tintes fluorescentes y acrílicos de colores vivos. Dentro de este arte se destacan artistas como Jasper Johns, AndyWarhol, C. Oldenburg, George Seagal, Peter Blake y Roy Lichtenstein.

EL DISEÑO GRÁFICO EN LATINOAMÉRICA

Colombia es uno de los países con mayor tradición históricaen el campo de las artes gráficas, la obra impresa más antigua del país datadel siglo XVII. La figura colombiana más relevante es David Consuegra (1939),quien fundó un grupo en la Universidad de Bogotá brindando su experiencia ytalento. Otros representantes del diseño en Colombia son Marta Granados,Antonio Grass y Dicken Castro. En Perú el verdadero pionero del diseño gráfico peruanomoderno es Claude Dieterich (1930), quien después de trabajar en Paris endiversas agencias de publicidad y en el diseño de revistas, se establece enLima implementando las influencias europeas en el diseño gráfico contemporáneode América Latina. El primer periódico editado en Venezuela en 1808, marca losorígenes de la imprenta en este país, y la iniciativa de mejorar el diseño delos sellos de la Administración de Correos se debió a un grupo de diseñadoresy artistas venezolanos en la que mejoró notablemente la calidad del diseñovenezolano. Cabe destacar a Gerd Leufert quien se estableció en Caracasy fue autor de 26 sellos para la Administración de Correos y es calificado comoel padre del diseño gráfico venezolano. Y M.F. Nedo es el segundo pioneromoderno del diseño venezolano quien inició su larga e intensa colaboracióncon Gerd Leufert en la agencia de publicidad McCann Erickson. En México se establece la tipografía en 1539, fray Juan deZumarraga es el autor del primer libro impreso en América, casi doscientos añosantes de la famosa Biblia de Gutemberg de América Latina impresa en Argentina.Durante el siglo XVIII se ocuparon básicamente de reproducir imagineríareligiosa, poco después en 1830, la litografía se ocupó también de esosmenesteres añadiendo sátiras de costumbres y caricaturas políticas en periódicossimilares a los europeos. "…la obra del insigne xilógrafo José Guadalupe Posada, por ejemplo, hay que enmarcarla en la historia del diseño gráfico. Por varias razones…José Guadalupe Posada, solo, fue capaz de hacer una producción casi tan abundante y variada como lo fue la francesa…" Otros artistas gráficos de gran relevancia además de JoséGuadalupe Posada, fueron: Trinidad Pedroza, Orozco, Diego Rivera, LeopoldoMendez, Julio Ruelas, Miguel Cobarrubias, entre otros. En Cuba se disponía de una larga tradición en diseño gráficoaplicado al consumo, probablemente la más antigua de Latinoamérica, antes demediar el siglo XIX disponía de talleres litográficos y de una practicaaceptable en el procedimiento inventado en Alemania, acercando por primera vez aun país sudamericano a uno de los paises más desarrollados de la vieja Europa. Indudablemente la historia del diseño cubano en litografíala escribió Francisco Murtra, la de la tipografía José Mora y la delcartelismo (y por extensión, de todo el diseño gráfico) Felix Beltrán. En Argentina prevalece una fuerte influencia francesa, losmejores cartelistas argentinos de la historia son Arnaldi y Valerian Guillard.En los años sesenta este país era la primera potencia de América Latina en laedición de libros y otros materiales de lectura como por ejemplo, los diarios.Sin embargo, la ilustración es la especialidad en la que los argentinos hantenido mayor proyección, destacándose Castagnino, Sabat, Quino, Mordillo y TomásMaldonado. La tipografía llega tarde a Brasil, a pesar de esto elestablecimiento de las sucursales de las grandes agencias de publicidadamericanas, que coincide con el primer gran desarrollo industrial y mercantildel Brasil, permite la introducción de las más modernas formas de producciónindustrial, con lo que los brasileros aprenden a diseñar anuncios publicitariosen 1940. El origen del diseño gráfico brasilero puede determinarsepor medio de los pioneros Aloisio Sergio Magalhaes y Alexandre Wollner. En 1962se inauguró en Río de Janeiro la primera Escuela Superior de diseñoIndustrial, la cual ha contado con profesores de altísimo nivel como GuiBonsieppe.

ÚLTIMAS TENDENCIAS: EL DISEÑO COMPUTARIZADO

Los avances tecnológicos y computarizados dieron paso a unagran evolución del diseño gráfico, facilitando herramientas para la creaciónde diseños innovadores y de gran originalidad. Al respecto, cabe destacar eluso de programas como Photoshop, Corel Draw, Phox-pro, Free Hand, AdobeIlustrator, Macromedia Flash, Page Maker, entre otros. Los programas como Corel Draw y Free Hand son los mejoresprogramas gráficos de nuestra época, ya que han sabido capturar la imaginacióndel artista, ofreciendo desde un principio la posibilidad de hacerla realidad.Además, han solucionado con la evolución de sus programas, ciertas áreasproblemáticas y al mismo tiempo han incorporado nuevas herramientas, entre lasmejoras destaca el perfeccionado modulo de impresión, el cual nos permite haceruso de una práctica mini-previsualización de la impresión. En Corel Draw los clásicos efectos como las Mezclas o losContornos han encontrado su lugar en un nuevo Menú de Herramientas Interactivo.Este menú es un nuevo residente de la Caja de Herramientas y nos da acceso atodas las herramientas interactivas. Estos cambios, nos obligan ha usar elprograma de una manera más productiva y eficiente. En otro orden de ideas, los programas como Photoshop permitencon sus múltiples herramientas crear y diseñar a base de un material fotográfico,variedad de efectos especiales, con los que podemos lograr maravillososfotomontajes, dibujos, efectos de luces, texturas etc. Durante el siglo XX, los medios de comunicación aportaroncon su desarrollo tecnológico un mayor control del proceso gráfico a los diseñadores,ya que en los años 90 las nuevas formas de comunicación de la era digitalpresentaron nuevos desafíos, como es el caso del sistema de distribución deinformación World Wide Web (W.W.W.), contribuyendo a una rápida evolución deldiseño gráfico a nivel mundial. Las páginas web son documentos electrónicos con enlaces dehipertexto o hipermedia que posibilitan la navegación virtual por lasinformaciones disponibles en Internet. Hasta 1993 la labor de crear páginas webestuvo reservada a los técnicos en informática que sabían manejar lasetiquetas códigos HTML (Hipertext Markup Languaje / Lenguaje de Marcas deHipertexto), necesarios para la composición de los elementos de presentaciónvisual, y por este motivo las páginas presentaban fondo gris, texto y algunadecoración. Con la incorporación de nuevas tecnologías y la llegada delos primeros editores HTML, la web posee ahora mucho más colorido en sus fondosy también diferentes texturas, botones, barras y una infinidad de iconos. LaW.W.W. es un nuevo y complejo campo para el diseño gráfico, que permite múltiplesposibilidades de añadir imágenes móviles en animación o en video, fotos, gráficosy textos en un ambiente interactivo. Dreamweaver y Front page son reconocidosprogramas para la realización de páginas web. http://www.ilustrados.com



Afiche 1930

Uruguay 1930. Guillermo Laborde


Movimiento artístico

Fauvismo

El fauvismo, surgido en el mundo artístico parisino en 1905, inició una nueva era de color vivo e intenso, perspectiva plana y simplificación formal. Buscaban una forma más dinámica de representar lo natural. Experimentaron con un color audaz y no realista aplicado con pinceladas breves y de colores puro . Les interesaban las estructuras sólidas y permanentes.


Planismo

El movimiento plantista tiene como característica los planos recortados, colores planos y brillantes, desde el juego de la luminosidad y la exaltación de esta.

Mundo diseño

Art decó. Surge entre los años 1920 a 1939. Situandonos en los afiches, estos tenían los antecedentes previos de los carteles de art nouveau, pero además inspirados en las vanguardias del siglo XX, en particular en cubismo, futurismo y constructivismo. El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags. Art Déco es un conjunto de diversos manifestaciones artísticas que convergieron entre las décadas de los años veinte y treinta en Europa y Estados Unidos, principalmente, así como en otros países, exaltando el gusto por la decoración, a través de diseños, en muchas ocasiones exóticos, que subliman lo geométrico, lo cúbico y lo aerodinámico, en contraposición de la delicadeza curvilínea y serpenteante de Art Nouveau y sus diferentes acepciones.


Autor

El autor del afiche de 1930 fue Guillermo Laborde, pintor escultor y diseñador uruguayo. Sus estudios comienzan en el Círculo de bellas artes en Montevideo, pero a partir de 1912 estudió en Florencia, Roma, París y España, por lo tanto toda la influencia de las vanguardias recae en su trabajo como pintor, y luego como diseñador. Su estilo luego se fue detemrinando y formando parte del movimiento plantista . El movimiento plantista tiene como característica los planos recortados, colores planos y brillantes, desde el juego de la luminosidad y la exaltación de esta.


Influencia Diseño

El afiche tiene un estilo muy similar al art decó , cual a su vez como se dijo anteriormente fue el resultado de la serie de vanguardias que surgieron en los años 20. Lo similar entre este y el afiche es principalmente la geometría, la abstracción de la forma y la figura humana. Junto con el art decó también se puede ver con claridad el planismo del autor, mostrándose en los planos del afiche y sus colores planos.

Afiche 1934

Italia 1934. Gino Baccasile


Movimiento artístico

Futurismo

Mundo diseño

Bauhaus

Autor

Gino boccasile Diseñador gráfico italiano http://www.delyrarte.com.ar sus dibujos son reproducidos sobre numerosas revistas especializadas como “Soberana”, “la ilustración”, “Fantasías de Italia” Una comunicación visual donde sus personajes todavía hoy, semejan brincar, estallar del cartel.


Afiche 1938

Francia 1938. Henri Desmé


Movimiento artisitico

Modernismo art deco

Mundo diseño

Afiches de guerra

Autor

Henri Desmé

Afiche 1950

Brasil 1950. Autor desconocido


Contexto histórico

Guerra fría

Mundial después de la guerra

El formato del mundial varió debido a las ausencias. En las rondas preliminares no entraron ningún país del Eje comunista y algunas selecciones clasificadas rechazaron ir. Argentina rehusó disputar la fase de clasificación. Otras se ausentaban por otras razones, como la India que no se la permitió jugar descalza y declinó su participación. O Escocia, que aún estando clasificada, como segunda, rechazó su plaza por no ser merecedores de acudir, al no haber sido líderes de grupo. Su puesto fue ofrecido a Francia, que tampoco aceptó.

Japón y Alemania estaban expulsados de la FIFA tras la Segunda Guerra Mundial. Italia se había librado por la labor en los despachos y por mantener el trofeo a salvo en una caja de zapatos debajo de la cama del Vicepresidente italiano de la FIFA, Ottorino Barassi.

Italia traía una selección mermada en todos los aspectos. En 1949 un accidente aéreo terminaba con la vida de 18 jugadores del Torino, muchos de ellos titulares de la squadra. Es conocida como la tragedia de Superga. La selección italiana, por este motivo, se negó a viajar en avión a Brasil y lo hizo en barco.

En este campeonato del mundo se utilizaron por primera vez en la historia los dorsales, del 1 al 11, para que el árbitro pudiera identificar a cada jugador.

Ver: Cartelismo Cubano-Latinoamericano

Afiche 1954

Contexto histórico

Después de la guerra, Suiza continúa expandiendo el estado socialista por la introducción del Seguro de la Vejez y Sobrevivientes en 1946 y luego mediante la aplicación del «sistema de los tres pilares» en 1972. El sufragio femenino en Suiza, que existía en algunos cantones, se generaliza en toda la federación en 1971 y luego se impuso a nivel cantonal en los otros cantones, principalmente en 1971 y 1972. El cantón de Appenzell Rodas Interiores tiene la obligación de 1990 por sentencia de un tribunal de respetar el principio de la igualdad entre mujeres y hombres como garantiza la Constitución Federal. Los problemas confesionales del siglo XIX se olvidan y los artículos de excepción son esencialmente abolidos en 1973. Durante este tiempo, Suiza es el país más próspero del mundo a pesar de la crisis del petróleo de 1973, que ve la instauración de algunas zonas sin automóviles. Se desarrollaron productos químicos y textiles, así como los bancos. La tasa de desempleo se mantiene por debajo del 3% y Suiza continúa con una política exterior de neutralidad estricta al tiempo que ofrece sus «buenos oficios» para resolver disputas.

Movimiento artístico

Expresionismo abstracto

Influencia surrealismo

Mundo diseño

Tras el paréntesis que significó la II Guerra Mundial, un nuevo estilo de diseño gráfico emerge en Suiza en los años 50 y llegará a ser el predominante hasta los años 70 y una referencia imprescindible en la época actual, de hecho sus teorías sobre la forma tipográfica siguen estando en base de las enseñanzas que se imparten en la escuelas de diseño. Este movimiento es conocido como "Estilo Tipográfico Internacional" o más a menudo llamado "Diseño Suizo".

El nuevo estilo se funda sobre las innovaciones previas de los constructivistas y especialmente de la "tipografía elemental" y tiene en cuenta a su vez la necesidad creciente de comunicación internacional y el desarrollo de un nuevo medio, la fotografía. Este estilo se sustentaba sobre tres pilares básicos: - El uso de una rejilla modular (o reticula) que dotaba al diseño de coherencia y estructura interna. - El empleo de tipografías sans-serif y deposición asimétrica de los distintos elementos del diseño. - Utilización de la fotografía en blanco y negro en lugar de ilustraciones.

La impresión general era simple y racional con una estructura clara y concisa. El estilo tuvo como centro de eclosión dos escuelas de diseño Suizo, una en Basilea liderada por Armin Hofmann y Emil Ruder y otra en Zurich a cargo de Joseph Mûller Brockmann. Ambos habían estudiado con Ernst Keller en la Zurich School of Design donde enseñaban los principios de la Bauhaus y de la nueva tipografía de Jan Tschichold. Emil Ruder fomentaba en sus alumnos la utilización y el aprecio del espacio en blanco como parte integrante del diseño así como la limitación en el uso de diferentes tipografías.

Como saben el estilo suizo fue un movimiento en Diseño Gráfico entre 1920 a 1950. Se manejó en el Arte, Arquitectura y Cultura. Posteriormente en 1960 llegó a conocerse como un estilo a nivel mundial. Los de Smashing Magazine hacen una comparación de lo que fue el estilo suizo con referencia al Diseño Web de nuetros tiempos

El estilo gráfico suizo de los años cincuenta, con su punto de inflexión en los setenta, es un referente actual y su planteo continúa siendo la base de la enseñanza en el campo tipográfico. La experiencia profesional, a partir del relato autobiográfico de Rosmarie Tissi, inscripta en la escuela suiza, aborda su obra e intenta dar cuenta del escaso análisis que tienen los estudios de género en las disciplinas proyectuales.... El tan mentado diseño suizo estuvo construido en forma rigurosa por mujeres y hombres que fueron parte de una lógica cuyo principal motor era la concepción de un diseño claro, generado metodológicamente. Sus raíces se encuentran en el movimiento moderno, en escuelas como la quauhaus. En la actualidad, es curioso observar que, si bien existe considerable bibliografía sobre estas escuelas, muy pocas se ocupan de mencionar la participación de las mujeres, alumnas y profesoras, en la formación y producción del diseño producido en ellas. http://issuu.com/rotiadesign/docs/catalogofinal








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